“Wicked” (2024) nos lleva al inicio por el camino amarillo que ellas pavimentaron: una historia de amistad, rivalidades, y un poco de drama adolescente elevado a proporciones míticas. Porque sí, esta es el precuela-secuela que convierte a Oz en el universo cinematográfico más fabuloso desde Barbie Land.

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Nacida con dones únicos, Elphaba está destinada a ser señalada como diferente. Su piel verde y sus insólitos poderes mágicos son solo algunas de las señales de que no es una bruja “normal”.

Esto la convierte en blanco de burlas crueles que la hacen vivir de manera solitaria. Pensando que a través de la magia podría cambiar su apariencia, ingresa a una destacada academia de magia donde conoce a Glinda, una bruja con quien desarrolla una ambivalente relación de amistad y rivalidad por obtener la atención de la directora de la institución, Madame Morrible (Michelle Yeoh, espectacular).

Emocionada por conseguir el favor del Mago de Oz (Jeff Goldblum), viaja a la ciudad esmeralda para que le conceda su deseo. Allí encontrará respuestas que la llevarán al extremo de definir si seguir suprimiendo su verdadero poder o desafiar la gravedad y tomar las riendas de su vida.

“Wicked: Parte Uno” (2024) nos lleva de regreso a la academia más chic de Oz, pero desde una perspectiva completamente nueva: los orígenes de Elphaba y Glinda, personajes que trascienden la simple dicotomía de la villana y la heroína para convertirse en figuras profundamente humanas. Dirigida por Jon M. Chu, esta primera entrega adapta el musical de Broadway de Stephen Schwartz con un enfoque fresco y cinematográfico, demostrando que las grandes historias pueden reinventarse para nuevas generaciones.

Ariana Grande es una revelación como Glinda. Su interpretación captura la esencia del personaje con un carisma chispeante y una impecable sincronía cómica, evocando a leyendas de las chick flicks como Reese Witherspoon y Rachel McAdams, pero con un giro que hace suya la interpretación.

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La combinación de comedia, teatro y musical la consagra como la favorita de «Wicked», aunque Cynthia Erivo como Elphaba aporta una fuerza vocal insuperable que da vida a los momentos más intensos de la película.

El diseño de vestuario y la puesta en escena son otro punto alto, especialmente los trajes de Glinda, que parecen sacados de un desfile de alta costura pero perfectamente ajustados al universo de Oz. Los números musicales te hacen tararear, con una calidad vocal y coreográfica dignas de un show de Broadway. Además, la moderación en el uso de efectos visuales y pantalla verde otorgan un equilibrio visual que evita sobrecargar al espectador.

A través de los ojos de Glinda y Elphaba, “Wicked” explora la improbable amistad entre estas dos mujeres mientras enfrentan un mundo que las define por roles predestinados: una como la bruja buena y otra como la malvada. La narrativa juega con temas de identidad, prejuicio y poder, mientras el diseño de producción nos transporta a un Oz que mezcla lo teatral con lo cinematográfico, con escenarios tan deslumbrantes como su elenco principal.

“Wicked” (2024) logra lo que pocas adaptaciones hacen: respetar su material original mientras lo reinventa con sensibilidad contemporánea. Aunque no está exenta de fallos, es un espectáculo visual y auditivo que solidifica su lugar como un clásico instantáneo del cine musical.

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Sergio Salazar

Director, productor y guionista. Comunicólogo y Master of Arts en Dirección y Producción Cinematográfica de la Unión Europea. Ha colaborado como columnista y crítico para blogs independientes desde 2011. Creó el blog de crítica de cine Redactovision, publicado en Milenio. Ha formado parte del equipo de programación del ficmonterrey y se formó como profesor en la Academia de Cine y Comunicación de la Universidad de Monterrey. Recientemente fundó la casa productora Arrival Films para el desarrollo, producción y distribución de cine.

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Bajo la dirección de Rigoberto Castañeda, conocido por el clásico contemporáneo de terror mexicano “KM31” (2006), la película «Turno Nocturno” de 2024 emociona mucho en su premisa, pero queda atrapada en una búsqueda de identidad dentro del género en la que se aleja de la esencia de su relato.

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La cinta aspira a ser una mezcla entre el horror estilizado de A24 y la crudeza comercial de Blumhouse, pero no se logra la cohesión de ninguna de las dos.

A ratos se siente como si James Wan intentara recrear una película de John Carpenter, sin ser verdaderamente ni una cosa ni la otra. Hay influencias claras de los clásicos slasher de los años 80 y del cine de posesiones que caracteriza a Wan, con jump scares efectivos y trucos visuales que recuerdan a “El Conjuro” (2013-). Sin embargo, estos momentos, aunque bien ejecutados, no marcan un antes y un después en la historia.

