Ahondando y de modo muy profundo en el sentimiento, Alexander Payne, director y por sobre todas las cosas guionista de trascendencia contemporánea, emite desde “Nebraska” (2013) una excelente narrativa visual, un fresco de parajes lejanos, de rutas y pueblos casi fantasmas. Incluyendo la satírica visión de la sociedad estadounidense que ya es marca registrada en cada una de sus obras, abriendo un abanico de sensaciones y sentimientos que desde el minimalismo de la historia, muestra caminos para adentrarnos y hacer reflejo en varios de los personajes que conforman este inolvidable film.

La película narra el viaje realizado por un padre alcohólico y su distante hijo desde Montana hasta Nebraska para que el anciano recoja un “premio” ganado de un millón de dólares que recibió por correo. El mismo, con síntomas de demencia, está convencido de haber obtenido el monto citado, creyéndose millonario y embarcandose en el viaje para cobrar el dinero.

Desde un minimalista guion generado por Bob Nelson, comienza a mostrarse una atmósfera de situaciones comunes a la cotidianeidad humana y un tinte sumamente humano desde esta road movie con movimientos tragicómicos y situaciones internas que se despegan ante un viaje esclarecedor e interno.

Allí el recurso del viaje resulta importante ante el encuadre argumental y básico: descubrirse y alinearse hacia lo elemental y tan complejo a la vez que resulta la cristalización de la materia y el espíritu que se exponen en situaciones que conducen a entendernos un poco más en un mundo que pondera al sentido material en cada una de sus variantes y tiende a esconder, a no difundir, las veraces formas que perdemos cotidianamente.

La idea de una obsesión logra movilizar a una familia y descubrir en ella quién es quién y cómo se traducen los sentimientos; La disuasión, el intentar deponer la loca idea del padre genera en el hijo una asociación conductiva que libera sensaciones y lo introduce en descubrirse a si mismo, sosteniendo un silencioso amor absoluto hacia su progenitor.

Estos valores encontrados en una cinta filmada íntegramente en blanco y negro, resaltando en el monocroma el sentido del trabajo, nos relata de modo directo y sin concesión alguna, las formas humillantes de la vida, las lejanas historias que forman parte de la construcción de un ser, y la dignidad a conquistar. Desde la fuerza que el espíritu brinda a quienes transcurren el tiempo de la tercera edad y son descartados no solo por un sistema que pondera lo bello y joven, sino por la misma espada de Damocles que sostienen los familiares y amigos, y estos mensajes están sobremanera logrados, generando ese halo de reflexión ante estas propuestas que apelan al corazón y la razón.

Lee también: Zona De Interés (2023): El Infierno Detrás De Un Muro – Crítica

“Nebraska” deja en claro que lo importante no es el destino, sino el camino.

El camino es la utopía, como bien supo sostener nuestro gigante Fernando Birri, y tomar una mínima historia y convertirla en un clásico contemporáneo, resume la tarea de alma y técnica del trabajo.

Tres grandes actores y un reparto fundamental realzan esta aventura en el camino del entendimiento.

Will Forte en un rol diferente y sumamente logrado. El hijo del anciano que se expresa con matices profundos de miradas furtivas y sentidas, el afamado cómico, miembro del elenco estable del clásico de humor estadounidense “Saturday Night Live”, genera una interpretación diferente y sumamente sentida. June Squibb, una relevante actriz de reparto abordando una actuación de antología sin eufemismos, logrando representar una singular madre protestona y vehemente.

Y el viejo Woody. Contrariado por la vida y sosteniendo un sueño. Un poco malo y un poco bueno. Víctima como miles, de las circunstancias erróneas de la vida. Obsesivo, decidido y con la claridad que le aporta su temple. Bruce Dern, actor de primer nivel, de relevancia absoluta, abordando desde lo físico y lo psíquico un papel inolvidable y estructuralmente importante.

Natural, irónica, melancólica, reflexiva, sincera, cómica, enternecedora, realista. Nebraska es un lugar común a muchos.

Un lugar donde habita el recuerdo y el reconocimiento tan buscado y hasta a veces, necesario, colmado de codicia, de esperanza, de familias hipócritas, del perdón, de la vejez como patología con los primeros problemas de desorientación, del amor fraternal, del matrimonio y sus claroscuros.

La obra se ciñe a dos que le hacen homenaje directo a la obra de Cervantes, en busca de derribar sus propios molinos de viento y el entrañable Woody, que representa a muchos ancianos que en su ocaso de vida se miran y creen sus vidas desperdiciadas, siendo la obra un canto a la fuerza motora de la ilusión.

“Nebraska” (2013) de Alexander Payne, nos hace entender que el crepúsculo, es tan solo el inicio de una nueva vida. La propia.

Lee también: Recuerda: Redención Y Olvido – Opinión

Compra y mira la película completa en AMAZON MX.

Puedes leer más artículos de Hugo Bertone AQUÍ.

Síguenos por FACEBOOK, YOUTUBE e INSTAGRAM para más noticias y reseñas sobre el séptimo arte. Ayúdanos compartiendo y considera donar en PATREON.

Somos un equipo de cinéfilos y cineastas especializados en crítica de cine. Puedes leer más artículos sobre películas y series en CinReservas.

Hugo Bertone

Crítico cinematográfico especializado en Cine Argentino.

Blog Personal Facebook YouTube

La entrada Nebraska (2013) – Crítica se publicó primero en CinReservas.

“Zona De Interés” (2023) está escrita y dirigida por Jonathan Glazer. Basada libremente en la novela homónima de Martin Amis. Ganó el Premio del Jurado y el Premio FIPRESCI en el Festival de Cannes. Fue nominada a 5 Premios Oscar, incluyendo mejor película internacional representando a Reino Unido, así como a Mejor Dirección y Mejor Película.

Adéntrate a conocer la novela que inspiró a esta obra en AMAZON MX.

A comienzos de la década del 60, la escritora y filósofa Hannah Arendt publicó la primera edición de un controversial libro: “Eichmann En Jerusalén: Un Estudio Acerca De La Banalidad Del Mal”.

El mismo, abordaba un minucioso estudio acerca de la personalidad del jerarca nazi Adolf Eichmann, llegando a la conclusión que el nefasto personaje, fue un ejecutor de acciones impuestas, sin pensar en los efectos que las mismas conllevan.

La maldad en su ser se puso de manifiesto deportando judíos a los campos de exterminio, naturalizando las órdenes a cumplir. Así surge la teoría de la banalización del mal: El accionar de gran parte de los militares nazis, no se representó por ideológicas o racismo, tan solo por “cumplir con su deber”.

El Informe Auschwitz – Opinión

Trazando un paralelismo con aquella idea extrema y este nuevo film que reabre la discusión acerca del proceder humano y su conciencia, “Zona De Interés” (The Zone Of Interest, 2023) nos sumerge hacia un océano de dudas humanas, de esquivos procederes, de conciencia adormecida e intereses personales ante cualquier catástrofe concebida.

Trabajo basado en la obra del escritor Martin Amis, dentro del camino de thriller psicológico y drama bélico su director, el británico Jonathan Glazer, vuelve a ponerse tras el lente después de 10 años de haber abandonado la dirección cinematográfica.

De poca pero efectiva filmografía en su haber, es responsable de un clásico y film de culto en estos tiempos, la maravillosa “Under The Skin” (Bajo La Piel, 2013) protagonizado por Scarlett Johansson. Obra que muestra un trabajo por demás innovador y atractivo.

Este director es uno de los más creativos de los últimos tiempos y desarrolla en su nueva obra todo el despliegue del cine de arte tan necesario para comprender el valor trascendental que aún posee el séptimo arte cuando está bien direccionado.

Sin Novedad En El Frente (Película 2022) – Opinión

El film “Zona De Interés” cuenta el devenir de Rudolf Höss y su esposa Hedwig, quienes se esfuerzan en construir una vida de ensueño para su familia en una casa con jardín al lado de una de las construcciones más siniestras de la contemporánea historia humana: El campo de concentración de Auschwitz/Birkenau.

Nuevamente la temática del holocausto entre nosotros. Nuevamente una de las tantas historias que nos ponen de cara a una realidad humana inconcebible y tortuosa. Trabajos abordando la problemática existen por doquier. Pero esta vez un giro de tuerca, una perspectiva diferente pone de manifiesto como ninguna otra obra aquel momento tan oscuro de la historia. Sin ambigüedades y con el recurso extremo y simple a la vez de lo cotidiano.

