Ahí, en el gran Olimpo de cineastas, en donde bien podemos encontrar a figuras como Alfred Hitchcock; Stanley Kubrick, Akira Kurosawa, o a Ingmar Bergman, destaca el nombre de Luis Buñuel, un realizador de origen español que en el transcurso de casi 50 años de carrera supo transgredir e imponerse como una de las mentes más privilegiadas del siglo XX.

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Nacido en una región lejana de España, Buñuel creció con una estricta educación católica, y aunque desde su adolescencia mostró rechazo a profesar con esas creencias.

Nunca quiso desprenderse totalmente de ella porque encontró una cierta fascinación en cómo esta institución persuadía a miles de personas y formaba parte del poder político de su país.

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Sin ese acercamiento indispensable sería imposible ver hoy en día obras como “Nazarín” (1959) o “Viridiana” (1961) donde Luis Buñuel reflexiona sobre la intromisión fáctica de un orden que continúa presente.

Sin distinción de alguna de sus etapas en México o en Europa, es constante ver en las películas del cineasta español una curiosidad por explorar la parte más erótica de las personas; pues para él este tema se presenta en mayor o menor medida en cualquier etapa de la vida y nos ayuda a entender nuestra intimidad y colectividad.

“Ensayo De Un Crimen” (1955), su comedia negra mexicana, brilla por la obsesiva relación que ve Archibaldo de la Cruz (Ernesto Alonso) entre la muerte y el sexo; dos acciones que según él, son su verdadero yo.

En otro caso como “Belle De Jour” (1967), la encantadora veinteañera Séverine (Catherine Deneuve) decide darle un nuevo significado a su juventud y sexualidad rompiendo con su esquema de perfecta y tradicional esposa.

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Luis Buñuel también será recordado por su peculiar crítica a la clase burguesa y todo lo que se asociará a ella. En su obra los sometió a toda serie de situaciones para que él y los espectadores se divirtieran de sus fragilidades y ridiculeces.

Por ejemplo, dos de sus más importantes trabajos “El Ángel Exterminador” (1962) y “El Discreto Encanto De La Burguesía” (1972); los cuales abordan cómicamente la ruptura de toda etiqueta o moral de los ricos mostrándolos como seres perversos y ambiciosos que aunque sean minoría han ocupado muchas tácticas para legitimar su poder.

Hablando de esta última película, en 1973 Luis Buñuel recibió un Premio Óscar en la categoría de Mejor Película de habla no inglesa; mismo que siempre menospreció, por lo tanto, no fue a recibirlo. Tiempo después se tomó una foto disfrazado para que nadie lo reconociera con “esa cosa”.

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Contrariamente, el cineasta tuvo un trato más flexible con los reconocimientos que se hizo en festivales como Cannes y Venecia; aunque siempre tuvo sus reservas con el glamour que se desprende de este tipo de eventos, era un hombre sencillo y se sentía cómodo así.

Finalmente, a Luis Buñuel se le puede aprender su gran habilidad técnica y conocimiento del quehacer cinematográfico, pero sobre todo, su papel como un autor que desafió las normas de la industria y de la sociedad.

Para así tratar de buscar la verdad y de expresar su inconformismo de la decadencia que se aproximaba cada vez. Él mismo hizo la invitación a futuros cineastas a provocar constantemente por medio del cine, y esa fundamental lección debe aplicarse sí o sí.

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Miguel Ángel Maldonado

Estudiante de la Licenciatura en Ciencias de la Comunicación por la UNAM. Cinéfilo, cineasta, y guionista en formación, interesado por la formación de nuevas propuestas para el cine mexicano.

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En pro de fomentar el visionado de cortometrajes; traigo a la mesa cinéfila tres trabajos, ciertamente necesarios, para entender el trabajo de la creadora británica Andrea Arnold.

Estimados cinéfagos, hoy quiero hablarles sobre la persistencia de un olvido que me tiene preocupado. Frecuentemente he podido notar la discriminación deliberada de uno de los productos fundacionales de las filmografías de cientos de autores alrededor del planeta: los cortometrajes.

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El primero, “Milk” (1998), sobre una mujer que intenta vivir el duelo provocado por un aborto. Un huevo disparado hacia un sartén es la primera imagen disponible de este micro proyecto con solo 10 minutos de duración.

¿Podría el huevo ser presagio de la tragedia materna? Tal vez, pero de lo que sí estoy seguro, estimados cinéfagos, es de la sagacidad de Andrea Arnold para tratar historias delicadas, pues opta por que su protagonista no acuda al funeral del bebé.

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Le permite escapar de todo protocolo, solo para encontrarse con un joven extraño, con quien se aventura en un viaje automovilístico rarísimo, sin diálogos profundos. “Milk” (1998) se hermana con “Wasp” (2003), un corto sobre otra maternidad quebrada, esta vez desde la precariedad. Ambos trabajos de Andrea Arnold.

Una atareada y joven madre, con cuatro hijos hambrientos (a los que “satisface” con puños de harina); es asaltada por el pasado gracias a la visita de un galán de antaño, a quien prefiere no mencionar la existencia de sus pequeños; que reproducen patrones violentos gracias a la falta de una buena guía de parte de su progenitora.