La ambientación tiene sus aciertos, especialmente en la atmósfera opresiva del Hospital Juárez, donde la recreación del icónico mural aporta un trasfondo cultural interesante. Pero esa misma ambición revela las costuras de los efectos prácticos y visuales, restándole credibilidad a la puesta en escena. El diseño de vestuario, por otro lado, destaca al mostrar una investigación estilística bien justificada, añadiendo cierta autenticidad al universo narrativo.

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El problema central de «Turno Nocturno» radica en su tratamiento temático.

Aunque se plantea explorar el oscuro sistema de salud mexicano, con énfasis en el abuso sexual hacia las enfermeras y la deshumanización que sufren, la película aborda estos temas de forma superficial y a veces problemática. Los personajes femeninos, en particular, quedan reducidos a arquetipos unidimensionales, perpetuando la idea de que son provocadoras de su propia desgracia. Esto no solo desmerece la profesión de enfermería, sino que también diluye cualquier mensaje feminista que la cinta intente proponer.

La protagonista, interpretada con un tono monótono, permanece al borde de las lágrimas durante toda la película, una decisión que limita la empatía hacia su personaje. Se siente la ausencia de un desarrollo más profundo sobre su origen y los traumas que enfrenta, especialmente en relación con su padre y su pasado borroso. Las revelaciones narrativas, aunque impactantes, están mal ubicadas en el flujo de la historia, perdiendo el peso emocional que podrían haber logrado.

Entre sus momentos más memorables, destaca la secuencia de la operación, donde el gore y lo sobrenatural se entrelazan en una escena incómodamente gráfica, muy bien lograda. Este instante logra generar una tensión genuina, pero carece de la trascendencia narrativa que James Wan usualmente otorga a sus momentos más impactantes, quedándose en puro shock value.

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Quizá lo más frustrante sea la falta de reglas internas en el universo de la película.

La mitología de La Planchada, aunque interesante, se siente desconectada de la congruencia del relato que la envuelve. Lo que podría haber sido una reflexión profunda sobre la leyenda como una advertencia moral dentro del sistema hospitalario, se diluye en un guion que no aprovecha el potencial de sus propias ideas.

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«Turno Nocturno» (2024) tiene escenas de terror bien logradas, una atmósfera inquietante y momentos de tensión efectiva.

Pero su ambición de imitar estilos internacionales en lugar de encontrar su propia voz, sumada a un enfoque pobre en temas tan delicados como el abuso, limita lo que pudo haber sido una propuesta fresca dentro del terror mexicano. En lugar de redefinir el género, se siente como un esbozo más de lo que podríamos llegar a lograr. Se siente cada vez más cerca.

«Turno Nocturno» de Sony Pictures estrena en cines el 5 de diciembre de 2024.

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“Straight” plantea una narrativa que busca normalizar temas LGBTQ+, homologando las comedias comerciales del cine mexicano… con lo bien y mal que esto implica.

Ben cita a Cris en su departamento a través de una aplicación de ligue. Ninguno de los dos esperaba enamorarse del otro. Más aún cuando uno de ellos está en el clóset y lleva seis años con una novia que lo espera para dar el siguiente paso en su relación. Conforme su amorío avanza, su vida heterosexual comienza a peligrar, haciéndolo decidir entre sus verdaderos deseos y lo que la sociedad espera de él.

Basada en la obra teatral homónima de Scott Elmegreen y Drew Fornarola, la película traslada un drama íntimo al cine, conservando el núcleo de la historia, pero contextualizado al tiempo presente y ambientado en la clase social alta de la Ciudad de México.

La adaptación busca balancear la intensidad emocional del teatro con las posibilidades narrativas y audiovisuales del cine, fallando en encontrar la tridimensionalidad. La película se siente como una pecera en donde solo podemos ver a los personajes de lejos, aún en los momentos emocionalmente intensos.

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La trama de “Straight” explora cómo un triángulo amoroso puede ser un vehículo para cuestionar los prejuicios sociales y las presiones que enfrenta el hombre –capitalino y acomodado– al definir su orientación.

La química entre los protagonistas y su capacidad para expresar las tensiones internas y externas de sus personajes es un punto clave de la película, manteniéndola a flote dentro de su género.

Alejandro Speitzer interpreta a Ben, un personaje atrapado entre sus propios deseos y las normas sociales, mostrando vulnerabilidad y carisma. Bárbara López y Franco Masini complementan el triángulo amoroso con actuaciones sutiles pero impactantes, que enriquecen la narrativa. Es por eso que sorprende que la relación que construyeron a cámara llegue a un clímax sin resolución.

Marcelo Tobar, quien ya ha contado una historia LGBTQ+ con “Oso Polar” (2017), hace un gran cambio al cine comercial por plasmar quizás una idea más general de los conflictos que enfrenta una persona definiendo su sexualidad. Aunque su dirección busca mantenerse fiel a la esencia teatral, falta aprovechar por completo las herramientas visuales del cine comercial para enriquecer la historia.