Una familia de clase acomodada va desandando el camino de los días con sus claroscuros, sus virtudes y sus defectos. Las escenas son bellas y estridentes, salidas de una fábula hollywoodense del cine pomposo y edulcorado de la época del Macartismo. Pero aquello que global e históricamente conocemos se establecerá de modo transversal, generando verdadera sensación de espanto.

No existe mayor terror, espasmo y temor que todo aquello que brinda la realidad. Lo desagradable comenzara a surgir dentro de cada uno siendo espectadores de momentos familiares bellos y envidiables. No existe rasgo alguno de violencia o sufrimiento en su metraje. Nada quita el sesgo estructural de aquello que resulta tan “natural” a los acostumbrados ojos humanos de observar y comprender al villano, y casi romantizarlo en muchas oportunidades.

Símbolos y más símbolos preceden a las logradas imágenes. Las mismas capitulan momentos dignos de formar parte de las compilaciones cuando se muestren momentos gloriosos de la cinematografía de todos los tiempos. Aquel teatro de la muerte sin eufemismos como representó ser aquel campo de la deshumanización. Muerte y trabajo forzado casi no se ve, pero de modo certero se siente mediante el conocimiento de lo tristemente célebre y el disparador interno que pone al mecanismo de la conciencia a despertar ante lo moralmente atroz.

Recuerda: Redención Y Olvido – Opinión

Una pared medianera divide lo glamoroso de una familia alemana y lo demoníaco de lo generado por un régimen político.

Dentro de la obra, las escenas de vista térmica (técnica visual) acercan un nuevo carácter a la obra. La misma resulta aquella conciencia que regula a veces y el modo de la resistencia ante tanto daño concebido.

Imágenes de estridentes flores que crecen dentro de un jardín colmado de gritos infringidos por los “vecinos ruidosos”. Una piscina y soleadas jornadas que no impiden a las chimeneas que cubran tanta felicidad con su humo ennegrecido.

Los detalles técnicos son sumamente relevantes. Un lenguaje visual casi a modo de documental realza la intención del manifiesto, todo es objetivo, usando muy poca luz artificial para generar el carácter más realista posible.

El estudiado sonido por su parte construye una inmersiva atmósfera. La profundidad del diseño de arte pone de manifiesto el real sentido de la historia, que trasciende a través de eximio trabajo del director de fotografía polaco Łukasz Żal, introduciendo planos generales que poseen absoluta jerarquía, y una banda sonora limitada y por demás efectiva, parte estructural de la orientación del film.

Compuesta por la inglesa Mica Levi, un sonido ambiente que mezcla el amor y el espanto, por sobre todo en la musicalización de la secuencia de los títulos finales, saliendo de la clásica partitura convencional.

John Rabe – Opinión

Su parte actoral conmueve y resulta sumamente creíble.

Sandra Huller en el rol de la mujer del burócrata nazi. Sumamente convincente e impactante. Por momentos, delinea la postura de mujer plena, que ha logrado la casa y la familia que siempre soñó, por otro lado muestra un ser siniestro, convirtiéndose en una aterradora persona, sin gritar ni manifestar cuestión extraña.

Y Christian Friedel en la piel de Rudolf Hoss, un padre que ama a sus hijos, les lee cuentos, ama a los animales, pero despojado de toda humanidad mediante aceptar y llevar a cabo todo aquello que conoce a ciencia cierta generando una profunda y excelsa interpretación.

Suite Francesa: Un Amor Prohibido – Reseña

El universo “Glazer” en su máxima expresión escalofriante, construyendo una narrativa en “La Zona De Interés” (2023) en la cual la indiferencia y lo inhumano para a ser cosa de todos los días.

La autenticidad de la obra la hace diferenciarse de las otras del subgénero. Los muros son también protagonistas y lo que ocurre dentro de ellos el producto del egocentrismo, irresponsabilidad y maldad humana, banalizando o no la misma. El acierto de evitar todo efecto sensacionalista o morboso, genera una carga sombría que se expande en cada segundo del metraje.

Esta es la película de lo que no ves. Una representación exacta de cómo podemos ser tan parecidos a estos verdugos, y a la vez identificarnos con las víctimas. Una toma de conciencia severo de cómo hacer para no caer en el abismo de no sensibilizarnos por el sufrimiento ajeno, y no dejar que el ritmo loco de nuestras vidas nos permita no ver el sufrir ajeno.

Obra imprescindible, que refleja el concepto que sostiene que los monstruos reales están allí afuera, y muchas veces lucen como vos y como yo.

“La Zona De Interés” (The Zone Of Interest) de 2023 se estrenó en España el 19 de enero de 2024, mientras que Argentina, Brasil y México se estrenó en cines el 15 de febrero de 2024.

Adéntrate a conocer la novela que inspiró a esta obra en AMAZON MX.

Síguenos por FACEBOOK, YOUTUBE e INSTAGRAM para más noticias y reseñas sobre el séptimo arte. Ayúdanos compartiendo y considera donar en PATREON.

Si te gustó este artículo probablemente disfrutes leer: El Pianista: La Guerra De Las Manos De Un Músico | Análisis Parte 1. O también puedes leer: El Desafío Técnico de: Guerra Fría (2018).

Somos un equipo de cinéfilos y cineastas especializados en crítica de cine. Puedes leer más artículos sobre películas y series en CinReservas.

Hugo Bertone

Crítico cinematográfico especializado en Cine Argentino.

Blog Personal Facebook YouTube

La entrada Zona De Interés (2023): El Infierno Detrás De Un Muro – Crítica se publicó primero en CinReservas.

“Sin Novedad En El Frente” (All Quiet On The Western Front. En alemán: Im Westen Nichts Neues) es una película antibélica basada en la novela homónima de Erich Maria Remarque de 1929.

Si existe algo fuera de lo común, singular y poderoso en una de las más importantes novelas del siglo XX, es la capacidad de su escritor, Erich Maria Remarque, de generar a través de la misma un exorcismo hacia sus propias vivencias ante el hecho de haber sido soldado alemán, de haber palpado de primera mano todo aquel horror de la primera gran guerra.

El horror que presenció como soldado le genero una marca interna y dio a conocer en modo de novela su vivencia, desarrollando un particular lineamiento que diversos biógrafos o críticos consideraron como “antibelicista, pacifista y antimilitarista”.

En el año 1933, su más trascendente trabajo resultó incinerado en una gran quema de libros organizada por el Nacional Socialismo por considerarse “antipatriótica”.

Y al mismo Erich Maria Remarque se le consideró enemigo público de un régimen despótico y absolutista.

Este alegato narrativo vuelve a tomar valor y contundencia mediante el trabajo de guion de Ian Stokell. Y la dirección de Edward Berger, un joven director alemán experimentado en productos para tv generando una visión asombrosa.

Su objetivo general es ilustrar la repetitividad de la guerra, la naturaleza de ida y vuelta de esta lucha inútil y de años de duración por meros metros de tierra, manejando tiempos y momentos desde un matiz muy personal de dirección saliendo sumamente airoso ante la responsabilidad de diagramar un producto honesto, sin teutones hablando en inglés o aggiornado al universalismo la historia personal de un soldado, sumando al film una oscuridad que amerita el desarrollo de aquello a mostrar, concibiendo una realización sin baches que demarca lo extremadamente angustiante y visceral sin concesión alguna.

Puedes comprar la novela homónima en AMAZON.

“Sin Novedad En El Frente” (2022) relata las terribles experiencias y la angustia de un joven soldado alemán en el frente occidental durante la primera guerra mundial.

Si un mérito profundo posee este trabajo es la línea de imágenes y secuencias. Los sórdidos paisajes bélicos se contraponen en el momento justo con planos de la naturaleza que desarrolla toda su medida armónica, contrastando las líneas de comportamiento humano en grandes salones de conferencias políticas con los escenarios más sucios del llano de la lucha, el pandemónium real sobre la tierra.

La narrativa de “Sin Novedad En El Frente” corre entre identidad, nacionalismo extremo, la muerte como solución radical y la vía de sueños y esperanzas; las diferencias marcadas entre los niños soldados y la élite de gobierno.

Todos estos elementos están conformados de modo dinámico y reflexivo a la vez, endureciendo el engranaje de vida de un joven que arrastra cuestiones profundas, que debe demostrarse y demostrar cuán capaz puede ser de enfrentar una guerra, luchar con hidalguía y salir victorioso de la misma.