Aunque la culpa, por supuesto, no puede ser puesta solo sobre los hombros de la madre. Al final, ningún niño viene con instrucciones y la situación de abandono en la que viven es parte de un ciclo de malformación educacional; aunada al abandono de la figura paterna, que también, se puede pensar, siguió un patrón de utilización de mujeres para satisfacer sus animales bajezas solo para botar sus paternidades.

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Acá se repite la escena de sexo en el auto, como en “Milk” (1998); pero cambia el final, pues, mientras en el corto del 98’ desboca en un entendimiento de duelo. Aquí se vivifican los errores de la madre, que, parece entender, la verdadera gravedad de su postura ante los hijos, visiblemente aturdidos.

Si se ve como trilogía, también cabría entender como inicio a “Dog” (2001), sobre las juventudes atestadas de metanfetaminas en un barrio británico pobre; que reincide en dialogar sobre la vulnerabilidad de sus habitantes ante los pandilleros de quinta que personifican a la crueldad más pura.

En este trabajo, Andrea Arnold rescata la historia de una jovencita subyugada ante el nulo poder de un machito postadolescente que termina con la vida de un canino, a patadas; hecho que le permite observar la intensidad del peligro ante el cual se encuentra.

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Vejaciones en casa; en el parque; en el vientre; estos tres cortos son crudamente maravillosos y dejan entrever mucho de lo que Arnold imprimió; posteriormente en “Fish Tank” (2009), como manifiesto final de los entornos británicos hostiles.

Con un poco de “Ratcatcher” (1999) en las vena, me parece que dedicar un poco de tiempo al visionado de estos prototipos (con grandes acabados narrativos) que tanto me recuerdan a “Florida Project” (2017) y que funcionan, maravillosamente como discursos grandilocuentes sobre la carencia; los abusos; la manipulación y la incapacidad para librarse del contexto apabullante; es una tarea, por demás, enriquecedora.

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Cesar Gabriel Cardenas Larios

Cinéfilo empedernido de 20 años, estudiante de periodismo, lector por religión y cuentista en progreso.

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Roman Polanski regresó a Polonia junto a sus padres cuando aún era un niño, sólo dos años antes que se desatara la segunda guerra mundial. Llegaron en el momento más aberrante de un nazismo asesino e invasor.

Sus padres fueron: Bula Katz-Przedborska y Ryszard Polanski (pintor y escultor). Su madre fue criada como católica, y su padre, como polaco judío; estos últimos vivieron su matrimonio omitiendo las creencias religiosas que los diferenciaban y para ello se declararon agnósticos.

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Con la ciudad de Varsovia ocupada, y con solo cinco años, Roman Polanski vio desde un escondite cómo los soldados Alemanes se llevaban a sus padres al campo de concentración de Auschwitz.

Él mismo logró huir del gueto nazi y sobrevivió con varias familias de campesinos que le acogieron. Desde aquella separación jamás volvió a ver a su madre y pudo reencontrarse con su padre al final de la guerra en 1945.

La vida del director polaco de 85 años es una tragedia semejante a una película dirigida y escrita por su propio talento

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Además, logró el reconocimiento mundial gracias a sus películas pero en su conducta social ha tenido varios pasos en falso, sobre todo en sus relaciones con mujeres; donde las acusaciones de abuso le generaron respuestas en el ámbito judicial y en la esfera mediática.

El 10 de marzo de 1977 en la casa del actor Jack Nicholson, ubicada en Hollywood, Polanski sedujo a una joven de 13 años suministrándole drogas para mantener relaciones sexuales. Aunque hasta hoy sigue afirmando que estos encuentros fueron consensuados, se declaró culpable del abuso ante la ley y pasó 42 días en prisión preventiva en los EE.UU. En el año 1977 huyó a París y desde ese día está con pedido de captura.

Por lo que no pude regresar al país del norte. Además, fue expulsado de la Academia de Hollywood después de casi 50 años y renunció a la presidencia honorífica de la ceremonia de los César; los premios del cine francés. Su sola presencia generaba una activa respuesta en mujeres defensoras de sus derechos.

Sólo su capacidad artística le otorgó una especie de indulto social. Su delito aún espera una condena.

El asesinato de Sharon Tate.

La vida Polanski no fue fácil. En 1969 fue asesinada su mujer Sharon Tate, embarazada de ocho meses y de manera brutal por seguidores de la secta de Charles Manson en Los Ángeles. Esto instaló en el ambiente de los famosos una paranoia muy intensa; el hecho dejó al cineasta polaco en una conmoción muy profunda y varios días postrado en su cama.

Hoy es ciudadano francés y  casado desde 1989 con la cantante y actriz francesa, Emmanuelle Seigner, con la que tiene dos hijos.

Las películas de Roman Polanski reflejan la violencia, la muerte y la locura.

“El Cuchillo En El Agua” (1962), su primer largometraje, fue la primera película polaca post guerra que incursionaba en otros temas que no sea el conflicto bélico. En esta primera experiencia, Román se prepuso analizar minuciosamente la conducta de sus personajes; dentro de una trama con la tensión suficiente para obligarlos a exponerse.

En “Repulsión” (1965), una de sus primeras producciones, la actriz Catherine Deneuve sufre alucinaciones y mata a dos hombres. “Macbeth” (1971) y “Rosemary’s Baby” (1968) son tragedias. “Chinatown” (1974) es un brutal thriller de misterio, “Venus In Fur” (2013); un drama sadomasoquista y “Tess” (1979) con Nastassja Kinski; un drama romántico. 