El guión introduce modificaciones para adaptarse al contexto mexicano actual, lo que agrega capas culturales relevantes, pero a veces sacrifica la sutileza de los diálogos. La historia se fragmenta en ciertos momentos, lo que afecta el desarrollo de los personajes secundarios. Había suficiente espacio en la trama para innovar con diferentes capas de significado, pero se queda muy acotada dentro de su fidelidad.

El enfoque visual y artístico, aunque funcional, podría haberse aprovechado más para generar un impacto emocional más profundo.

La fotografía y el diseño de producción subrayan los momentos más introspectivos, aunque podrían haber sido más arriesgados. La música se utiliza estratégicamente para intensificar las emociones, destacando los conflictos internos de los personajes. Quizá su mayor fortaleza sea la edición, pues tiene unos saltos de tiempo en la acción, muy sutiles, que elevan la calidad visual de la película.

Más allá de sus méritos técnicos, la película se percibe como una obra relevante que abre espacio para discusiones sobre diversidad e inclusión en el cine mexicano comercial. Representa un esfuerzo por normalizar las historias LGBTQ+ en un panorama cinematográfico que rara vez aborda estos temas de manera real.

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A pesar de sus detrimentos, “Straight” (2024) mantiene el equilibrio entre el humor y el drama, haciendo la historia accesible y reflexiva a una audiencia más amplia, que quizás incluya a personas que reciban este mensaje y les resulte sorprendente conocer este submundo de los ONS y NSA. Se los dejo de tarea…

Es una película que hubiera sido fundamental para los años 90, pero que con la cantidad de contenido LGBTQ+ que se consume hoy en día, parece estar desactualizada y perdida en el tiempo. Sin embargo, aunque pareciera que la agenda sobre estos temas ya está muy avanzada y la sociedad es más inclusiva. Muchas veces es necesario decir (y repetir cuantas veces sea necesario) lo obvio: el cine LGBTQ+ es cine como cualquier otro y puede utilizarse para mostrar lo que no se dice.

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“Day One” es la tercera entrega de la ahora trilogía de “A Quiet Place”, que más bien funciona como un nuevo capítulo que abre la posibilidad a una antología, sin tener conexión directa con la historia original de la familia Abbott, protagonizada por John Krasinski (“The Office”) y Emily Blunt (“Sicario”), pero conservando las mismas reglas del género.

Un Lugar En Silencio: Parte II – Reseña

En esta ocasión, “A Quiet Place: Day One” o «Un Lugar En Silencio: Día Uno» (2024) nos revela el inicio del apocalipsis desde otra perspectiva, planteando la pregunta: ¿qué pasaría si monstruos alienígenas que solo se guían por el sonido invadieran la ciudad más ruidosa del mundo: Nueva York?

Conocemos la historia de Sam (Lupita Nyong’o, “12 Years A Slave”), una joven desahuciada de Harlem que pasa sus días en una clínica recibiendo tratamientos de quimioterapia. Se ha vuelto una persona cínica y de carácter duro. Antes de su enfermedad, ella era una reconocida escritora cuyo padre fue alguna vez un talentoso pianista. Ahora escribe irónicos poemas sobre lo absurda y vacía que le parece la vida.

Para tratar de darle algo de esperanza, su enfermero y amigo Reuben (Alex Wolff, “Hereditary”) la invita a hacer un pequeño viaje a Nueva York para comer un pedazo de pizza en su lugar favorito. Conforme el autobús llega a la ciudad se siente un incremento en la tensión: helicópteros a toda velocidad, torretas de policía, sirenas de ambulancias. 

Un reportaje de televisión anuncia un estado de emergencia cuando extraños meteoritos comienzan a azotar el pavimento. De entre los escombros, la gente comienza a ser atacada por una horda de monstruos bípedos sin rostro, que destruyen todo lo que produce sonido.

A pesar de la conmoción, Sam se resiste a perder la oportunidad de comer su última rebanada de pizza, cueste lo que cueste. Acompañada por su gato Frodo, conoce a Eric (Joseph Quinn, “Stranger Things”), un chico cobarde al que tiene que rescatar continuamente. Él se encontraba en Nueva York estudiando leyes y buscando el sueño que sus padres tenían para él. Ahora sin propósito, encuentra una esperanza en ayudar a Sam a cumplir sus últimos deseos.  

Gracias a este lazo de amistad, ambos encuentran fuerzas para sobrellevar sus pérdidas y tratar de llegar hasta la zona de evacuación que los espera al otro lado de la ciudad.

A pesar de solo tener un par de títulos a su nombre, el director Michael Sarnoski (“Pig”) tuvo la gran labor de contarnos un nuevo capítulo de la saga. Que siguiera teniendo la frescura de la fórmula original pero además, cumpliera con la expectativa que muchos fans teníamos sobre cómo fue el primer día de la invasión…  Esto, tristemente, no sucede.