Síguenos por FACEBOOK , INSTAGRAM y TWITTER para más noticias, artículos y reseñas sobre el séptimo arte.

Rodada en la República Checa y mediante un realismo límite, las simbologías de “Sin Novedad En El Frente” recrudecen el relato.

Ya no existirán buenos ni malos, las variables humanas se sucederán cambiantes y convenientes moviendo piezas demarcando quienes somos y como nos constituimos a través de la visión de un joven que no deja de lado su amabilidad pese a la transición drástica y rauda hacia la adultez en un marco colmado de brutalidades diversas.

Tal vez el camino de efecto reflexión resulta el destacable más allá de la artística de alto impacto y efectos digitales diversos. Las miserias, los aciertos y declives humanos recorren el camino del trabajo y el peso de una fuerte historia vuelve a demostrar el valor intrínseco ante cualquier diseño modernista y visual de impacto.

En la faz técnica se destaca la fotografía a cargo de James Friend quien construye diversas e interesantes tomas generales y nos introduce con maestría al oscuro mundo devastador de las trincheras mediante acertados planos secuencia, similares a los logrados por Sam Mendes en “1917” (2019).

Recomendado – El Informe Auschwitz – Opinión

La banda sonora es un logro absoluto.

La partitura generada por Volker Bertelmann, pianista y músico experimental alemán, conceptualiza el trabajo, reiterando casi como leitmotiv un matiz electrónico de tres notas concibiendo un ambiente diferente y sumamente atractivo.

Desde la línea actoral, el consagrado Daniel Brühl en el rol de un pacífico diplomático (impecable en la secuencia de la firma del armisticio en el vagón de Compiegne), Albrecht Schuch, Aaron Hilmer, Moritz Klaus y su protagonista, el debutante Félix Kammerer, logrando un rol profundo, mostrando una progresión de crecimiento y sin concesiones en un camino que lo conduce hacia la locura explícita.

Este trabajo resulta punto de interpelación el pensamiento y la conciencia colectiva e individual, sin nada que envidiarle a la primera adaptación cinematográfica conformada por Lewis Milestone en 1930 (Disponible por Amazon), apenas un año después de la aparición de la novela, ganando “Mejor Película” y “Mejor Director” en la tercera edición de los Premios de la Academia, hoy conocidos como Oscars.

La frase final del mismo nos conduce hacia un acto sistemático de reflexión: “al inicio de las hostilidades de la primera guerra mundial, en 1914, comenzó la guerra de trincheras en el frente occidental, para cuando llegó el final del conflicto, en 1918, el frente se había movido apenas unos cientos de metros: 17 millones de personas perdieron la vida por unos cuantos metros de tierra”.

Recomendado – Hannah Arendt – Opinión

Aquella guerra de trincheras, cruda y demencial, generó el sinsentido mismo de la vida.

La crueldad siendo protagonista dentro de una lucha de poder absurda, que demostró sin banalizar el sentido mismo destructivo del humano hacia su prójimo.

Algo que no se contrapone demasiado con nuestra realidad.

“Sin Novedad En El Frente” (All Quiet On The Western Front. En alemán: Im Westen Nichts Neues) es una película antibélica disponible en Netflix.

Puedes comprar la novela homónima en AMAZON.

Síguenos por FACEBOOK , INSTAGRAM y TWITTER para más noticias, artículos y reseñas sobre el séptimo arte. Ayúdanos compartiendo y considera donar en PATREON.

Si te gustó este artículo probablemente disfrutes leer: Minamata – Opinión. O también: Belfast – Reseña. E incluso: Mientras Dure La Guerra – Opinión.

Hugo Bertone

Crítico cinematográfico especializado en Cine Argentino.

Blog Personal Facebook YouTube

La entrada Sin Novedad En El Frente (Película 2022) – Opinión se publicó primero en CinReservas.

“Recuerda” (Remember, 2015) es un drama-thriller dirigido por Atom Egoyan y escrito por Benjamin August en coproducción con Canadá y Alemania.

Los recónditos surcos de la memoria. Por allí transitan y se establecen todo el conjunto de imágenes de hechos y situaciones del pasado que se depositan en nuestra mente y que a veces, vaya a saber por qué cuestión cognitiva, se bloquean, desaparecen sin dejar un mínimo rastro.

Hasta que un suceso hace despertar aquellas raíces que jamás hubiéramos querido experimentar.

De memoria y olvidos, de alienación y venganzas, de pasados lejanos, nebulosos, inconclusos se estructura este trabajo que contiene una temática muy abordada por cierto, dejando entrever que pueden resultar de interés nuevamente cuando surge un producto con indelebles recuerdos que nunca se situarán en el olvido dentro de una narrativa efectiva, práctica, dinámica.

El egipcio de origen armenio Atom Egoyan, un cineasta contemporáneo proveniente del mismísimo cine independiente, multipremiado mediante abordar las situaciones límites del devenir humano en sus diversas realizaciones, logra en este trabajo confluir sostenidamente hacia el destino de mostrar un hecho innegable construyendo desde los peldaños del suspense y el drama social un ingenio cinematográfico digno de resaltar y de difundir, recreando un segmento de aquel fatídico holocausto que lastimó a cada uno de nosotros, trayéndolo a la actualidad mediante una singular y atractiva narración generada por el debutante guionista Benjamín August.

Puedes comprar “Recuerda” en DVD.

La historia de “Recuerda” (Remember, 2015) relata el devenir de Zeb, judío superviviente del holocausto ya de 90 años y con alzheimer.

Zeb busca a un criminal de guerra nazi que fue responsable de la muerte de su familia, con el objetivo de asesinarlo mediante un plan que traza su compañero y amigo dentro de una institución geriátrica.

Con ciertos toques del estilo “Road movie” este trabajo posee una historia muy bien contada, que hace honor al “menos es más” tan citado en la actualidad. Allí radica el punto de inflexión que contiene un in crescendo de situaciones y manipulaciones.

Egoyan manipula nuestra idea y desarrolla diversas vertientes haciéndonos parte misma de la historia, poseedora de un certero montaje que sabe mostrar y ocultar imágenes, generando revelaciones, recorriendo los límites senderos de la mente y las consecuencias que contienen sus estados y sus giros, funcionando de modo positivo cada segmento del entramado que puede resultar un tanto naif por momentos, pero que disparan secuencias tal vez no imaginadas manteniendo en vilo sorprendentemente la atención a lo que viene, hecho no muy encontrado en productos cinematográficos de la actualidad, dando cuenta que aun la infamia, posee diversos matices y se esconde en los recovecos menos sospechados.

El mal de alzheimer va concretando su funcionalidad. Esgrimiendo sus tópicos, entreabriendo un portal por momentos, situando al protagonista en diversos escenarios cargados de malos entendidos y diversas contrariedades. Las lecturas reflexivas son miles y el pacto entre dos ancianos de honor. Un honor casi difuso por momentos que pone a Zeb, como un solitario lobo en estepas modernas buscando una reparación histórica al daño pasando por diversas etapas dentro de algo que casi se convierte en una especie lúdica historia la cual se corre de los estándares tradicionales de realizaciones en la línea del nazismo y sus consecuencias.

Recomendado – La Eternidad Y Un Día – Reseña

La parte actoral de “Recuerda” (Remember, 2015) se fundamenta en tres estandartes de la actuación.

El inmenso actor alemán Bruno Ganz, generando el rol de un ex integrante de aquel pandemónium en la tierra como lo fue auschwitz Birkenau. Breve pero significativa representación maniobrando los climas y el oficio que poseía aquel talento de las tablas.

El gran Martin Landau como Max, un singular personaje que encarga a su amigo una misión casi suicida, demostrando su eximia capacidad para conmover en un papel a su altura.

Y Zeb. Quintaesencia del anciano querible, impulsado por una extrema ansia de justicia se dispone a recorrer los caminos que traza el asfalto y que dibuja su propia mente, en franco combate con un enemigo lejano y a la vez, cercano, librando una última batalla.

Christopher Plummer. Aquel capitán Von Trapp perseguido por el nazismo en “La Novicia Rebelde”, o el mismísimo León Tolstoi en la impecable “La Última Estación”, recrea un personaje sumamente creíble, e increíble. De mirar profundo, casi intimidante por momentos, de empatía plena, que demarca un surco inolvidable a través de una interpretación inigualable, sin desperdicio alguno, realzándolo como uno de los más grandes talentos actorales de todos los tiempos. De aquellos que se animan a tomar riesgos.