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Desde su huida de los EE.UU, Roman Polanski hizo toda su producción artística en Europa. No es menor este dato, ya que su obra parece rescatar ese “tempo” de relato europeo, no tan fagocitado por la urgencia y el impacto al que Hollywood es tan adicto.

Su último estreno es “El Oficial Y La Espía” (J’accuse, 2019), película que se ocupa del famoso Caso Dreyfus de 1894. En esta, Jean Dujardin interpreta al oficial francés Georges Picquart; jefe de la sección de inteligencia del ejército en 1895.

Quien descubre que se usaron pruebas falsas para condenar a Alfred Dreyfus (uno de los pocos miembros judíos del ejército francés) por pasar secretos militares al enemigo alemán. En esta cinta vuelve a poner el ojo en el conflicto bélico y el antisemitismo europeo.

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Pablo Kulcar

Soy periodista mayormente de radio. Pienso a la profesión como una manera de estimular el pensamiento crítico del que escucha, lee o mira. El cine es un placer que nos permite disfrutar de vidas y momentos en los que siempre hay algo nuestro reflejado. Trabajé en radios comerciales, cooperativas y universitarias. Poder describir con palabras lo que una película me hace pensar y sentir, es mi intención y mayor meta para con el lector.

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Tras una promisoria carrera como actor, principalmente gracias a su antagónico papel de pistolero en “La Trilogía Del Dólar” (1964; 1965; 1966), aquellos violentos spaguettis western dirigidos por Sergio Leone; Clint Eastwood apenas comenzada la década de los años 70’s cuando decide ponerse detrás de las cámaras y así plasmar sus ideas y conceptos.

Sus normas narrativas siempre fueron bien sólidas, apoyadas en las bases del cine clásico norteamericano y sus géneros (justamente con el western a la cabeza).

Muchas veces Clint Eastwood reflexionó sobre el lugar del héroe. Otras veces solo era contar historias interesantes o complejas.

En sus comienzos como realizador y a pesar de su eficiente oficio, la crítica especializada de su país no le perdonó la osadía de dirigir, pero con el tiempo se demostró lo contrario. Hoy su nombre es sinónimo de buen cine, inteligente y de calidad.

La filmografía de Clint Eastwood es hasta el día de hoy de 40 películas, comenzando en 1971 y sin aparente fin, a pesar de los 91 años de su autor. En esta oportunidad y tras tan extensa variedad, me tomé la libertad de elegir una película por década y casi al azar:

“Obsesión Mortal” (1971)

Evelyn (Jessica Walker), una intensa oyente de radio tiene un encuentro del tipo amoroso y sexual con su ídolo, Dave (Clint Eastwood), un famoso locutor radial. Tras ser abandonada sin muchas explicaciones por el egocéntrico hombre, Evelyn se obsesionará con él hasta límites insospechados.

Opera prima de Eastwood, es un notable thriller de dimensiones inquietantes y con momentos que bordean el mejor cine de terror. Trata temas como la locura, la obsesión desmedida y del hombre machista y misógino.

“Bird” (1988)

Biopic sobre la vida del notable músico de jazz Charlie Parker (Forest Whitaker), quien cayó en una fuerte depresión debido a su adicción al alcohol y las drogas. Eastwood, reconocido melómano y amante del jazz; rememora de forma sincera sobre la vida de los ídolos y sus debilidades.

Esta fue su primera película nominada en el Festival de Cannes. Una de sus menos conocidas, pero muy valedera.

“Sin Perdón” (1992)

Bill Munny (Clint Eastwood), es un viudo y ex pistolero que vive miserablemente con sus pequeños hijos en su granja. Un cazador de recompensas (Jaimz Woolvett)  y otro amigo (Morgan Freeman) le ofrecen un encargo a cambio de 500 dólares y por matar a un sádico sheriff local (Gene Hackman).

Eastwood con su “Sin Perdón”, nos ofrece por un lado su mirada acerca de los límites de la violencia fílmica y por otro una relectura del western, en su vertiente más cruda y sangrienta. La verosimilitud que se muestra en pantalla nos deja a los espectadores una sensación de tristeza y desencanto. El reparto y las actuaciones llegan a niveles soberbios.

“Río Místico» (2003)

Tres amigos de la infancia, Jimmy (Sean Penn), Dave (Tim Robbins) y Sean (Kevin Bacon) se reencuentran después de un tiempo en su pueblo natal, en la ladera de Mystique River, en Boston. La trágica y violenta muerte de la hija de uno de ellos, los unirá y llevará al pasado.

El dolor por la pérdida temprana e inesperada de un ser querido, junto con el ocultamiento y la niñez rota, son los principales temas en este thriller de corte dramático. Sean Penn y Tim Robbins se llevaron el Premio Oscar a mejor actor y de reparto, en una de las mejores y más descarnadas películas del comienzo del nuevo milenio.

“J.Edgar” (2011)

Con solo 29 años y a lo largo de 50 años, J.Edgar (Leonardo DiCaprio), fue el director del FBI y uno de los hombres más poderosos de Los Estados Unidos, enfrentando guerras, a 8 presidentes y peligros eminentes.