En su lugar recibimos actuaciones de primer nivel, empezando por Nyong’o, quien se entregó a su papel bajando de peso para reflejar mejor la fragilidad física del personaje. Logra con ello una gran protagonista, fuerte y determinada. En ese aspecto, tener como protagonista a un personaje femenino que se empodera sigue siendo una muy buena decisión.

No así el personaje que interpreta Quinn, que se pierde en el fondo sin un objetivo claro (más allá de aferrarse a ella). Aunque es un papel muy carismático, su rol se siente más como un pretexto para liberar la tensión. No ayuda mucho que su aparición suceda casi a la mitad de la película, cosa que no te permite llegar a conocerlo bien ni empatizar mucho con él.

Lo que más me gustó de la película fue que se atreve a cambiar el juego de su propia fórmula, sin destruirla. Cosa que suele pasar en las trilogías. No lo considero un verdadero éxito, pero es una película que entretiene, mantiene y entrega lo que prometía. Pero no mucho más.

Otro elemento muy rescatable es el nivel de producción, sonido y efectos visuales con el que cuenta. En ese aspecto la película hace lo que sus anteriores no se atrevieron, que es mostrar la destrucción de la ciudad y los aliens en todo su esplendor. 

Ahora estamos inmersos con los personajes en su viaje de supervivencia, sintiendo el asedio, viendo autos que salen volando por el aire y manzanas completas de edificios siendo destruidos. Para ser una película que inició como cine de bajo presupuesto, ahora se siente como un blockbuster Hollywoodense que se esfuerza en pantalla, pero que deja mucha de la acción fuera de plano.

En algo que siento que la película falla es en confiar demasiado en los momentos de silencio. Podría parecer lógico por su título, pero es una película demasiado silenciosa. Tiene muy pocos diálogos, y hay momentos donde no sabes si ese silencio está ahí deliberadamente o si sirve para rellenar los huecos en la trama. Por lo mismo, lo que antes eran escenas de mucha tensión y angustia, ahora son sustituidas por sustos repentinos que la hacen sentir efectista.

Aún así es una digna precuela que abre la puerta a ver más episodios en este universo, antes o después del día uno, pues aún existen muchas interrogantes que resolver en las siguientes entregas para que el concepto no caduque y se pierda como le han sucedido a otras grandes franquicias del suspenso y la ciencia ficción.

“A Quiet Place: Day One” o «Un Lugar En Silencio: Día Uno» (2024) está recomendada para verse en absoluto silencio. Con palomitas y en IMAX.

Un Lugar En Silencio Parte II: Bate Récords De Audiencia – Noticias

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Sergio Salazar

Director, productor y guionista. Comunicólogo y Master of Arts en Dirección y Producción Cinematográfica de la Unión Europea. Ha colaborado como columnista y crítico para blogs independientes desde 2011. Creó el blog de crítica de cine Redactovision, publicado en Milenio. Ha formado parte del equipo de programación del ficmonterrey y se formó como profesor en la Academia de Cine y Comunicación de la Universidad de Monterrey. Recientemente fundó la casa productora Arrival Films para el desarrollo, producción y distribución de cine.

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En “Consecration” (La Consagración, 2023), el director Christopher Smith se adentra en el mundo del horror religioso desde una perspectiva superficialmente feminista. La película desde su tráiler y póster promete suspenso y misterio en un entorno gótico y misterioso.

El elemento básico de un thriller religioso es el conflicto de creencias. El debate entre el bien y el mal. Si lo sobrenatural es real y existe, y cuál es su propósito. Cuando se establece una pregunta que desafía esta premisa, la audiencia querrá quedarse hasta obtener una respuesta. Pero cuando la teoría cinematográfica se utiliza arbitrariamente como respuesta, el resultado será una crisis de fe: ¿esta película tiene sentido?

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Comienza con una ominosa promesa en forma de racconto: una monja apunta una pistola directamente hacia la cámara.

Es la Madre Superiora (Janet Suzman), la líder descarrilada de un grupo de hermanas radicales de Mount Saviour, un aislado convento en las Tierras Altas escocesas.

La monja realmente apunta a Grace (Jena Malone), una oftalmóloga solitaria y no creyente, cuya vida se trastorna después de recibir la noticia de la muerte de su hermano, un sacerdote que aparentemente asesinó a un padre para después quitarse la vida en dicho convento.

Escéptica, decide ir a recolectar el cuerpo de su hermano y descubrir la verdad. Su búsqueda será impedida por la enigmática Madre Superiora y un grupo de monjas con un oscuro secreto. A pesar de encontrar apoyo en el amable Padre Romero (Danny Huston), Grace se ve atormentada por inquietantes visiones sobre monjas tirándose de un acantilado en una especie de ritual de purificación.