Aun hoy en diversas regiones continúan en la oscuridad existiendo matones que fueron tan solo fetiches destructivos de un poder absurdo y siniestro y estos productos son más que interesantes a la hora de provocar aquel recuerdo que nos quite el “alzheimer” impuesto por un sistema que tiende a la anestesia y al olvido.

Los grandes acontecimientos del pasado llegan inexorablemente a nuestra cotidianeidad, sangran en el presente y dan forma a esta historia de una extraordinaria venganza. La redención, vendrá cuando una palabra harto mencionada, se ponga en práctica. Justicia.

Puedes comprar la película «Recuerda» (2015) en DVD.

Síguenos por FACEBOOK , INSTAGRAM y TWITTER para más noticias, artículos y reseñas sobre el séptimo arte. Ayúdanos compartiendo y considera donar en PATREON.

Si te gustó este artículo probablemente disfrutes leer: Convaleciente – Reseña. O también: Historias Mínimas – Reseña.

Hugo Bertone

Crítico cinematográfico especializado en Cine Argentino.

Blog Personal Facebook YouTube

La entrada Recuerda: Redención Y Olvido – Opinión se publicó primero en CinReservas.

«Argentina, 1985» (2022) es una película argentina dirigida por Santiago Mitre y protagonizada por Ricardo Darín y Juan Pedro Lanzani.

Entendemos por conciencia todo el conocimiento que posee el ser humano de sus actos y su existir.

Y la misma, aquella que perdemos mediante el loco ritmo de vida y las periferias colectivas, cuando nace y recrea toda su importancia, toma su real poder, confirmando nuestra propia identidad humana, iluminando el camino del crecimiento para constituirnos como mejores seres.

En “aquella abuela que regula el mundo” como bien sostenía un inmenso de nuestra cultura como lo fue y es Luis Alberto Spinetta en una de sus magníficas declamaciones hechas canción.

Y ese mismo comprometido estado se sitúa en un judicial que comienza a ingresar en un estado candente y profundo, interior y responsable, sosteniendo el peso de ser carril conductor directo de aquella materia que tan postergada se encuentra en nuestro sesgo social: La justicia.

Desde esta estructura nace un film que no solo se convierte en una de las obras contemporáneas más relevantes de la industria, si no que se erige como un decálogo histórico, una historia necesaria que nos hará ingresar en en análisis pleno de tiempos aun oscuros, teñidos de un halo esperanzador pero complejo mediante la situación social apocada y temerosa.

Generando un sincronismo emocional altamente rescatable y un criterio inteligente en el planteo de mostrar una etapa que poseía más interrogantes que certezas, Santiago Mitre guionista del trabajo en conjunto con Mariano Llinás, alejándose del ritmo lento y cansino de uno de sus relevantes trabajos como lo es “La Cordillera”, aborda una temática difícil con suma aptitud, logrando un dinamismo importante, una accesibilidad para todo tipo de público dentro de lo difícil que resulta entretener y hacer pensar desde un drama judicial sosteniendo un destacable pulso de narración mediante el interesante texto y los destacables diálogos.

Puedes ver esta película en PRIME VIDEO.

La historia de «Argentina, 1985» sencillamente narra el juicio a las juntas militares.

Inspirada en la real labor de Julio Strassera y Moreno Ocampo quienes se atrevieron a investigar los crímenes de lesa humanidad cometidos por aquel oscurantismo, reuniendo a un joven equipo de investigación que de modo acertado, abre las aristas necesarias para cumplir su cometido, entre intimidaciones varias y amenazas explícitas.

De modo clásico se aborda un suspense particular. Locaciones de tribunales con su impronta poco iluminada pone el marco adecuado para entronizarnos en la historia.

Y como de modo estructural el proceso interno del fiscal a cargo de tamaña empresa sostiene el trabajo, el insondable rigor pone de manifiesto a través de elementos ficcionados que resultan recursos atractivos y personajes que resultaran inolvidables dentro de lo empático y apático que poseen las trabajadas secuencias.

El villano es conocido desde la primera toma; y el conspicuo entramado político situando en tiempo y espacio las decisiones y los temores que contenían lo drástico a definir generan un aditivo especial desde el modo en el cual se encuentran delimitados: Un presidente democrático y su voz en off, un ministro del interior (representante de los “Siniestros ministerios”) y su maquiavélico manifiesto de manipulación, un periodista estrella mostrando su irreverencia y su lado espurio y tendencioso, forman parte de un entramado que se destaca sobremanera los manifiestos reales y extremos de las víctimas, tiro directo hacia nuestras almas, generando el interrogante de nuestros roles en aquellos momentos, los momentos traumáticos extremos de los sobrevivientes de aquel infierno tan temido que miles de nosotros tuvimos que sostener de primera mano.

Síguenos por FACEBOOK , INSTAGRAM y TWITTER para más noticias, artículos y reseñas sobre el séptimo arte.

Un golpecito a la clase media que en su mayoría apoyó aquella dictadura cívico – militar – religiosa se sucede y conmueve dentro del formalismo métrico clásico cinematográfico.

En su parte técnica, destacable resulta la labor de montaje a cargo de Ángel Estrada, su banda sonora generada por Pedro Osuna con el bonus de tradicionales canciones de nuestro Rock Argentino, el vestuario puntillosamente abordado por Mónica Toschi, abren el camino a un seleccionado de grandes actores.

El inmenso Norman Briski interpretando a “Ruso”, de breve pero sumamente efectiva aparición, Carlos Portaluppi en el rol del Recordado Leon Arslanian, aportando a través de su oficio la impronta necesaria que requería la actuación, una sensible pero a la vez estoica Alejandra Flechner como Silvia Strassera, mujer de armas tomar del fiscal, sosteniendo un papel a su altura.

Recomendado – Tesis Sobre Un Homicidio – Opinión

Y los dos protagonistas de «Argentina, 1985».

Elementos necesarios para brindar un poco de luz ante semejante arquitectura absolutista que aún no lograba comprender que su reinado de terror había concluido. Y para siempre.

Peter Lanzani como el adjunto Moreno Ocampo.

Este actor posee una particular virtud: casi metodiza sus interpretaciones, logrando  conformarse como uno de los mejores de la época contemporánea. Entre inexperiencia y acérrima voluntad, va situándose como eje de importancia y relevancia en el derrotero que marcará historia y definirá que aún existe un sesgo de importancia y honestidad en materia judicial. Más allá del significativo parecido físico con el funcionario, despliega postura y forma, resulta inteligentemente ser quien cuestiona el rol de aquellos que ya integraban uno de los poderes más importantes de nuestra república. Inmensa actuación, colmada de efectividad y pureza.

Y Ricardo Darín como el Fiscal Strassera.

El afamado actor cumple a la perfección el compilado que lo catapultó a la fama. Impronta porteña, voz colocada efectivamente, breves chistes dentro de temáticas complejos. No veremos un Darin distinto de aquello que generalmente presenta, pero tan solo por trascender actoralmente mediante interpretar a un ser que, preparado o no, logró poner contra las cuerdas a los hacedores de la desgracia Nacional. Entre las dudas y la obligación, entre la conciencia y la fuerte lucha interior, muestra aquel oficio real que tanto bien le hace a nuestra escena.

Recomendado – La Noche De Los Lápices – Opinión

«Argentina, 1985» es una suerte de telefilm por instantes.

Un comentario gracioso que rompe de cuajo la red del dolor. La emotividad exacta mediante el recordar situaciones propias y ajenas. Formulas exactas de nuestro costumbrismo cinematográfico, aquel que nos conformó como diferentes ante otros productos, pese a clichés que muchas veces no podemos erradicar.

Muestra fiel de cómo somos, relato también de nuestra disímil idiosincrasia cambiante, conveniente, altanera y pre adolescente.

Así somos. En 1985 y en la actualidad. Una dualidad difícil de explicar, habitando un espacio de mundo donde muere toda teoría. Estos productos resultan importantes por antonomasia puesto que pueden generar la conexión, el arranque necesario para que despertemos aquella conciencia que aletargamos, que dormimos como madre que arrulla a su niño.

Para los Jóvenes, desde acercarse a conocer un poco de donde proviene el devenir.

