Tres estudiantes de maestría deben huir de su ciudad tras un golpe de estado, buscando refugio al otro lado de una montaña. Durante su viaje, el amor y la amistad del grupo se pondrán a prueba mientras intentan sobrevivir.

La película explora temas de amistad, amor y supervivencia en un contexto de conflicto político.

Nadie dijo que sobrevivir a la naturaleza sería fácil, menos en medio de un conflicto bélico y social. Elías, Christie y Daniel, interpretados por Guillermo Guajardo, Mónica Gutiérrez y Juan Fernando Flores, son el trío al que acompañamos durante la mayor parte de la travesía. No conformes con las dificultades de cruzar una montaña en un trayecto peligroso con pocos suministros, además deben huir de Arturo (Gilbo Jiménez) un caza-recompensas enviado por su Vicejefe (Sergio Quiñones) para secuestrar a uno de los muchachos para extorsión.  Una capa adicional de emoción y peligro que disfrutaremos ver desarrollarse frente a la pantalla.

Gilbo Jiménez interpreta a uno de los más grandes villanos jamás vistos en el cine neoleonés,  convincente y amenazante es como Jiménez se desarrolla naturalmente frente a la cámara. Un papel digno de premiación.

Y no menos importante, Sergio Quiñones destaca por su interpretación dramática, precisa y calculadora; donde aunque breve, sabe comunicar lo que está en juego y nos aporta una mayor inmersión en la historia.  

El majestuoso trabajo de cámara por el cinefotógrafo regiomontano Juansa Avalos te mantendrá asombrado y entretenido durante toda la travesía de nuestros personajes por llegar a un mejor lugar.

Inspirada tras los conflictos globales posteriores a la pandemia de 2020, como lo son la guerra entre Rusia y Ucrania, o los bombardeos Israelíes sobre Gaza, la cinta imagina lo que sería un conflicto bélico-civil en casa, donde los afectados son tus familiares, pareja y amigos.

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“Asediados” (2025) es una película atrevida a explorar sus temas con sutileza y metáforas visuales.

Lucero Pasarán muestra un gran desarrollo autoral con su película. Aún joven y emergente, su cinta nos deja con la promesa de que sus próximos trabajos serán superiores, logrando cada vez más éxito y reconocimiento con audiencias e industria y posicionando su voz como un referente del cine nacional mexicano.

Con más de 10 premiaciones internacionales, decenas de menciones honoríficas e incontables corridas por festivales internacionales de cine incluyendo en Los Ángeles y Madrid, “Asediados” (Besieged) es una película mexicana que necesitas tener en el radar.

Funciones 2025 disponibles en la Cineteca Nuevo León. Para más información sobre cartelera y futuras actualizaciones, sigan la página de Instagram de @asediadospelicula.

Este es nuestro primer artículo en poco más de seis meses, seguro te estarás preguntando: ¿¡A dónde se fue CinReservas!?

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Pronto estaremos publicando un artículo más extenso acerca de los percances que nos hicieron desaparecer un tiempo de este espacio. Se les quiere y extraña a todos. Saludos a toda la comunidad cinéfila.

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La entrada Asediados (2025) – Película Mexicana | Crítica se publicó primero en CinReservas.

El leoncito Mufasa se separa de sus padres después de un terrible incidente en un río. El pequeño es adoptado por una familia de leones. Mufasa es arropado por el hijo, otro cachorro llamado Taka, y por la madre Eshe, pero no es aceptado en su totalidad por Obasi, el líder de la manda. El joven león tendrá que mostrar su valentía y habilidades para ser aceptado y posiblemente reencontrarse con su familia, quienes podrían estar en la tierra mitológica conocida como Milele.

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Lin Manuel Miranda és el compositor de las canciones de la película, igual que en la cinta previa “El Rey León” (2019).

La cualidad que más disfruté de la película fueron precisamente estas melodías, todas son increíblemente pegajosas y narrativamente mueven la historia adelante y nos encariñan a los personajes «nuevos».

La relación entre Mufasa y Taka es otra de las cosas que más funcionaron de esta película. La actuación de voz de Aaron Pierre es formidable, él está teniendo un año increíble. Recomiendo mucho “Rebel Ridge” (Clasificación B-15/PG-13, 2024) de Netflix en donde también nos muestra su rango actoral. 