Su percepción de la realidad flaquea a la par de que recibe una advertencia de su fallecido hermano que le incita a abandonar el convento. De ahí en adelante, el filme toma una ruta de revelaciones y giros de tuerca que incluyen técnicas memorables de grandes del género como “The Nun” (2018) y “The Haunting of Bly Manor” (2020) pero tan atiborrada de trucos que parece que más bien oculta su falta de verosimilitud.

La película avanza a través de flashbacks y revelaciones que nos muestran la traumática infancia de ella y su vínculo con el convento, enfrentándose a una lucha interna entre su racionalidad y la posibilidad de que lo sobrenatural pueda existir.

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Visualmente, “Consecration” (La Consagración, 2023) muestra una estética impresionante con su escenografía gótica y la belleza melancólica de Escocia. La dirección de Christopher Smith logra crear una atmósfera intrigante que atrapa al espectador en un mundo de secretos y supersticiones.

Su diseño de vestuario es quizá el más acertado, y que comercialmente logra convencer sobre el tono de la historia. El meticuloso trabajo de diseño de producción ayuda a consolidar la atmósfera opresiva y sombría que permea toda la película.

La fotografía, a cargo de los talentosos cineastas Rob Hart y Shaun Mone, merece reconocimiento por su capacidad para capturar la belleza y la inquietud del entorno. El uso de sombras y luces crea una atmósfera inquietante que contribuye significativamente a la narrativa.

Sin embargo, aunque la película tiene todos los ingredientes para ser un exitoso thriller de posesión, se queda corta en la entrega de auténticos momentos de terror y suspenso. Hay leyes estéticas, de ritmo y forma que definen al género de posesión y que la audiencia no perdonará.

La interpretación de Jena Malone como Grace es sólida, pero le falta transmutar el terror y la angustia que se esperaría de alguien enfrentando fuerzas sobrenaturales y oscuros secretos. Su personaje se siente superficial y no logra conectar emocionalmente con el público, lo que afecta la empatía hacia su situación.

Sorprendente dada la buena reputación de la actriz en mostrar un gran rango de emociones: una pequeña incomprendida en “Contact” (1997), una fiera aliada en “The Hunger Games: Catching Fire” (2013) y una modelo cínica en “The Neon Demon” (2016), todas interpretaciones magistrales. En esta ocasión como protagónica no logra encontrar su suelo.

Por otro lado, Danny Huston aporta una presencia intrigante como Padre Romero, pero su elección para el papel hace que su personaje sea poco confiable desde el principio, lo que disminuye la efectividad de las revelaciones posteriores.

Su edición flaquea en algunos momentos, especialmente en la falta de un ritmo constante y en el manejo de las revelaciones clave de la trama.

Aunque hay momentos de suspenso impactantes, la edición no siempre logra mantener una tensión constante a lo largo de la película.

El guion, escrito por Christopher Smith y Laurie Cook, intenta incorporar elementos feministas y desafiar los convencionalismos del género de posesión, pero se pierde en un relato predecible y poco impactante. La narrativa carece de una lógica interna clara y se excede en explicaciones que restan misterio y ambigüedad a la trama.

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A pesar de contar con una estética y una ambientación destacadas, «La Consagración» (2023) no logra mantener un ritmo constante y se siente desequilibrada en su enfoque entre la seriedad y la ridiculez.

Aunque hay momentos en los que se disfruta del horror y la sangre, estos se ven opacados por la falta de una narrativa más coherente y sorprendente.

En última instancia, «Consecration» es una película que prometía ser una revisión interesante del género de posesión desde una perspectiva feminista, pero que se queda corta en su ejecución. Aunque cuenta con actuaciones destacables y una dirección visualmente atractiva, la película no logra entregarnos una experiencia verdaderamente inolvidable en el mundo del terror religioso. Los momentos de suspenso y horror se pierden en una trama poco clara y predecible, dejándonos con la sensación de que la película pudo haber sido mucho más aterradora.

A pesar de sus esfuerzos, «La Consagración» (Consecration, 2023) no logra consagrarse como un destacado filme de terror y se desvanece en una niebla de ambigüedad y falta de impacto.

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¿Qué pasaría si encontráramos a esa persona al mismo tiempo que descubrimos algo siniestro acerca de ella? Este peligro lo explora el director Alain Guiraudie en «El Extraño Del Lago» (En inglés “Stranger by the Lake”) (2013).

Mucho antes de Grindr y todas sus variantes existía el “cruising”. Esta forma de ligar consiste en asistir a alguna locación al aire libre, de conocida reputación, a elegir un compañero para pasar el rato. 

Franck (Pierre Deladonchamps) es un joven que como cada verano, pasa sus tardes en el estanque Sainte-Croix en Provenza, Francia, donde los hombres van en busca de una misma cosa. Entre las piedras y ramas se encuentran hombres desnudos sobre toallas, tomando el sol. El lago cristalino se extiende frente a ellos.

