La pareja protagónica, que forman un poeta maduro (Javier Bardem), ecuánime, por unos momentos dominante y egocéntrico y, en otros, exasperantemente pasivo e indiferente.

Y la mujer (Jennifer Lawrence), dedicada en alma y cuerpo a su hogar y a su amado, entregada a su pareja y a su casa, con la que se conecta de manera especial, ve su apacible mundo alterarse ante la extraña y sospechosa llegada de un hombre desconocido y su mujer.

Un encuentro del que derivará una serie de situaciones que sacuden los cimientos de su unión y de su espacio vital, y que a ella la llenan de impotencia y desesperación.

El director (Darren Aronofsky) aborda, mediante un ejercicio metafórico, una serie de profundos pensamientos cargados de un aplastante peso de ideas muy revueltas.

Crea un alusivo cuento en el que compenetran mensajes mitológicos, religiosos e incluso ambientalistas, forjando un mundo alterno en su película que se convierte en el reflejo de todos los imaginarios colectivos a los que somos susceptibles. 

Su manejo del tiempo, el espacio y la lógica dentro del argumento es por completo caprichoso, y sin duda, es uno de los propósitos el que no exista una secuencia lineal y bien estructurada de los hechos, por lo que la historia que se cuenta deja de ser relevante para dar paso a su significado, a los subtemas que deja en el aire.

Desde el comienzo de la cinta se puede notar, intriga, aires góticos y hasta cierto punto un poco terrorífico, las escenas van un tras de otras, en continuidad lineal pero a la vez tan diferentes una de otra.

La música en este tipo de películas juega un papel muy importante, ya que el objetivo es hacer tención al público, pero es curioso ya que no toman mucho en cuenta este recurso, sin embargo la película por si sola logra hacer esto y hasta puede llegar a hacer sentir un poco de presión, y de desesperación.

La cámara en movimiento constante se vuelve una espía dentro de la casa, siguiendo muy de cerca y en todo momento los pasos de la la mujer destacando su femineidad y personificación clara del estereotipo de fertilidad y el arquetipo de la madre tierra.

Dicha cámara en modo subjetivo se convierte en su sombra, la acompaña en sus incansables labores domésticas, con tomas cerradas y asfixiantes.

Por cualquier, el mayor mérito que se le puede dar a esta película es el de lograr despertar en el espectador un sinnúmero de emociones, que van desde el aturdimiento, debido a la violencia de las escenas, a la turbación ante lo sobrenatural y hasta el terror ante la inminencia del peligro y el caos que reina dentro de la pantalla, para después despedirse con un fuerte final que a cualquier lo deja sorprendido.

De tal forma que esta perturbadora cinta es capaz de provocar cualquier clase de sensación que uno pueda imaginar.

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Julio Pina

Soy un chico que trata de dar un punto de vista diferente sobre el maravilloso mundo del cine.

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La historia es por lógica, más oscura. Conforme avanzamos en la historia, esta se muestra cada vez más turbia y tétrica. Pero está en su progresión natural. Nolan y el equipo técnico vuelven a cautivarnos con emocionantes escenas de acción; brillantes planos y secuencias con el personal toque del director, un sentido del humor bizarro; una tensión asfixiante que poco a poco se va desenvolviendo conforme pasan los minutos.

Las virtudes de «The dark knight« (El Caballero De La Noche) nacen de sus propios defectos, y viceversa.

La agilidad de la trama, los giros argumentales, fruto de la propia naturaleza del personaje interpretado por  Heath Ledger, otorgan a la película su gran baza a la hora de entretener, pero hacen que el contenido profundo de la misma haga aguas por todas partes. En muchos momentos, la artificiosidad en los planteamientos, y la velocidad con que son propuestos resulta como mínimo, desafortunada, cuando no pretenciosa.

Condensar tantos cómics y armar un puzzle de forma lógica y coherente es complicado; pero más aún es presentar tantos personajes y hacerlo dándole profundidad y humanidad a todos y cada uno de ellos. Los tres protagonistas de la función son Joker, Harvey Dent y Batman, pero no se quedan atrás los secundarios. Interpretados con convicción por dos de los mejores actores jóvenes vivos (Christian Bale y Aaron Eckhart), y por uno fallecido, Ledger, que destapa aquí una interpretación extraordinaria.

Mención aparte merece el brutal Joker por el que Heath Ledger será recordado.