Otra historia biográfica basada en una de la vida real. Un gran retrato sobre la ley, la represión y el heroísmo. Leonardo DiCaprio se mete en un personaje contradictorio y complejo y gracias a la dirección de Eastwood, sale más que airoso de todo el asunto. La recreación de las diferentes épocas son impresionantes.

“Cry Macho” (2021)

Un veterano criador de caballos (Clint Eastwood) recibe el pedido de un ex jefe para ir a buscar a su adolescente hijo (Eduardo Minett), quien vive con su conflictiva madre, y regresarlo a Estados Unidos con su padre.

Una entrañable Road Movie, con un fuerte reflejo sobre la cultura Mexicana. El macho del título, un gallo de pelea perteneciente al adolescente, es el vínculo entre la juventud y la vejez. Una maravillosa lección de vida, con un formidable Eastwood y con nada menos que 91 años a cuestas, quien se despoja de cualquier ornamento y en su simpleza hasta se anima al romance.

El cine de Eastwood es para descubrir y redescubrir. Para asombrarse y emocionarse. A eso los invito, les queda las otras 34 películas de la lista final. Algunas más, otras menos vistosas quizás.

Pero no olvidar que son del último director clásico, Clint Eastwood.

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Te invitamos a leer la BIOGRAFÍA de Clint Eastwood o conseguir el LIBRO ILUSTRADO sobre su carrera.

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Soledad Colina Rodriguez

Cinéfila apasionada. Egresada de la Carrera de Crítica de Cine en la Escuela El Amante. Redactora en la revista especializada en Cine de Género «Miedo». Mis géneros preferidos son el Terror y el Western.

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Porque no conforme con sus variados y aclamados roles delante de cámara, esos grandes protagónicos que le dieron fama y gloria; un día George Clooney decidió ponerse detrás de la escena y en su rol de realizador expresar sus pensamientos y opiniones.

George es hijo de un reconocido presentador televisivo, Nick Clooney; Y por esto se crío viendo de cerca todas las intrigas y misterios que los medios de comunicación conllevan.

Luego este aprendizaje lo plasmaría muy fuertemente en sus películas y con un tono de nivel de autor, cercano a otro actor/director, el gran Clint Eastwood, del que George Clooney es confeso admirador.

Es en el año 2002 cuando Clooney debuta como director con la entretenida y brillante “Confesiones De Una Mente Peligrosa” y de ahí en adelante y hasta la actualidad son siete sus películas, todas interesantes, de diferentes géneros cinematográficos.

A continuación detallaré algunas de ellas y para tener muy en cuenta.

“Confesiones De Una Mente Peligrosa” (2002)

Opera prima de George Clooney. La historia cuenta la vida de un productor y presentador de TV, Chuck Barris  un maravilloso Sam Rockwell) que lleva una doble vida como asesino para la CIA. Gran debut, con guión del autor Charlie Kaufman; es una increíble historia real, al espionaje y a la importancia de la televisión norteamericana en su sociedad.

“Buenas Noches, Y Buena Suerte” (2005)

Un famoso periodista y presentador (David Strathairn) y su productor (George Clooney) se enfrentarán al senador anticomunista Joseph McCarthy y su siniestra “Caza de brujas”. Otra vez hechos reales como referencia y base, con un fuerte discurso político (que se transformará en un sello en el cine de Clooney), y de paso un homenaje a su padre y a los años 50’.

“Jugando Sucio” (2008)

En los años 20’, Dodge Connolly (George Clooney) capitán un equipo de fútbol, se tendrá que debatir entre la intriga y la atracción hacia la periodista Lexie Littleton (Renée Zellweger), objeto de deseo a su vez de la estrella de su equipo Carter (John Krasinski).

Esta vez Clooney nos ofrece una amable comedia romántica y con una fuerte crítica a la figura del macho en el deporte.

“Secretos De Estado” (2011)

Un prometedor joven (Ryan Gosling), jefe de prensa de campaña de un famoso candidato (George Clooney) se involucra en un gran escándalo político. Su compleja trama dramática demuestra los grandes dotes de Clooney para la intriga, ya muy afianzado como director.

“Cielo De Medianoche” (2020)

Un científico (Clooney) que se encuentra en el Ártico en compañía de una niña, tratará de evitar que una nave espacial regresé a la Tierra, que ha sufrido una terrible catástrofe. Un futuro postapocalíptico, una notable visión acerca del fin del mundo y el primer acercamiento de George Clooney al género de la Ciencia Ficción.

De su lista de películas se agregan a las ya comentadas, “Operación Monumento” (2014), un genial drama bélico.

Y “Suburbicon: Bienvenidos Al Paraíso” (2017), un maravilloso neo-noir con guión de los Hermanos Coen.

George Clooney no eligió ser solo una gran estrella de cine, sino también un magistral director, con estilo e impronta propia, tanto brillante como su figura estelar.

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Soledad Colina Rodriguez

Cinéfila apasionada. Egresada de la Carrera de Crítica de Cine en la Escuela El Amante. Redactora en la revista especializada en Cine de Género «Miedo». Mis géneros preferidos son el Terror y el Western.

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Es por estas características que en las novelas de Jane Austen se presentan ideales para su traslado a la gran pantalla; con sus tramas intrigantes, salones de bailes con enormes lámparas de arañas y personajes femeninos muy atractivos.

A continuación detallaré cuatro magníficas películas donde el espíritu de Jane Austen brilla sin más.