Para nosotros, adultos que permitimos de una u otra forma, que miles de hermanos y hermanas sean detenidos – desaparecidos.

Y el maestro García cerrando el espacio visual de reflexión.
Con su canción celebrada generación tras generación, la enmienda llamada “inconsciente colectivo”.

Allí caerán lágrimas de seguro, como en lo personal me sucedió.

…Sostuvimos muchos años un transformador que nos consumía lo mejor de nosotros, tirándonos hacia atrás, que pedía más y más, y muchos, no pudieron continuar.

Por los hambrientos, por los locos, por aquellos que se encuentran en prisión.
Por la libertad, que jamás se podrá enclaustrar.

Es necesario recordar de nuevo, una vez más… En homenaje a 30.000 y hacia aquellos fiscales y jóvenes que pusieron manos a la obra para definir un mundo mejor.

Puedes ver «Argentina, 1985» en PRIME VIDEO.

Síguenos por FACEBOOK , INSTAGRAM y TWITTER para más noticias, artículos y reseñas sobre el séptimo arte. Ayúdanos compartiendo y considera donar en PATREON.

Si te gustó este artículo probablemente disfrutes leer: La Plegaria Del Vidente – Reseña. O también: El Fotógrafo Y El Cartero (Documental) – Opinión.

Hugo Bertone

Crítico cinematográfico especializado en Cine Argentino.

Blog Personal Facebook YouTube

La entrada Argentina, 1985 – Opinión se publicó primero en CinReservas.

“Calvary” (Calvario) es una película estrenada en 2014 durante el festival de cine de Sundance y en el Festival Internacional De Cine De Berlín.

Existen hombres que sobremanera resultan inevitables muros donde uno recurre a la contención para intentar por todos los medios ser escuchados, personas que quitan lo execrable del entorno vital que cuesta tanto cargar.

Y esta es la breve historia de un humano común, representando un símbolo exacto de todo aquello contradictorio y real, de dudas más que de certezas, cargando su propia cruz, intentando por todos los medios no mostrar sus miedos y frustraciones, erigiéndose como patriarca estoico y firme, pero arrastrando las cadenas de cada uno de sus actos.

Este extraordinario film pasa a integrar el argot de las grandes realizaciones irlandesas, país que posee una raigambre muy particular, de fuerza y contundencia en la manera de visionar la cinematografía.

Cuarto trabajo del irlandés y británico John Michael McDonagh, guionista y director de un film que toca las fibras íntimas y se convierte en puro reflejo interior. Cuidando la estética de cada personaje e imponiendo el paisaje lugareño, llega a concebir un trabajo de suma altura artística y profesional, abordando cada detalle con cuidado de no desteñir lo interesante de la narrativa.

Puedes comprar esta película en BLU RAY y DVD.

La línea argumental de “Calvary” (Calvario, 2014) transcurre en un pequeño pueblo irlandés, donde el padre James, sacerdote católico, escucha en confesión una amenaza: dentro de siete días van a matarlo.

El sacerdote no sabe ni quién, ni por qué. Solo sabe el día: si nada lo remedia, morirá el próximo domingo.

Varias aristas se detectan casi de inmediato, un compendio de situaciones humanas se suceden como capítulos de un libro dentro de un contexto, una periferia que contiene aquello de pueblo chico – infierno grande, dentro de una misión sacerdotal por demás particular y enteramente humanizada. El cotidiano dolor, la fe irresoluta, el engaño, la pasividad, el egocentrismo, la amargura y el perdón van danzando en este thriller con toques de comedia negra que muestra como pocos lo vulnerables y diminutos que somos desde nuestra particular humana manera de ser.

Este no resulta un trabajo de nimiedades o diversión fácil, ni un manifiesto cargado de críticas religiosas. Desde un inusual dinamismo la línea estructural principal radica en los conflictos del pasado y como los mismos hacen inevitable mella en el presente, juntando lo ambivalente de las diversas situaciones hipócritas y todo aquello que escondemos durante años, y el resultado de la inevitable implosión interna y sus consecuencias al exteriorizarse.

Síguenos por FACEBOOK , INSTAGRAM y TWITTER para más noticias, artículos y reseñas sobre el séptimo arte. 

“Calvary” (Calvario, 2014) es una película de intimidad.

De misericordia encausada mediante el concientizar que otro sendero ya no se puede transitar: último recurso dentro de un engranaje que nos encadena con profundidad y nos brinda un breve espacio para conciliar con nosotros mismos.

Y es justamente en esos lapsus de tiempo internos es cuando los personajes van soltando el profundo lastre que hacen de sus existencias algo vacía y pasajero colocándonos en una situación de incomodidad, pero abriendo el abanico de la inexorable realidad.

Desde el rubro técnico se destaca su música incidental a cargo del experimentado Patrick Cassidy, generando a través de la partitura climas emotivos importantes y cadenciosos y la fotografía del cinematógrafo de Kubrick, el gran Larry Smith mostrando la naturaleza misma sin tapujos, realizando tomas de efectividad y hermosura.

Recomendado – El Tormento Y El Éxtasis – Apreciación Visual

La sección actoral se establece en actores de oficio y trascendencia, logrando interpretar maravillosamente cada uno de los inolvidables, anacrónicos y singulares personajes dentro de las sub tramas establecidas.

M Emmet Walsh, Kelly Reiden, Aidan Gillen y Chris O’Dowd entre otros, secundan maravillosamente a uno de los más grandes actores del cine contemporáneo.

Brendan Gleeson como el Padre James. Un sacerdote fuera de lo común. De breve reminiscencia a la situación que atravesaba el recordado padre Karras en “El Exorcista” de William Friedkin. Luchando contra sus propios demonios, caminando por un secular calvario, sin caer en demagogias y clichés, logra dar vida al religioso más cerca a los límites carnales que a las implicancias misteriosas de lo celestial.

Brendan Gleeson en el papel de su vida, este eximio actor Irlandés, generador de diversos personajes secundarios en una treintena de trabajos, logra consolidar un paso actoral único y profundo, dentro de la búsqueda del “Judas” que intentara traicionarlo.

Tal vez ese traidor es metáfora de todo aquello que no podemos superar, de toda aquella vida que tanto nos cuesta vivir dentro de un esquema, un conjunto de diversas frustraciones sociales que se reiteran una tras otra, como golpes letales hacia lo conocido como esperanza.

Recomendado – Simón Del Desierto ¿Teatralidad Pura O Cine De Bajo Presupuesto? – Opinión

“Calvary” (Calvario, 2014) es una obra necesaria, de interpelación constante, de vida, de amor, de oscuridad. De instituciones y replanteos. Calidad y conciencia. De final contundente e inesperado. Firma a fuego de la actual condición humana.

Puedes comprar “Calvary” en BLU RAY y DVD.

Síguenos por FACEBOOK , INSTAGRAM y TWITTER para más noticias, artículos y reseñas sobre el séptimo arte. Ayúdanos compartiendo y considera donar en PATREON.

Si te gustó este artículo probablemente disfrutes leer: Santa Evita (Serie De Televisión) – Opinión. O también: Belfast – Reseña.

Hugo Bertone

Crítico cinematográfico especializado en Cine Argentino.

Blog Personal Facebook YouTube

La entrada Calvary (Película) – Opinión se publicó primero en CinReservas.

​“Santa Evita” (2022) es un fílmico que muestra la vida de Eva Perón, ex Primera dama de Argentina; su muerte a los 33 años y el posterior destino de su cadáver embalsamado.

Síguenos porFACEBOOK e INSTAGRAM para más noticias, artículos y reseñas sobre el séptimo arte.

Realidad que mezcla lo fáctico con lo verdadero.

La biblia con el calefón; la razón y el desquicio, todo conformado y contenido en este trabajo de robos y desapariciones, de ultrajes y sensaciones, de velas y devoción, de pasión macabra entre el juego de la perversión y el erotismo desvinculado de toda línea moral.

El cauce de los elementos de necrofilia, el espacio y el tiempo son elementos trascendentales en la novela de Eloy Martínez, best seller en la década de los 90´, trabajada desde el mito de la líder política.

La obra literaria resulta un escrito nada fácil de adaptar a la pantalla teniendo en cuenta los ribetes de época y los siempre bajos o nulos presupuestos que maneja la industria cinematográfica nacional. La apuesta de construcción visual proviene de diversos productores mediante la idea de generar un producto netamente adaptado para el modernismo reinante y sus necesidades. Además, sabiendo de primera mano que el mismo contendrá rasgos extremadamente controversiales, y que todo aquello que produzca postura o debate, resulta de interés de consumo.