A pesar del contexto fuertemente sexual del lugar, existe una persona que alejada, nos recuerda lo que es una verdadera relación afectiva. Henri (Patrick d’Assumçao) es un hombre mayor poco atractivo que pasa la tarde sentado a la orilla del lago sin interactuar con nadie, solamente disfrutando del silencio. Franck y Henri se conocen debido a la poca tensión sexual entre ellos y dado que Henri es heterosexual, establecen una amistad que resulta clave para sobrevivir el verano.

Con intención de encontrar a alguien que fuera más que su amigo, la atención de Franck se desvía hacia Michel (Christophe Paou), un hombre muy atractivo de ojos eléctricos del que pronto se obsesiona. Un buen nadador, Franck debe esperar su turno para estar con él, pues su ligue lo mantiene comprometido. Después de conocerle es claro que no dejará ir la oportunidad. Finalmente una tarde, mientras el sol se pierde en el horizonte, Michel y su amante juegan a sumergirse en el lago. Días después, el chico es encontrado muerto en las orillas del río, detonando una investigación que involucra a Franck y Michel. Su relación girará entorno al peligro de descubrir la verdad y cómo su encuentro fortuito con un extraño podría resultar en su muerte.

El peligro que conlleva realizar una fantasía, recordándonos en ocasiones a “Basic Instinct” y otras de temática similar, ahora toma forma de thriller gay perfectamente logrado, con actuaciones consistentes y escenas fuertes de sexo que no considero innecesarias. Su mensaje, sobre todo, es el de exponer naturalmente un aspecto irresuelto de la homosexualidad y las consecuencias del mismo. La búsqueda de aceptación en prácticas sexuales peligrosas que hacen la vida emocionante a un alto riesgo, además de ofrecer uno de los mejores finales que pudo presentar.

Franck está solo en el bosque, se escucha el sonido de grillos y movimientos suaves del viento entre las plantas. Repite el nombre de su amante, asustado pero sin poder huir. Deseando que su historia de amor de verano no termine en soledad. Allí en la oscuridad se esconde también su asesino. Franck está ante una situación límite y viva o muera, el propósito está contado.

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Sin malvaviscos ni tonos pastel, adaptado de la obra de Michel Marc Bouchard, en “Tom À La Ferme” (2013), Dolan se hace a sí mismo objeto de acoso y abuso.  De nuevo como personaje principal, interpreta a un joven de ciudad llamado Tom, que recientemente ha perdido a su novio. Destrozado, realiza un viaje a la granja en donde creció su amante, Guillaume. Sin imaginarlo, su visita terminará en un confinamiento circundado por el dolor, la homofobia, la sumisión y el deseo.

Alejados del mundo exterior, Tom se dará cuenta que heredó los problemas de su ex pareja. Entre la ceguera voluntaria de su madre, Agathe (Lise Roy) a reconocer la homosexualidad de su hijo y la presión de su hermano mayor Francis (Pierre-Yves Cardinal) para no hacerle sospechar nada, su involucramiento con la familia se desarrolla de manera incómoda. Teniendo que mentir sobre la naturaleza de su relación, además de alimentar en contra de su voluntad los rumores de una supuesta novia de Guillaume, el rostro de Tom siempre luce unos ojos vidriosos, una cicatriz en la mejilla y un cabello rubio oxigenado que se retuerce igual que los plantíos de la granja.

Aunque Tom juega bien el papel, Francis sabe que debajo de esa formalidad existen unas ganas de hacer saber la verdad a la familia como forma de respeto hacia su novio. Una mañana, su automóvil aparece desvencijado en el granero, su equipaje desaparece. Se ve obligado a quedarse más de lo deseado, mientras su relación con Francis se torna en un juego de poder que comienza a disfrutar y temer en partes iguales. Buscando darle un cierre a ese capítulo de su vida, se somete a Francis como la nueva mascota para desahogar sus frustraciones sexuales.

Dolan nos coloca repetidamente en medio de la acción con escenas tensionantes. Ya sea viendo a Tom ser perseguido entre los maizales por Francis o bien cuando éste le pide que le dé lecciones de baile y son descubiertos por la madre. Desconocer de qué es capaz su opresor es la principal razón de Tom para decidir huir.“Olvidé todos los sinónimos de la tristeza” escribe Tom sobre un pedazo de papel de baño, una carta que pueda servir de evidencia. En una increíble escena, descubre lo que sucedió con el último chico del pueblo que se rumoraba tenía una relación con su hermano.

Tanto la fotografía como la música nos introducen en una atmósfera densa, la luz verdosa causa repugnancia. Los grises deslavados enfrían como el metal sobre la piel. La tierra mojada, la neblina. Los elementos de un slasher funcionan perfectamente para este thriller.