“Sensatez Y Sentimientos” (Ang Lee, 1995)

Dos hermanas totalmente diferentes se enfrentarán juntas al amor y las adversidades que la vida les presenta. Por un lado tenemos a Elinor Dashwood (Emma Thompson), una mujer pensante y sensata; por el otro a Marianne (Kate Winslet), al contrario enamoradiza, incrédula y entregada. Al morir su padre, quedan en la miseria y se mudarán a la casa de un hermanastro en el campo. Allí vivirán tanto amoríos, cómo situaciones que las cambiarán.

Primera novela publicada de Jane Austen. El guión corrió por parte de la actriz Emma Thompson, quien ganó un Premio Óscar por esta labor y es destacada protagonista.

El director taiwanés Ang Lee deslumbra con este melodrama. Muy bien fusionado con la mejor comedia romántica y repleta de estrellas: Kate Winslet, Hugh Grant, Alan Rickman, Greg Wise, Robert Hardy, entre otros.

“Sensatez Y Sentimientos” está dotada de elegancia, ingenio y un poco de la mirada que Austen tenía sobre la guerra de Los sexos.

“Mansfield Park” (Patricia Rozema, 2000)

Fanny Brice (Francés O’ Connor) es una joven humilde que es enviada a vivir a la campiña con su tía Lady Bertram (Lindsay Duncan), perteneciente a la clase aristocrática inglesa. Apenas llegar, Fanny deberá soportar los constantes maltratos y humillaciones por parte de su pariente, que empeorarán al atreverse a enamorarse, a pesar de estar comprometida, de Edmund (Johnny Lee Miller), hijo de la déspota mujer. Finalmente la muchacha se enfrentará a las estrictas normas de la época, en pos de su felicidad.

La directora Patricia Rozema elige adaptar la tercera novela de Austen, ofreciendo un crítico relato sobre la intrínseca sociedad victoriana, los amores prohibidos entre primos y las decisiones personales.

Su excelente ambientación de época, su vestuario, más sus ingeniosos diálogos, la hacen una delicia muy destacable, con su nostalgia al tiempo pasado a cuestas.

“Orgullo Y Prejuicio” (Joe Wright, 2005)

Las cinco hermanas Bennet viven una especie de estigma familiar: su madre las ha criado desde niñas con el solo objetivo de encontrarles marido y si es rico, mucho mejor. Entre ellas destaca Lizzie (Keira Knightley), inteligente y descreída del amor, quién tendrá verdaderas batallas verbales con el Señor Darcy (Matthew MacFadyen), un antipático y huraño aristócrata, aunque el orgullo y la pasión los envolverá irremediablemente a ambos

El debutante Joe Wright, la guionista Deborah Moggach y la actriz Keira Knightley, logran en conjunto, con todos los atributos que le confieren a la historia, una de las mejores adaptaciones que se filmaron jamás sobre la novela “Orgullo Y Prejuicio” de Jane Austen.

La película atrapa desde el comienzo, gracias a un prodigioso guión de gran ritmo narrativo; maravillosas actuaciones (inolvidable el actor Donald Sutherland como el patriarca Bennet, puro corazón); un puesta deslumbrante y la luminosa Elizabeth Bennet, en el rostro y talento de Keira Knightley. Jane Austen y su mundo representado al 100%.

“Emma” (Autumn De Wilde, 2020)

Conocemos a Emma (Anya Taylor-Joy), una chica bella, rica y sumamente inteligente, que materialmente lo tiene todo, pero que se siente vacía por dentro. Llegar a conquistar Londres y escapar de su exigente familia, será la primera meta, de muchas que irá logrando con su tenacidad.

La fotógrafa Autumn De Wilde debuta en la dirección con esta versión “Millennial” de la novela homónima de Jane Austen.

La ascendente actriz Anya Taylor-Joy se pone tras el llamativo vestido amarillo chillón de este vanidoso y irresistible personaje, quien no para de seducir a cuánto joven se le presente y con una asombrosa osadía para la época.

Hay mucho en esta “Emma” moderna de esas comedias de enredos del director clásico Howard Hawks y de sus enormes heroínas.

Arrogancia, picardía y hasta carnalidad hacen de esta película y de su complejo personaje/actriz, un combo explosivo imposible de no visionar.

Jane Austen nunca pasa de moda.

Sus historias sin tiempo y lugar, así lo demuestran y mucho más aún en estas notables adaptaciones de su universo.

Para conocer más sobre esta gran escritora puedes comenzar leyendo sus libros en este BOXSET o comprando la COLECCIÓN COMPLETA de sus obras. Si te gustó este artículo probablemente disfrutes leer: Las 20 Mejores Adaptaciones De Un Libro Al Cine (Parte 1).

Soledad Colina Rodriguez

Cinéfila apasionada. Egresada de la Carrera de Crítica de Cine en la Escuela El Amante. Redactora en la revista especializada en Cine de Género «Miedo». Mis géneros preferidos son el Terror y el Western.

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Más allá de ser hija de uno de los directores más importantes del mundo del cine, conocer a Sofia Coppola fue para mí, entrar en un universo cinematográfico completamente femenino, íntimo y sensual.

Su primera película, “Vírgenes Suicidas” (The Virgin Suicides, 1999), se abrió ante mí con la delicadeza de un terciopelo dramático.