Ayúdanos compartiendo y considera donar en PATREON.

​“Santa Evita” (2022) es dirigida por Rodrigo García (hijo del escritor colombiano Gabriel García Márquez) y Alejandro Macci, de efectiva y sorprendente dinámica, de guion generado por dos escritoras avezadas en las lides televisivas como Marcela Guerty y Pamela Rementeria, trabajando.

Diversos puristas de la historia se colocan de la vereda opuesta ante el valor de la obra. Recurriendo a desacertados datos históricos y haciendo hincapié en la necesidad que los mismos sean desarrollados al pie de la letra.

​“Santa Evita” (2022) es una obra de ficción neta.

La misma nos narra el decálogo de “La Comunidad Organizada”. Basada en un hecho real y en modalidad serie de 7 capítulos, este drama de suspenso contiene un guion dinámico y contundente.

Ésta ficción muestra de sobremanera el protagonismo de un militar y su situación y acción psicológica crítica ante su propio desconcierto interno y de un periodista comprometido, obsesivo y decidido a reflotar una perdida y olvidada historia en plena época de resistencia peronista (con rasgos de Rodolfo Walsh, salvando las distancias).

Así pues, dejando el rol de Eva Perón al de un objeto de narración de los demás en los primeros momentos del trabajo hasta confluir en las secuencias de la mujer comprometida y decidida dentro de un espectro extremadamente machista y drástico.

La obra no refiere directamente a la trascendencia de Eva; es una muestra viva y fiel de nuestro proceder. Y si hace reflejo, esta o cualquier obra, molesta, incomoda, increpa.

Desde Mignona, pasando por el mismísimo Alan Parker, Paula de Luque, o aquella “Eva Perón” de De sanzo hasta este producto del modernismo 2.0.

Entonces, cualquier tipo de adaptación posee la disidencia necesaria que le buscamos a todo, por saber o sin saber, por tomar postura evidente, ninguneando o liquidando cualquier manifestación que está ligada a los temas candentes de nuestro devenir como nación y sobre todo los que contienen procedencia del movimiento social denominado peronismo.

¿Qué nos generará esta serie de “Santa Evita” y cuál es el aporte distinto de la misma?

Tal vez el deambular del cadáver de Eva, nos muestra como en una interminable metáfora nuestro caminar como sociedad que va de un lado al otro, montada en crestas de olas superfluas y sin sostén, depende el tiempo y la conveniencia personal para subirse a la mismas.

​“Santa Evita” (2022) y las eternas proscripciones, aquellas que como “pensantes y razonables seres” infringimos hacia todo aquello que no cuadra con nuestro propio pensamiento e interés (económico y social); intentando separar, fragmentar en mil pedazos y dividir sea como sea aquellas ideas contrarias y personas diferentes.

Probablemente disfrutes leer: Un Muro De Silencio – Reseña.

El pacto.

En ​“Santa Evita” (2022) se evidencia una vez más la devoción sacra que el pueblo mismo poseía ante la líder. Un pacto indestructible de marchas y contramarchas, de odio y arrogancias, de límites insospechados.

De virtudes técnicas marcadas, como su dirección de arte y vestuario, la impecable y siempre sorprendente cinematografía del gran “Chango” Monti, fotógrafo de fotógrafos, de incidental música generada por el siempre efectivo Federico Jusid, la estructura actoral da marco de interés y relevancia al producto.

Francesc Orella, del entrañable profesor Merli hasta la confección de un Doctor enigmático y fiel a su labor, descollando como es de usual costumbre. Darío Grandinetti en el rol del general Perón, generando una ajustada y pulcra actuación.

Diego Velázquez interpretando al periodista que comienza a dar luz al oscuro tema y Natalia Oreiro, reflejando una Eva diferente, con frescura y decisión, enmarcando su belleza casi angelical que honra la memoria de quien cumplió uno de los más ejemplares roles en nuestra región.

¿Y Ernesto Alterio?

Moore Koenig, un despótico militar, cargado de contradicciones y ambigüedades, la representación del mal sobre la tierra y tal vez uno de los más odiados villanos de la historia de nuestra cinematografía. Éste representa a la perfección toda esa carga violenta que aquellos representantes de una “revolución” fusiladora, dejaron en rigor histórico en nuestra nación abriendo una brecha profunda que se constituye hasta el presente

Este producto refleja una parte muy importante del desarrollo latinoamericano y las consecuencias a futuro. ​“Santa Evita” (2022) es una historia necesaria más allá del mainstream vinculante con la misma, que tal vez conduzca a los jóvenes a despertar el interés por conocer los hechos.

También, abriendo diversas perspectivas para llegar a un análisis de conocimiento histórico, en el camino de poder comprender cómo y porqué llegamos hasta dónde llegamos; teniendo en cuenta que toda representación de la realidad va aparejada al conjunto de criterios e ideas formadas por propia decisión o por someterse al mandato de la comunicación.

Probablemente disfrutes leer: Cipriano: Yo Hice El 17 De Octubre – Opinión.

¿Entonces?

Puedes estar o no de acuerdo con la visión y acción de Eva Perón. Se puede amarla o desearle el cáncer, aún después de tanto tiempo y de tanta grieta. Pero, la dimensión de la profunda historia de una mujer que se plantó ante el poder real siempre resulta necesaria y de importancia, en épocas en las cuales las ideas están mancilladas por la nada misma. Ni buenas ni malas, ni blancas ni negras.

El tema a tener en consideración resulta ser la trascendencia de Eva. Fuera de visiones extremas que la consideran algo así como a un demonio terrenal, absolutista y despótica. Eva era una mujer en tiempos extremos, en momentos de cambios profundos.

En definitiva y, en síntesis, ​“Santa Evita” (2022) intenta narrar la muerte y sus avatares. Que la misma no sea utilizada como mejor resulte.

Síguenos por FACEBOOK e INSTAGRAM para más noticias, artículos y reseñas sobre el séptimo arte. Ayúdanos compartiendo y considera donar en PATREON.

Si te gustó este artículo probablemente disfrutes leer: Cipriano: Yo Hice El 17 De Octubre – Opinión. O también: Un Muro De Silencio – Reseña.

Hugo Bertone

Crítico cinematográfico especializado en Cine Argentino.

Blog Personal Facebook YouTube

La entrada Santa Evita (Serie De Televisión) – Opinión se publicó primero en CinReservas.

“Whisky Romeo Zulu” narra la historia previa al accidente del Boeing 737 de LAPA que el 31 de agosto de 1999, se incendió tras impactar contra un terraplén en pleno centro de Buenos Aires, provocando la muerte de 67 personas.

Testimoniar hechos de índole conflictivo, sucesos en los cuales las aristas mas escabrosas suelen mostrarse para constituir un relato y que el mismo sirva de clarificación ante la opinión pública desde un punto de vista tangible y de participación real del mismo, resultan de extrema necesidad.

Mira esta película en PRIME VIDEO.

Más aún cuando se aborda la degradación explícita de la seguridad, en esta oportunidad de un medio de transporte y poder así dar por tierra a las teorías estrambóticas que de plano surgen a través de los medios de comunicación y sus comunicadores de turno.

Enrique Piñeyro, ex piloto aeronáutico, filántropo y uno de los más excelsos documentalistas del principio del nuevo siglo, construye mediante una historia autobiográfica, un devenir que nos roza a todos en mayor o menor escala, puesto que la misma se constituyó como un cachetazo social duro y profundo.

“Whisky Romeo Zulu” es un trabajo a su medida que resulta sumamente interesante. La claridad por mostrar la cinematografía va tomando cariz necesario secuencia tras secuencia, poniendo de manifiesto su intuición hacia hacer prevalecer recursos más que atractivos.

Esto desde un trabajo en el cual la narrativa, que transcurre entre flashbacks y un presente poco ampuloso para el protagonista, va dando paso al descubrimiento de primera mano del sistema corrupto, conveniente y límite de una empresa aeronáutica.

De modo estructural, el film posee un ribete por demás interesante: desde el sueño que un joven sostenía, sobre ser piloto de avión y surcar los cielos como profesión; hasta la más cruda y ambigua realidad de un sistema que también mostraba su parte incorrecta, dentro de una era signada por las catástrofes sociales y económicas en nuestra región.