La esencia de éste sádico y perturbado payaso se refleja magistralmente en la pantalla de cine dando lugar a uno de los villanos más memorables que se han visto en una sala. Su Joker resulta tan repulsivo como hipnótico; asusta tanto como atrae, en su locura uno reconoce los más bajos instintos humanos, no tiene nada que perder porque nada tiene; así que la irracionalidad de sus actos solo busca instituir un mundo lo más parecido al apocalipsis donde su comportamiento demente sería la norma generalizada aceptada por todos. Si la película es tan grande se debe en mayor parte a la labor de Heath.

Todos los personajes han evolucionado. En especial el de Batman. La historia está muy apegada a la novela gráfica. Quizá se esperaba un poco más en la profundidad y resolución de Harvey Dent (2 caras), pero funciona magistralmente como un ser que es vital para la paz de la ciudadanía de Ciudad Gótica y su consecuente tragedia.

El Caballero Oscuro (El Caballero De La Noche) funciona, al mismo tiempo y sin perder un ápice de calidad, como secuela, como adaptación y como película, y puede ser vista, disfrutada y analizada desde las tres perspectivas manteniéndose en lo alto.

Christopher Nolan entiende este universo. No sólo comprende a Batman, si no también capta las motivaciones de Bruce Wayne donde nos adentra en sus ideales y sentimientos llevándonos a pensar sobre lo que verdaderamente es bueno y malo.

Con decisiones duras pero sabias. Con un final de antología. Y con uno de los mejores villanos que el cine haya dado en toda su vida. Es una obra que traspasa todo hasta convertirse en una estrella que brillará por siempre.

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Julio Pina

Soy un chico que trata de dar un punto de vista diferente sobre el maravilloso mundo del cine.

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La película es profundamente reflexiva y ahonda los orígenes de Batman y los motivos que lo convirtieron en el representante del Bien en la ciudad de Gótica. Nos muestra a un Bruce Wayne aislado del mundo que vive obsesionado con el recuerdo de sus padres, muertos a tiros en su presencia.

Lo que hace de «Batman Begins» una gran película, además de ser fiel al personaje y al cómic dejando espacio a la vez al sello propio del director, es que no resulta tan fantasiosa ni tan caricaturesca como las películas de antaño. Un guion que apuesta a algo fuerte y se deja apreciar desde su poderío narrativo y demuestra que las películas de superhéroes, están para mucho más que ser un mero entrenamiento visual.

Christopher Nolan recupera la magia de uno de los más grandes héroes de todos los tiempos, con una visión realista, melancólica y fresca al mismo tiempo del «Hombre Murciélago”. Nolan opta por una estética fría, directa, casi de quirófano para crear una narración en la que importe tanto la parte física como la psicológica. Y, sobre todo, se adentra no solo en la construcción de Batman cómo héroe, sino también de Batman como monstruo. Nada en esta película sobra. El guion es perfecto, sin pecar de pedante ni vulgar en ningún momento ya que el director británico opta por un realismo que rompa la barrera entre lo posible y lo imposible a la hora de concebir a un multimillonario que decide tomarse la justicia por su cuenta.

Las actuaciones son inmejorables, Christian Bale está impecable como Batman, encarnando un personaje convincente que, en gran medida, resulta más creíble y lleno de matices ya que es el único que ha permitido que entremos en su cabeza para ver sus sentimientos y que podamos palpar e identificarnos. Bale refleja a la perfección la lucha interna de su personaje, que se debate entre la venganza y la justicia donde nos hace ver a un Wayne más humano, con sus miedos, su obsesión por establecer justicia cueste lo que cueste. Un Batman de carne y hueso que como cualquier persona tiene debilidades y que a su vez también puede dar lo mejor de sí mismo para conseguir lo inalcanzable.

Son los personajes secundarios los que realmente le dan a Batman el universo por el que moverse y los miedos de los mismos los que le permiten a Bruce actuar, donde tenemos a Michael Caine, en el rol de Alfred Pennyworth, el mayordomo que cría a Wayne y su pilar emocional. Morgan Freeman como Lucius Fox, el talentoso ingeniero mecánico, creador de las maravillas técnicas de Batman. Gary Oldman, encarna al honesto jefe Gordon y Katie Holmes como Rachel Dawes, la amiga de la infancia de Bruce. Un grandioso reparto que le da frescura a las personalidades más representativas de Ciudad Gótica,

Una cinta casi perfecta en la que los efectos especiales, su fotografía y lo sombrío del conjunto de la misma la elevan a la categoría de cine épico y de referencia, con una ecuánime banda sonora a cargo de James Newton Howard y Hans Zimmer, dando resultado a una composición cargada de energía, que recreará una atmósfera casi constante en toda la película. Claramente es una de las mejores características que se han creado para el personaje de Batman.