Protagonizada por Kirsten Dunst, Vírgenes Suicidas narra la historia de cinco hermanas envueltas en un aire de misterio y voluptuosidad gracias no solo a su edad y belleza, sino por la sobreprotección de sus padres volviéndolas un volcán en erupción.

Con este título, recuerdo además, un soundtrack tan delicioso que la película llenaba de lascivia a cualquier espectador. A través de esta historia, crucé una puerta de encanto fílmico que ya no pude cerrar jamás.

Cuatro años más tarde un título pondría a Sofia Coppola en boca de todos: “Perdidos en Tokio” (Lost In Translation, 2003).

Protagonizada por Bill Murray y Scarlett Johansson, Perdidos en Tokio es una historia pausada, de instantes y con algo de comedia. Un encuentro de dos soledades que se reconocen en una ciudad ajena y que al final, quieres seguir más allá de los créditos. Eso tiene Sofia. Crea mundos que quieres habitar.

Después, llega “María Antonieta” (Marie Antoinette, 2006) llena de hedonismo y adolescencia.

Aquí las críticas no fueron tan amenas. La tacharon de aburrida y frívola, sin embargo, me parece que dentro de esa superficialidad se esconde precisamente la intención de la directora, llenando la pantalla de incitante placer.

Y entonces: “En un Rincón del Corazón” (Somewhere, 2010).

Ufff. Recuerdo deslizarme en el asiendo del cine seducida, abandonada a la historia. Somewhere, es el retrato de un actor (Stephen Dorff) viviendo la vida de Hollywood: fama, excesos y soledad cuyo estilo de vida se ve interrumpido por la llegada de su hija adolescente (Elle Fanning). Con esta cinta Sofia regresa a sus historias íntimas, delicadas y llenas de melancolía.

Y así sin anunciarlo, la disrupción.

“Ladrones de la Fama” (Bling Ring, 2013) se sintió como una bocanada de aire fresco en el catálogo de la directora.

Basada en una historia real, un grupo de adolescentes se dedica a robar en las casas de las celebridades para sentir, aunque se por un momento, su fama. La “heroína”, Emma Watson, se sale totalmente de la imagen que nos regaló en toda la saga de Harry Potter (2001-2011) para regalarnos una interpretación fresca y descarada. Algunos la odiaron. A mí me encantó.

Y bueno, toda historia de amor, tiene sus desencuentros.

“La Seducción” (The Beguiled, 2017), no me sedujo en lo más mínimo, sin embargo, aún tengo una cita pendiente con Sofía. El nombre: “On The Rocks”. Bill Murray, figuras disfuncionales y martinis. Un encuentro que espero con ansias.

Por todo esto y más, te deseo querida Sofia Coppola un tremendo y feliz cumpleaños. Mucho cine por venir. Mucho de tu cine, para disfrutar.

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Marysol Jasso

Marysol Jasso es una adicta a la ficción. Desde pequeña, siempre ha encontrado en el cine y la televisión universos deliciosos para complementar su realidad. No fue mucha sorpresa que haya decidido estudiar de manera profesional cine y guión para seguir viviendo, por gusto y profesión, llena de conflicto, drama y giros inesperados.

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De vez en cuando todo aspirante al cine ha sentido inseguridad sobre su carrera, vivir del arte puede ser bastante complicado, especialmente cuando tu arte requiere de cientos de miles sino es que millones de dólares y a todo un ejército de técnicos y artistas que te ayuden durante un periodo de meses o años.

De vez en cuando llegan cineastas que logran cumplir ese sueño en contra de todas las adversidades, con poco dinero y poca ayuda, que crean maravillosas obras que nos inspiran a todos y nos regresan la esperanza de que, si soñamos lo suficiente y nos ponemos las manos a la obra, nosotros también podremos hacer películas.

Te presentamos los siguientes cuatro realizadores:

 ED WOOD

Ed Wood (1924-1978) fue un director, productor, guionista, editor y actor de cine norteamericano.

Un visionario sin formación académica alguna, aficionado al travestismo y con pocas opciones ni aptitudes para hacer cine.

No obstante, es un personaje empecinado que, tras una supuesta entrevista casual con Orson Welles, y después de reunir un reparto de curiosos personajes, puede al fin llevar a cabo su gran sueño: dirigir películas.

Con escaso presupuesto, hizo películas excéntricas y de escasa calidad técnica.

Tras su muerte en 1978, se le calificó como el peor director de todos los tiempos. Películas como “Glen O Glenda” (1953) y “Plan 9 Del Espacio Exterior” (1959) tuvieron la culpa. Sin embargo, actualmente se le considera un “director de culto” y el precursor del subgénero de cine clase Z. Ed fue un joven apasionado, inteligente, un tanto perturbado y poco dado al perfeccionismo. Personaje ideal para un film.

Tim Burton realizaría una película homónima sobre su vida en (1994)

Ed Wood hacía películas aunque todos le decían que eran terribles, hizo películas porque quiso.

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QUENTIN TARANTINO

Nacido en la ciudad de Knoxville, Tennessee en 1963, a los dos años su familia se trasladó a Los Ángeles. Aficionado al cine desde niño, Quentin Tarantino fue un mal estudiante; a los 22 años empezó a trabajar en un videoclub de Manhattan Beach, y se matriculó para tomar clases de interpretación. El videoclub se convertiría en su escuela de cine, y pronto empezó a redactar guiones.