Aquel avión del siniestro simbolizaba la precariedad de toda una nación, signada a través de los tiempos para sostener toda falta de conceptos éticos y morales, desde un sistema cargado de anacronismos en el cual las personas, víctimas directas del mismo, resultan ser daños colaterales, números dentro de una estadística fría y distante al desamparo.

Con un tino de excelencia el director pone de manifiesto en “Whisky Romeo Zulu” una compleja trama de complicidades entre la Fuerza Aérea Argentina y la compañía privada para dejar de lado y soslayar los controles básicos operacionales de vuelo y obtener mayor rentabilidad de los mismos.

Síguenos por FACEBOOK  e INSTAGRAM para más noticias, artículos, recomendaciones y reseñas sobre el séptimo arte.

Los problemas que se le presentan al comandante en pleno proceso de reestructuración personal se comienzan a convertir en irresolubles o hacer reglamentar la lógica de seguridad o subirse al carro demencial de lo “atado con alambre” (hecho tan tradicional en nuestra cultura).

Las escenas, algunas de ellas de carácter documental, forman parte de un conjunto de obscenidades sociales (presten suma atención al diálogo que mantiene el piloto con una psiquiatra, de antología…) que avasallan cualquier horizonte superador en materia de lógica empresarial y la responsabilidad que la misma conlleva.

Entre condimentos de apremios ilegales, suspenso y fragmentos reales y contundentes, el trabajo desarrolla una faz técnica acertada, metódica y medida acorde a las circunstancias. Uno de los aciertos del director es fotografiar mediante el manejo claro y original del cinematógrafo Ramiro Civita, el panel de control de un avión desde la parte trasera, mediante el conocimiento real de procedimientos y técnicas de aeronavegación del comandante.

Su parte actoral resulta atractiva y concluyente.

Mercedes Morán en el rol de una gerente que se debate entre la realidad de la desidia y su futuro profesional, Adolfo Yanelli cumpliendo el papel de un juez víctima de aprietes varios, y Sergio Boris, como un representante de la corruptela empresarial corporativa, en un trabajo interesante, cubriendo a un personaje hecho a su medida. Y Enrique Piñeyro como él mismo.

Con sus recuerdos plasmados en la pantalla, tal vez de modo sanador, ante la injusticia que tuvo que sobrellevar y que puso fin a su actividad aeronáutica en el sesgo privado, siendo eje principal de una película que quedará en el análisis y el recuerdo de épocas en las cuales el comienzo del fin como país comenzaba a suceder.

Probablemente disfrutes leer: Granizo – Reseña.

“Whisky Romeo Zulu”  (Enrique Piñeyro, 2005) es un trabajo atípico de nuestro cine. De villanos con el atenuante de intentar mostrarse como grandes seres. No se dan muchos casos en los que un protagonista privilegiado de una historia de tanta profundidad genere una película sobre el asunto, y lo realice con tanta justeza y pasión.

Whisky Romeo Zulu. Matrícula del avión en cuestión.

Marca estigmatizante del ejemplo de una nación en llamas.

En homenaje a las víctimas de la tragedia de LAPA.

Mira esta película en PRIME VIDEO.

Síguenos por FACEBOOK  e INSTAGRAM para más noticias, artículos, recomendaciones y reseñas sobre el séptimo arte. Ayúdanos compartiendo y considera donar en PATREON.

Si te gustó este artículo probablemente disfrutes leer: El Fotógrafo Y El Cartero (Documental) – Opinión. O también: Granizo – Reseña.

Hugo Bertone

Crítico cinematográfico especializado en Cine Argentino.

Blog Personal Facebook YouTube

La entrada Whisky Romeo Zulu – Reseña se publicó primero en CinReservas.

«John Rabe» (2009) es una película biográfica de drama bélico dirigida por Florian Gallenberger. Basada en los diarios bélicos de John Rabe.

Compra esta película en DVD o BLU RAY.

Cuando en ocasiones se tiene el horror de frente, es cuando el individuo despierta y observa dos opciones: Ser parte del horror o hacer lo que se pueda para negar el mismo.

Y aquel concepto de Hannah Arendt acerca de pensar que se banaliza el mal a través de individuos que actúan dentro de las reglas del sistema al que pertenecen sin reflexionar sobre sus actos, se pone de manifiesto la contracara, la antítesis hacia aquella idea dentro de una historia que resume y representa el compromiso humano hacia una causa social, dentro de un entorno dramático y límite, como lo es el de la guerra.

Y desde el rescate a través del cine de aquellos héroes perdidos, aquellos conceptos que delinean la raíz más humana, comprometida y real, se constituye una historia que engrandece la condición que poseemos como tal.

Lee los diarios de John Rabe AQUÍ.

Una historia perdida como tantas.

Nos sitúa en un argot de sensaciones y sentimientos, adentrándonos en un relato sumamente importante, dirigido y guionado por Florian Gallenberg, cineasta alemán ganador del premio Oscar al mejor cortometraje en 2001, y realizador de la controversial y dura “Colonia Dignidad” entre otros trabajo, quien aplica en su obra una sensibilidad diferente, marcando tiempos y momentos correctos a las crudas y sensibles imágenes que se suceden de modo torrencial mostrando el horror que una población debe afrontar mediante la arbitrariedad.

El relato narra la vida de John Rabe, hombre de negocios, alemán de nacimiento que tenía contactos con el gobierno nazi. Sin embargo, tras la invasión de China por los japoneses, libró de la muerte a más de 200.000 chinos durante la masacre de Nanking

Existe una referencia a la trascendencia de este momento histórico desgarrador, “Ciudad De Vida Y Muerte” dirigida por el chino Lu Chuan, relevante trabajo donde se aplica una somera y rápida referencia al alemán John Rabe.

Sin puntos de comparación con la obra del oriental, al explorar la trascendencia netamente cinematográfica de este trabajo desde un guion ajustado a mostrar la característica de sus criterios dentro de un rigor histórico que pasa a ser y resultar esquema básico del relato, la realización se suma indudablemente al archivo de imágenes y sonido necesario para poner de manifiesto y llevar a la luz todas estas desconocidas contingencias del devenir humano cuando pretende establecer poder absoluto hacia el más necesitado.

Esta no resulta una historia más de guerra, o producto que define la tristemente célebre masacre de Nankín. Cada película tiene en su virtud la forma en que es contada y por lo tanto, la manera que le llega al público. De esta manera, no es repetitiva, puesto que se sigue a John Rabe y su rol en la conformación de una zona de seguridad para los civiles, pero también al personaje desde la estrecha relación con sus empleados, hecho que lo configura como un Oskar Schindler en tierras milenarias de tradiciones arraigadas.

Síguenos por FACEBOOK  e INSTAGRAM para más noticias, artículos, recomendaciones y reseñas sobre el séptimo arte.

El trabajo de «John Rabe» (2009) mueve y conmueve.

Va de reflejo directo hacia el corazón, definiendo el rigor histórico de un modo profundo y visceral, desde los personajes que constituyen el trabajo hasta el desarrollo del “héroe” que a través de resultar una especie de antihéroe se configura como tal, sin quererlo ni necesitarlo.

La masacre de Nankín, entonces capital de la República de China, sucede tras su caída ante el Ejército Imperial Japonés en Diciembre de 1937. Durante la ocupación de Nankín, el ejército japonés cometió numerosas atrocidades, como la violación, el saqueo, el incendio y la ejecución de prisioneros de guerra y civiles.

Aunque las ejecuciones comenzaron con el pretexto de eliminar los soldados chinos disfrazados de civiles, se afirma que un gran número de hombres inocentes fueron intencionalmente identificados como combatientes enemigos y ejecutados. Un gran número de mujeres y niños también fueron asesinados, al ir extendiéndose las violaciones y los asesinatos.

El tándem técnico que genera su director en mechar imágenes reales fundiéndose con las del rodaje.

La contraluz de la desigualdad social y la matriz imperial y esclavista, van mezcladas inteligentemente desde la muestra de los matices emocionales y las diferentes dialécticas narrativas que se juntan en diversos grados de complejidad y en sus distintas secuencias.

De gran calidad técnica desde un correcto diseño de arte, vestuario y puesta en escena,banda de sonido acertada compuesta por la directora de cámara Annette Focks y la gigante dirección de fotografía a cargo de Jürgen Jürges, mediante su reparto elegido con puntillosidad y sabiduría se pone de manifiesto una obra por sobre todo honesta y sin concesiones de irregularidad alguna desde el importante elemento actoral.