Sin duda, una cinta sobresaliente en diferentes aspectos y de las mejores películas de superhéroes de la historia cinematográfica. Interesante, absorbente, atractiva visualmente y provista de una banda sonora cautivadora.

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Julio Pina

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“El Código Enigma” (The Imitation Game, 2014) del noruego Morten Tyldum, director de esta absorbente película y basada en el libro «Alan Turing: The Enigma” por Andrew Hodges; donde nos habla de la vida de Alan Turing, quien se dedicaba a descifrar códigos nazi durante la Segunda Guerra Mundial.

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Una película biográfica realmente ejemplar.

La vida del criptógrafo Alan Turing cuenta con todos los elementos para resultar interesante y la película del noruego Morten Tyldum los aprovecha de manera inteligentísima.

Turing es un personaje lo suficientemente desconocido, complejo, fascinante y relevante en la historia de la humanidad; para que la dirección de Tyldum y el fantástico guion de Graham Moore salgan victoriosos apostando todo a la carta de su personaje protagonista; sin caer en la tentación de desviarse hacia otros personajes o al entorno histórico en el que se desarrolla su historia, por muy relevante que este sea.

Benedict Cumberbatch ganador del Emmy por Sherlock Holmes, vuelve a activar la capacidad intelectual para interpretar a Alan Turing, un genio matemático e inadaptado social que se asoció con un puñado de criptoanalistas de Londres durante la Segunda Guerra Mundial para descifrar el código naval de los nazis y ayudar a ganar la guerra.

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“El Código Enigma” (The Imitation Game, 2014) es un film de corte clásico.

Con un montaje sobrio que utiliza de manera elegante y sin abusar el recurso del flashback, cuyos artífices están tan seguros de su apuesta que se permiten casi prescindir de localizaciones exteriores y de escenas bélicas que muestren en pantalla las consecuencias directas de la segunda guerra mundial.

Desarrollando la totalidad del film en un par de interiores y focalizando la acción en los diálogos y la interacción del omnipresente Turing y el resto de los personajes.

De esta manera se evita que la cinta se vaya a las tres horas de duración por exceso de ambientación e información. Además, crea una constante sensación de distancia entre el conflicto bélico y los protagonistas sin embargo se puede comprender como resultaron de decisivas sus acciones, pese a los kilómetros que les separaban de la guerra propiamente dicha.

La estructura subterránea de thriller y la sensación de urgencia en la carrera contra el reloj aportan fluidez a la trama. Sin olvidarse nunca del objetivo principal, que es ofrecer el más completo retrato de su protagonista.

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Consciente de que él es la película, Benedict Cumberbatch se mete en la piel de Alan Turing regalándonos un auténtico festival de intensidad y matices.

Al igual que cuando interpreta a Sherlock Holmes, es un espectáculo verle simplemente pensar. Presente en la práctica totalidad de los planos del film, no para de transmitir inteligencia, vulnerabilidad, carisma, soberbia, timidez, soledad.

Aunque él no es el único con una interpretación excepcional ya que el resto del fantástico reparto cumple magníficamente, sin olvidar por un momento su papel secundario y sin ensombrecer jamás a su protagonista.

Destacan una Keira Knightley que mejora como actriz película tras película y un Mark Strong impecable como director del escuadrón. Charles Dance y Matthew Goode rebosan presencia y elegancia puramente británicas.

El cine consigue de nuevo hacer justicia en “El Código Enigma”, dándonos a conocer un personaje decisivo para nuestra historia reciente y lo hace entreteniendo, fascinando y emocionando. Poco más se puede pedir.

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¿Quieres seguir leyendo sobre “El Código Enigma”? Nuestro colaborador Sergio Salazar también tiene una reseña de ésta película: El Código Enigma – Reseña.

Julio Pina

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Una película generosa en su planteamiento desde el mismo arranque se respira el esfuerzo de Baumbach por intentar un equilibrio en el punto de vista de sus dos personajes, pero implacable en su devastadora cronología del proceso de descomposición de una pareja.