Tarantino comenzó su carrera profesional en 1992 con el estreno de «Perros De Reserva» (1992) en el festival de Sundance, lo cual lo llevó a conocer los contactos indicados para producir su segunda película «Tiempos Violentos» (Pulp Fiction).

En 1994, estallaría a la fama internacional tras ganar la Palma de Oro del Festival de Cannes  y el Oscar al mejor guión original.

Quentin Tarantino trabajó en una tienda de rentas de video casetes VHS durante años antes de comenzar a hacer cine, hizo películas porque quiso.

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ROBERT RODRIGUEZ

Robert Rodríguez es un director de cine hijo de estadounidenses de origen mexicano.

Comenzó a interesarse por el cine a los once años cuando su padre le compró uno de los primeros reproductores de video con cámara incluida.

Se inicia en el mundo del cine realizando cortometrajes con su familia de diez hermanos, como protagonista, llegando a dirigir un total de treinta. Siempre con material prestado y prácticamente sin presupuesto.

En la Universidad de Texas quiso inscribirse en los cursos de cine pero no le admitieron.

En 1991, durante las vacaciones de verano, se internó durante un mes en un hospital de investigación como conejillo de indias para un nuevo fármaco contra el colesterol.

Le pagaron alrededor de U$S 3500 y escribió “El Mariachi” (1992). Pidió prestado otros U$S 4000 y se marchó a un pueblo de México donde en catorce días y con actores amateurs rodó la película.

El mariachi cosechó un gran éxito comercial, lo que provocó que la Columbia Pictures le ofreciera con un contrato millonario para hacer una segunda parte

Robert Rodríguez vendió su cuerpo a experimentos médicos y científicos para financiar su ópera prima “El Mariachi” (1992). Lo hizo porque quería hacer películas, ahora las hace.

Probablemente disfrutes leer: Wakaliwood: El Hollywood De Uganda – Opinión.

ISAAC NABWANA

Este es el último de los cuatro realizadores que te presentaremos, probablemente sea el más interesante de todos.

Realizando más de 40 películas en los últimos 10 años, Isaac Nabwana, un nativo autodidacta deWakaliga, es el principal director y fundador de este movimiento llamado Wakaliwood.

Cada una de las obras es realizada por menos de $200 dólares americanos, y todos los involucrados trabajan por gusto.

En una parte del mundo sin internet ni agua potable, algunas cosas son todo un lujo. Hasta hace poco, aproximadamente unos 4 o 5 años, todas las películas eran rodadas con una vieja DV Cam de casete, y solo existía una computadora en todo Wakaliga.

Creada con partes de otras computadoras viejas y desechadas a basureros, con una capacidad de almacenamiento y procesamiento para únicamente trabajar una película a la vez, quemarla en DVD’s y después borrarla del disco duro y así poder trabajar la siguiente película.

Y por último, las películas deben ser vendidas de casa en casa por todo el país, esa es la única forma de alcanzar su audiencia, la cual muchas veces no cuenta ni con un control remoto para sus reproductores de discos, haciendo que cada DVD quemado inicie la película sin menú en cuanto lo pones.

Afortunadamente el impacto viral de esta industria ha hecho que reciban ciertos apoyos monetarios y en especie durante los últimos años, contando con múltiples laptops de buen procesamiento y cámaras DSLR.

El pueblo de Wakaliga no podría sentirse más agradecido.

Puedes apoyar esta industria comprando «¿Quién mató al Capitán Alex?» (2010) y «Bad Black» (2016) juntas en Bluray AQUÍ.

Isaac Nabwana vive en las favelas pobres de Uganda. Hace películas de acción por $200 dólares americanos. (Más de $3,000 shillings de Uganda). Hace las películas porque quiere.

¿A QUÉ CONCLUSIÓN LLEGAMOS SOBRE ESTOS CUATRO REALIZADORES DE CINE?

Creemos que tu tambien debes ser como estos cuatro realizadores, se como Ed Wood, sé como Quentin Tarantino, sé como Robert Rodríguez y sé también como Isaac Nabwana. Si quieres hacer películas, solo hazlas.

Cómo diría el buen Stanley Kubrick «Si puede ser escrito o pensado, puede ser filmado».

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Si te gustó este artículo sobre cuatro realizadores que te inspirarán a hacer películas probablemente disfrutes leer: Wakaliwood: El Hollywood De Uganda – Opinión. o también Escenas Icónicas Del Cine Creadas Por Falta De Presupuesto (Parte 1).

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La entrada Cuatro Realizadores Que Te Inspirarán A Hacer Películas se publicó primero en CinReservas.

La mayoría de nosotros relacionamos a Vin Diesel con la saga de Rápidos Y Furiosos y la franquicia de Riddick, quienes supieron aprovechar la apariencia física de Diesel para vender millones de dólares y catapultar al musculoso actor al estrellato. Pocos recuerdan el humilde inicio de lo que solo era un chico de barrio pobre neoyorquino con talento para el rap, el baile y el ejercicio intentando obtener algún papel en comerciales y cine independiente.