El multifacético Daniel Brühl en el rol de un diplomático que comienza a comprender la vida misma desde otros ángulos. Valerie Dupres, como una docente de armas tomar, transcurriendo una situación de amor platónico. Y el siempre maravilloso Steve Buscemi como un abnegado médico, cuestionador de un sistema que no resultaba acorde con la dura realidad.

Probablemente disfrutes leer: El Informe Auschwitz – Opinión. 

Y John Rabe.

Un personaje metódico, abnegado hacia lo humano, director de una multinacional llamada Siemens, Nazi contradictorio, objetor de su propia conciencia, europeo, civilizado, colono en tierras extrañas, devoto servidor de los mandatos de su gobierno, hombre que va y destaca, sin ocultar sus defectos ni maximizar sus virtudes.

El primer actor alemán Ulrich Tukur, quien desde interpretar al admirado y conflictivo Rommel, pasando por un particular científico a través de la maravillosa “Amén” del gran Costa – Gavras, desarrolla el papel de su vida.

De naturales expresiones, su presencia impactante y su triste mirada, logra converger en la quintaesencia de todo aquello que el olvidado Rabe, había generado a personas que pugnaban por tan solo sobrevivir, siendo el antagónico exacto de la pompa Imperial.

Este trabajo nos servirá como carril directo de cuál es nuestra misiva en esta tierra, punto directo de análisis interno del rol que hoy más que nunca urge recuperar en tiempos de abstracción e individualismo puro, que nos recuerda que las actitudes humanitarias de aquellos que lucharon entonces y de verdad contra el antisemitismo, el racismo, la esclavitud y los genocidios no eran los progresistas «fashion» del siglo XXI sino gente con prejuicios conservadores, pero con una alta vara hacia erradicar la injusticia mediante el compromiso hacia el prójimo.

Lee los diarios de John Rabe AQUÍ.

Compra esta película en DVD o BLU RAY.

Síguenos por FACEBOOK  e INSTAGRAM para más noticias, artículos, recomendaciones y reseñas sobre el séptimo arte. Ayúdanos compartiendo y considera donar en PATREON.

Si te gustó este artículo probablemente disfrutes leer: El Informe Auschwitz – Opinión. O también: Minamata – Opinión.

Hugo Bertone

Crítico cinematográfico especializado en Cine Argentino.

Blog Personal Facebook YouTube

La entrada John Rabe – Opinión se publicó primero en CinReservas.

Alejandro Hartmann, joven realizador audiovisual, se encarga de dirigir “El Fotógrafo Y El Cartero: El Crimen De Cabezas» (The Photographer: Murder In Pinamar, 2022), siguiendo la línea de su anterior trabajo: “Carmel: ¿Quién Mató A María Marta?” (2020), cuidando la línea narrativa; armando el rompecabezas de piezas dispersas que contenía aquel difícil entramado político, judicial y farandulero de fines de los años 90.

Esto mediante una edición sumamente interesante y dinámica, con un concepto claro. Con la ayuda de los testimonios de aquellos actores sociales se conformó la trama misma del asesinato del fotógrafo (gran acierto la presencia del Dr. Alejandro Vecchi, abogado de la familia Cabezas, digno representante de todo aquello que resulta bueno en una ensuciada y conveniente justicia) y el relato concreto y certero del periodista Gabriel Michi; amigo y testigo de aquella calamidad inolvidable.

Síguenos por FACEBOOK e INSTAGRAM para más noticias, artículos, recomendaciones y reseñas sobre el séptimo arte.

Las crónicas policiales despiertan un interés muy particular en la opinión pública, mismas que transitan carriles disímiles, muchos de ellos ligados a la avidez popular de conocer datos, situaciones extremas, modos de efectuar los oscuros hechos que estas conllevan.

La situación de drama que una familia tuvo que transitar durante muchos años, atravesando la soledad que produce la partida de un ser amado rauda y misteriosamente.

Además de la concreción de un crimen de tintes mafiosos en pleno sistema democrático que conduce a comprender la historia del fotógrafo y periodista, no sólo como una historia más.

“El Fotógrafo Y El Cartero” encuentra en el crimen un entramado mafioso en el que los poderes políticos y económicos no parecen estar ajenos.

Los relatos son el eje estructural del trabajo que suceden sin aportar elementos nuevos, así como también el recuerdo mediante imágenes de aquel tiempo de “Pizza con Champagne”; farándula permanente, deuda y venta de empresas estatales de un gobierno inescrupuloso y destructivo; constituido por una sociedad más preocupada por mejorar su “estilo de vida” a cualquier precio.

Por observar con criterio el desguace que un grupo de mercenarios estaban realizando en nuestra patria. Y las referencias al fatídico “Menemato” son continuas, porque las mismas dieron paso a que bandas del sistema empresarial, con procederes extremos y sin escrúpulo alguno, se establezcan y posean el poder de decidir dentro de una estructura política e imperial.

Probablemente disfrutes leer: La Noche De Los Lápices – Opinión. 

El show mediático que un caudillo de turno brindaba, dio paso al horror. Diversas situaciones jamás vividas y que tuvimos que afrontar como sociedad; todo aquello que vemos en “El Fotógrafo Y El Cartero”, procede a ser algo así como un manual de interpelación, memoria latente del comienzo del fin de nuestro país como tal.

La imagen icónica e inolvidable de José Luis Cabezas transcurre en toda la obra. El proceso de trabajo fotográfico está directa e inteligentemente guiando el proceso histórico, abriendo una compuerta de acto reflexivo y concreto; la luz roja de la sala de revelado nos conduce al revelado de verdades, que fueron pagadas con sangre.

En la faz técnica, excelente resulta el trabajo de sonido y montaje, la lograda fotografía de Alejandra Martín y una banda sonora acorde y reflexiva constituida por un grande de las teclas como lo es Leo Sujatovich.

Probablemente disfrutes leer: Escena Del Crimen: Desaparición En El Hotel Cecil (Serie Documental) – Opinión.

Centralizar, mostrar con rostro y con hechos nada fortuitos al poder real saliendo de las sombras y la indignación popular, de observar como impávidos y silenciosos espectadores tanto circo de terror; resultan antagonismos severos dentro de un marco de sociedad que nadaba a la deriva dentro de un panorama de desocupación límite y despilfarro económico.

Y todos estos conceptos fueron los que aquel fotógrafo deseaba mostrar mediante su herramienta de trabajo. Por lo que este documental invita a recordar, a debatir y a poder entender un poco mejor de donde vienen tantos males contemporáneos.

Desde los administradores, quienes ejercen un poder temporal, o desde nosotros mismos, que permitimos tanta locura organizada. 106 minutos para volver a preguntarnos y buscar los por qué, para que nunca más la impunidad del poder posea injerencia explícita en la vida de cada uno de nosotros; para que asesinos purguen prisión efectiva y no sean liberados al poco tiempo de condena; para que seamos más humanos y menos egoístas y convenientes.

Al desenmascarar la trama del poderoso, José Luis Cabezas puso contra las cuerdas todo el andamiaje de manejo y perversión que posee el mismo, dejando casi sin querer un mensaje para todos nosotros.

Ayúdanos compartiendo el artículo y considera donar en PATREON.

En homenaje al inolvidable José Luis Cabezas, y en homenaje también a la memoria de María Soledad Morales, del soldado Carrasco; de todos los familiares y víctimas de AMIA y del cuartel de Río Tercero, Córdoba.

“El Fotógrafo Y El Cartero: El Crimen De Cabezas» (The Photographer: Murder In Pinamar, 2022) contiene todo aquello que, como en un túnel del tiempo, provenía nuevamente de tiempos oscuros, absolutistas y dictatoriales.

Puedes ver el tráiler, aquí:

Síguenos por FACEBOOK e INSTAGRAM para más noticias, artículos, recomendaciones y reseñas sobre el séptimo arte. Ayúdanos compartiendo y considera donar en PATREON.

Si te gustó este artículo probablemente disfrutes leer: La Noche De Los Lápices – Opinión. O también: Tesis Sobre Un Homicidio – Opinión.

Hugo Bertone

Crítico cinematográfico especializado en Cine Argentino.

Blog Personal Facebook YouTube

La entrada El Fotógrafo Y El Cartero (Documental) – Opinión se publicó primero en CinReservas.