Pero no se narra en forma lineal cómo se conocieron y enamoraron, sino que está contada a partir de su disolución. El guionista y director parece que creen que en el final es donde están las claves de todo lo que salió mal, pero también todo lo que estuvo y está bien en la que la pareja formada por Charlie, un talentoso director teatral, y Nicole, una actriz que se hizo famosa en una película juvenil, pero abandonó la posibilidad de seguir una carrera en el cine para actuar en las obras de su marido. Donde aquí podemos ver un desamor alejado de la mayoría de tópicos, retratado con un tacto admirable. Era fácil caer en la exageración o el sentimentalismo barato, pero la ruta que ha seguido el director permite que todo espectador se pueda sentir identificado con estos personajes.

El complejo, abstracto y duro entramado legal del divorcio también es apreciado y detallado firmemente, sin desperdicio con brutal honestidad y sinceridad, realidad y pragmatismo; abogados, dinero, hipotecas y desaciertos, error tras error y un poderoso baile de sincronía perfecta entre Driver y Scarlett en este increíble drama familiar.

Más allá de tener un guion de una estructura impecable y diálogos inteligentes, o tal vez por eso mismo, Historia de un matrimonio es una película que requería de actuaciones ajustadas a ese desafío. Pero lo que consiguieron Adam Driver y Scarlett Johansson en su trabajo con Baumbach va todavía más lejos y es simplemente brillante. Mientras la película se está desarrollando con Charlie y Nicole; obligan al público a entrar en esa realidad con ellos, como también lo hacen los increíbles secundarios: Laura Dern, Alan Alda, Ray Liotta, Julie Hagerty y el pequeño Azhy Robertson, que interpreta al hijo de la pareja.

Si el título habla del matrimonio y no del divorcio es porque, al fin de cuentas, el dolor, las peleas, los reclamos y el fastidio se mezclan con el amor, el cariño y la comprensión que ambos se siguen teniendo pese a todo.

Lo que pudo haber sido una dramedia sin nada especial se convierte en un relato conmovedor e impregnado de realidad, con un corazón latente en cada precioso encuadre con la emotividad en los acordes y música de Randy Newman.

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Julio Pina

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La película narra de forma certera sus logros teóricos, pero no se introduce en ellos ni en su repercusión mundial salvo de forma contextual, más interesados en Jane y Stephen como pareja.

El desarrollo de la narración en perfecta linealidad mediante una estructura convencional y funcional resulta muy efectiva, dado que marca a la perfección la evolución interna del relato y de sus personajes. Marsh, y su guionista, Anthony McCarten, asumen que la mejor manera de proyectar y de narrar la relación del matrimonio es seguir su lógica cronológica, una decisión tan acertada como carente de sorpresas. Aunque en este caso, tampoco resulta necesario porque logran introducir al espectador en la historia de manera cómoda, siendo sencillo acompañar el desarrollo dramático sin problemas, sin desvío innecesarios. 

Centrándonos en los actores tenemos a Eddie Redmayne, el joven intérprete que compone a un Stephen Hawking que basa toda la fuerza de interpretación en el descomunal esfuerzo físico que impone el británico para mostrarnos el proceso de deterioro físico de su personaje. Una labor sacrificada y monumental, capaz de llevarnos a los rincones más oscuros del sufrimiento de una persona que desde su silla, siempre ha intentado volar más allá de los límites del universo, en una demostración de tenacidad y valentía digna de elogios.

Por otro lado, nos encontramos a Felicity Jones. El trabajo de la inglesa, desarma al espectador desde el primer instante por la pureza de su composición, y la desgarradora veracidad de sus quiebras emocionales. Jones acude a las emociones más humanas para componer un retrato soberbio de la esposa sacrificada y por momentos, olvidada, que vive buscando realimentar su existencia a través de un amor muy distinto al que imaginaba en un primer cruce de miradas.

La fotografía es evocadora y competente al estar bien trabajada en detalles que son estéticamente acertados y transportan eficazmente al espectador a cada una de las épocas mostradas. La música es intrigante y estimula al público con variados sonidos que van de hipnóticos y emotivos por un lado a inquietantes por otro en un gran acompañamiento musical según la acción.

En definitiva, podríamos decir que estamos ante un biopic con una estructura al uso, sí. Pero es un biopic, escrito con sutileza y atención, está bien llevado a escena y guarda multitud de potentes matices. Erra en cebarse demasiado en los romances en algunos minutos, pero no quita para que estemos ante un drama estructural recomendable.

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¿Quieres seguir leyendo sobre La Teoría Del Todo? Nuestro colaborador Sergio Salazar también tiene una reseña de ésta película: LA TEORÍA DEL TODO – RESEÑA

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