A pesar de que hoy nos es difícil percibir cómo es que a un actor de buen porte físico como Diesel podría tener dificultades en ingresar a una industria tan glamurosa, el joven Diesel batallo mucho para encajar en los estereotipos de rol que exigían los papeles debido a su ascendencia multicultural, con una combinación de alemán, italiano, irlandés, dominicano, mexicano y hasta afroamericano, Diesel nunca logró que estos grupos raciales y étnicos lo consideraran “uno de los suyos”.

Fue entonces cuando a sus 28 años y al borde de abandonar la actuación por siempre, decidió convertir su frustración en expresión artística, lanzando el cortometraje “Multi-Facial” (1995) donde además de protagonizar fue el escritor, compositor musical, director y productor de su obra.

Filmada con muy poco presupuesto, la corta obra sigue a Mike (Vin Diesel), un actor multiétnico batallando en conseguir papeles en distintas audiciones, rechazado por “No ser lo suficientemente blanco o negro. No tener cabello largo o hablar con un acento específico”.

“Multi-Facial” logró competir en los festivales de Sundance y Cannes de 1995. Otorgando a Diesel credibilidad y reputación como uno de los realizadores más prometedores del año. Gracias a esto logró escribir, dirigir y protagonizar su siguiente obra autoral “Strays” (1997) una película largometraje que sigue la historia de un vendedor de droga que pasa su tiempo con sus amigos multiculturales, buscando significado a sus vidas entre relaciones casuales y borracheras. Todo cambia cuando el personaje de Diesel conoce a una mujer y se enamora de ella, perdiendo su actitud de macho en el proceso. Y adivinen qué, la cinta también logró competir en el Festival de Cine De Sundance de 1997, donde obtuvo la nominación al Gran Premio Del Jurado por Mejor Drama.

Con Diesel sorprendiendo a la industria con su talento, obtuvo notoriedad suficiente como para que el famoso director Steven Spielberg le ofreciera un papel en su cinta “Salvando Al Soldado Ryan” (1998), catapultando al actor al estrellato. A Vin Diesel le llovieron oportunidades tras participar en esta película y de aquí fue donde lo contemplaron para todos esos papeles famosos que hoy en día conocemos.

Probablemente el Vin Diesel de hoy se encuentra muy ocupado con superproducciones hollywoodenses para preocuparse por dirigir otro proyecto autoral. Al ser uno de los actores más ricos y mejor pagados de una industria internacional y contar con cientos de millones de seguidores probablemente no sienta ninguna presión por volver a tomar los riesgos de su juventud. Pero al menos nos deja con una gran historia de superación personal, éxito y prueba de que Diesel es más que solo músculo y adrenalina.

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Nacido el 26 de agosto de 1940, Don LaFontaine (nacido como Donald Leroy LaFontaine), fue un actor de voz americano quien grabó más de 5,000 tráilers para películas y cientos de miles de comerciales televisivos, promocionales y tráilers de videojuegos.

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En 1962, LaFontaine empezó su carrera como técnico de sonido en la discográfica National Recording Studios de Nueva York donde tuvo la oportunidad de conocer al productor Floyd Peterson con el que estuvo trabajando. Dos años después, mientras se rodaban “Los Pistoleros De Casa Grande” (1964), tuvo el encargo de buscar a un actor de voz para presentar el tráiler a la MGM; pero al no haber nadie disponible, él mismo se ofreció empezando así su carrera artística.

Hasta 1976 fue el director de Kaleidoscope Films Ltd. hasta que fundó su propia productora: LaFontaine Associates. Poco después fue contratado por Paramount donde llegó a ser vicepresidente de la compañía. En 1981 decidió abandonar la productora y volvió a centrarse en su carrera como actor de voz.5

Algunos de sus trabajos más conocidos son los tráilers de películas como “Terminator 2: El Juicio Final” (1991), “Shrek” (2001), “Viernes 13” (1980), “La Ley Y El Orden” (1990-2010) y “Batman Regresa” (1992) entre otros. En una entrevista concedida a Houston Chronicle en 2007 sobre cuál es su mejor trabajo, contestó que fue “El Hombre Elefante” (1980) aunque en su sitio web afirmó que ha hecho tantas que no sabría cual escoger.

Aparte del cine, también colaboró en la retransmisión de WWE a través de Pay Per View además de prestar su voz en off en concursos estadounidenses como “Jeopardy!” y “Wait Wait… Don’t Tell Me” en 2001 y en 2005 respectivamente. En 2006 fue contratado por la compañía de seguros GEICO para publicitar la empresa.

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El 8 de septiembre de 2008, Don LaFontaine falleció a la edad de 68 años.

LaFontaine ha sido referenciado y homenajeado múltiples veces, incluyendo la cinta “In A World” o “En Un Mundo” de 2013 en español, del director Lake Bell, quien la dedicó a su nombre.

Tras su fallecimiento las voces en los tráileres se volvieron cada vez más escasas; con la gran mayoría de ellos apoyándose de la música y diálogos de la misma cinta para promocionarse. Fue tan grande el impacto de su partida que su intentar reemplazar su voz fue irreplicable.

Para terminar te queremos dejar compartiendote un divertido audio recopilado con muchas de sus pronunciaciones en los distintos tráilers en los que trabajó.

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Si te gustó este artículo probablemente disfrutes leer: Clint Eastwood: El Último Director Clásico – Personalidades De Cine. O también:Vin Diesel: De Cineasta En Cannes A Superestrella Hollywoodense.

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