“Tom En La Granja” forma parte de un nuevo cine gay que busca hablar de los problemas sociales que confronta la homosexualidad, pero pierde esas ganas de ser un cine de denuncia para introducirnos de manera más efectiva a la psicología de los personajes. Vivir desde dentro el miedo, la humillación y la impotencia es más efectivo para exponer una problemática que tener una agenda de cambio muy evidente.

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Director, productor y guionista. Comunicólogo y Master of Arts en Dirección y Producción Cinematográfica de la Unión Europea. Ha colaborado como columnista y crítico para blogs independientes desde 2011. Creó el blog de crítica de cine Redactovision, publicado en Milenio. Ha formado parte del equipo de programación del ficmonterrey y se formó como profesor en la Academia de Cine y Comunicación de la Universidad de Monterrey. Recientemente fundó la casa productora Arrival Films para el desarrollo, producción y distribución de cine.

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La entrada Tom En La Granja: El Thriller Como Denuncia – Opinión se publicó primero en CinReservas.

Nunca hay que olvidar que el ser humano es también un animal. Una criatura capaz de reconocerse a sí misma y estructurarse de forma que evoluciona y cambia. Al mismo tiempo, ante el más avanzado sentimiento de superioridad, existe un eslabón que nos conecta con la parte más visceral de nuestra existencia: el instinto de supervivencia.

Jonathan Glazer recluta a Scarlett Johansson para contar una historia universal: la búsqueda de la identidad. Pero esta sucede en un lugar alejado de Escocia, donde la mismísima Johansson ronda las calles en búsqueda de contacto masculino. Los hombres, que desconocen su identidad, actúan de forma natural a sus atributos y eso es justo lo que se necesita para “Under the Skin” (2013).

La ficción se mezcla con la fantasía una vez que los hombres están a bordo de su camioneta y ella les pregunta directamente si están interesados en ella. Una cita de una noche es una trampa mortal elaborada por extraterrestres que desean lo más preciado de la raza humana: sus pieles. La ‘mujer’ bajo la piel de Johansson comienza a despertar a la naturaleza humana.

El observar el interés de los hombres en ella, algunos abusivos y otros consoladores, la hacen cometer errores en su misión y es entonces que pone en riesgo la operación de su especie. Se dará cuenta que la belleza como característica predatoria tiene sus repercusiones.

Glazer arma un thriller lento, que se entrega a la experiencia documental, un experimento entre guión e improvisación. Su estilo narrativo utiliza espectaculares paisajes, planos abiertísimos y rigurosa inexpresividad por parte de su elenco. Aún así, la lentitud en conjunto con una genial banda sonora mantiene al espectador preguntándose de qué se trata esta película.

Los depredadores se dotan de armas, como la belleza, para atraer a sus presas. Cuando el depredador se pone el disfraz de presa y comienza a actuar como una, ahí es donde encuentra su final. Es decir que el ser humano, al tener una identidad, es depredador y presa al mismo tiempo.

Una pieza compleja de cine sci-fi contemporáneo, con una fotografía impactante y definitivamente dentro de lo mejor en el cine este año. La desnudez de Johansson es la excusa del frívolo y la tesis sobre belleza e identidad se la quedarán los muy clavados. Una película independiente que vale muchísimo la pena.

Puedes comprar esta película AQUÍ o verla desde AMAZON PRIME.

Sergio Salazar

Director, productor y guionista. Comunicólogo y Master of Arts en Dirección y Producción Cinematográfica de la Unión Europea. Ha colaborado como columnista y crítico para blogs independientes desde 2011. Creó el blog de crítica de cine Redactovision, publicado en Milenio. Ha formado parte del equipo de programación del ficmonterrey y se formó como profesor en la Academia de Cine y Comunicación de la Universidad de Monterrey. Recientemente fundó la casa productora Arrival Films para el desarrollo, producción y distribución de cine.

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La narrativa recae sobre los testimonios de cinco mujeres Oaxaqueñas afro mexicanas viviendo con la mala connotación de su piel y la constante negativa de que no existen negros en México.

Su identidad racial se manifiesta en el día a día, desde lo que se prepara en la cocina, la forma de hablar, la vestimenta, el cabello y por supuesto, el color de piel. Los comentarios amigables que viven en su círculo más cercano se invierten en insultos cuando se enfrentan al resto del mundo.

Negadas de su patrimonio cultural desde sus ancestros, son las responsables de conciliar un doloroso pasado de esclavitud y mantener una identidad viva para las generaciones por venir.

Medhin Twolde Serrano, directora afro mexicana, hace un trabajo de investigación donde retrata a otras mujeres que como ella, confrontan los estigmas de su vida cotidiana, inevitablemente tocando heridas el pasado. Ella misma se hace parte del testimonio, iniciando con sus propias cicatrices y conectándose con otras mujeres de su comunidad.

“Mi apuesta, y también confieso que tenía un poco de miedo, era la de mostrar estas experiencias desde el racismo más cotidiano, más del diario, que a la vez son las que más están interiorizadas”, comenta.

El problema de discriminación tiene una triple óptica: la de lidiar con la vergüenza del pasado, navegando el presente con la idea de “adelantar la raza”, y la fortaleza de enmendar el significado de la piel para futuras generaciones.

Se aborda este tema inédito desde el recuerdo. Las experiencias que definen la identidad de una persona se van definiendo desde la niñez, de darse cuenta que su apariencia es objetivo de burlas y descubrirlo también para su familia.

El agua es un símbolo importante dentro del documental. La conexión con el pasado, con el mundo etéreo, une a los personajes en el presente y crea un coro de voces de mensaje contundente. La de sentirse legítimas para contar esta historia.

Producido por Ambulante y distribuido por Ambulante Más Allá, es una fuerte ópera prima que se encarga de poner luz sobre un micro-universo dentro del problema de racismo en México, poniéndose al frente de su propia batalla.

Les compartimos el TRAILER del documental. Si gustan estar al pendiente de futuras exhibiciones también cuentan con presencia en FACEBOOK.

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Sergio Salazar

Director, productor y guionista. Comunicólogo y Master of Arts en Dirección y Producción Cinematográfica de la Unión Europea. Ha colaborado como columnista y crítico para blogs independientes desde 2011. Creó el blog de crítica de cine Redactovision, publicado en Milenio. Ha formado parte del equipo de programación del ficmonterrey y se formó como profesor en la Academia de Cine y Comunicación de la Universidad de Monterrey. Recientemente fundó la casa productora Arrival Films para el desarrollo, producción y distribución de cine.

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México está en constante choque cultural consigo mismo. De ahí que su cine quiera hablar sobre esos roces que convierten a la gente en personajes.

Los mexicanos son trabajadores. Los mexicanos son honrados. Los mexicanos saben salir de cualquier circunstancia con una sonrisa. Jorge Ramírez Suárez envía un mexicano a cruzar el charco en busca del sueño europeo con final feliz en “Guten Tag, Ramón” (2013).

Contar una historia de frontera implica desesperanza. Películas similares resultan desgarradoras para el público mexicano que resiente la mala reputación que dan al país. Ramírez Suárez utiliza ese contexto para mostrar una cara positiva del conflicto, cuando las cosas salen bien, que es difícil de asimilar.

Orillado por la necesidad de mantener a su madre y abuela, Ramón (Kristyan Ferrer) sigue el consejo de un amigo cercano de irse de ilegal a Europa, donde no hay migra y se gana en euros. La octogenaria cálida que recoge a Ramón de las frías calles alemanas, Ruth (Ingeborg Schöner), es el puntual consuelo que llega tras un largo sufrimiento, por el cual el espectador siempre está agradecido.

El optimismo ingenuo que sostiene a la cinta crea dos personajes entrañables que se unen en la soledad. El encuentro busca exorcizar lo que ambos personajes representan -sus nacionalidades- para mostrar una relación que franquea las barreras del idioma.

Los bonitos momentos de recompensa en los que nos sentimos felices por las pequeñas victorias de Ramón a pesar de su simpleza es donde la película se acerca más a ser un producto de calidad. Esa cena donde Ruth y Ramón se desahogan, en que se contrasta la situación del norte de nuestro país con el holocausto alemán, en el que se enmiendan sus pasados a pesar de no entenderse, pudo haber sido la premisa principal que sacara al filme de la zona de confort y ofreciera algo trascendente.

En lugar de eso, “Guten Tag, Ramón” es un himno al mexicano que sobrevive por su inherente simpatía y actitud emprendedora representada por la clase social más pobre, lo cual es parcialmente positivo.

El viaje que emprende está moldeado por la incertidumbre, pero siempre contenida. Las emociones están dictadas: hay un itinerario para la risa, la preocupación y la ternura. Es una película que impone y termina sintiéndose demasiado segura.

Adicionalmente, implica que el mexicano solo cuenta con su “autenticidad cultural” (que la clase baja fomenta y la clase alta adopta como moda) para sobrellevar sus problemas de identidad. Que el trabajo humilde merece solamente limosna. Que las barreras se pueden romper con unas cumbias. Un optimismo encantador, pero que amerita una reflexión más profunda.

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Director, productor y guionista. Comunicólogo y Master of Arts en Dirección y Producción Cinematográfica de la Unión Europea. Ha colaborado como columnista y crítico para blogs independientes desde 2011. Creó el blog de crítica de cine Redactovision, publicado en Milenio. Ha formado parte del equipo de programación del ficmonterrey y se formó como profesor en la Academia de Cine y Comunicación de la Universidad de Monterrey. Recientemente fundó la casa productora Arrival Films para el desarrollo, producción y distribución de cine.

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