Los primeros dos actos de “Mufasa”  fluyen muy bien, las dinámicas son muy interesantes y la dirección de Barry Jenkins es inmersiva. Una de las cosas que a mucha gente puede sorprenderle es que el director de obras como “Moonlight” (2016) e “If Beale Street Could Talk” (2018) dirija una película de Disney como esta.

Francamente, no tengo tanta familiaridad con la filmografía de Jenkins para destacar las cualidades similares entre una obra u otra. Lo primero que se me viene a la mente son los personajes femeninos fuertes que las dos películas anteriores y esta tienen. Y su interés por explorar las repercusiones de la influencia que nuestros antepasados tienen en nosotros.

Pero estilísticamente “Mufasa” si se siente como Barry Jenkins intentando apelar a las sensibilidades de un público más extenso al que normalmente apela. No tengo problema con directores expandiendo su paleta de colores, solo espero que, si continúa trabajando con grandes estudios, que sus habilidades que lo distinguen no se terminen extinguiendo. 

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“Mufasa: El Rey León” (2024) es una película vibrante, y como decía anteriormente muy inmersiva. Las imágenes bellas de la sabana africana, y las criaturas y colores que se encuentran en ella son el atractivo visual principal de la película. 

Creo que como película infantil cumple expandiendo un protagonista entrañable que añade a la mitología de la franquicia. No hay muchos personajes que podríamos considerar como nuevos en esta cinta, pero a los existentes que la protagonizan se les añade un peso aún mayor.

En donde queda debiendo es en el último acto. La película tiene todos los elementos necesarios en los lugares correctos para darnos un final muy emotivo y poderoso, pero lamentablemente la película opta por una pelea entre dos personajes que no tienen la dinámica más interesante, y por querer ligar su historia a la cinta anterior bastante de esa emoción es sacrificada por cohesión narrativa. 

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Este filme de producción Iraní-Turca-Canadiense dirigido por Amir Zargara se ha convertido en uno de los contendientes favoritos a la premiación número 97° de la academia en 2025. “A Good Day Will Come” podría convertirse en el próximo ganador del Oscar por Mejor Cortometraje Internacional.

La historia nos narra los hechos reales sucedidos al luchador profesional Navid Afkari quien fue sentenciado a muerte tras la inculpación falsa por homicidio en su natal Irán en el año 2020 a sus 27 años de edad. Con una carrera prometedora, Afkari perdió la vida a manos de la corrupción en su país. El cortometraje nos narra una crónica dramatizada de los sucesos a través del personaje de Arash (Sia Alipour).

Arash es un luchador profesional que sueña con representar a su país y ganar medallas de oro, pero su país se encuentra inmerso en la inestabilidad política, el pueblo de Irán protesta por el sufrimiento de sus ciudadanos. Arash debe decidir entre usar su plataforma profesional para alzar la voz en contra de la tiranía, o bajar la cabeza y permanecer en silencio contra las injusticias.

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La cinta está hablada en el idioma Farsi, pero se proyecta con subtítulos, lo cual tampoco hace falta pues su comunicación audiovisual es tan poderosa que el mensaje rompe las barreras culturales y lingüísticas.

Se nos muestra un poco sobre la cultura urbana y cotidiana de las calles en Irán, las relaciones familiares y profesionales, sobre todo las escenas de marchas protestantes contra la corrupción del gobierno de Irán. Todas estas, combinadas con una cinematografía fría y desoladora por el lente de Jelan Maxwell, acompañan la pesadez física y mental de Arash mientras su mente debate sobre qué hacer.

El filme es un drama bien desarrollado, aunque de momentos todo el ambiente se siente muy desolador. Incluso desde el mero principio del cortometraje, cuando aún ni sabemos cuál es la situación que tiene a todo el país tan gris (literal y metafóricamente).

La cinta hace un trabajo excelente en comunicarnos las problemáticas sociales y la pesadez interna de un pueblo que añora por justicia y dignidad, donde se pueda ser libre para actuar y expresarse. Del mismo modo la película refleja la necesidad de establecer cambios más significativos en la sociedad, especialmente la de los Iraníes, encapsulando sus luchas y la resiliencia de un pueblo que no se dejará vencer fácilmente.

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Con un ritmo lento pero eficaz en su comunicación audiovisual, “A Good Day Will Come” (2024) del director Amir Zargara parece ser uno de los contendientes más prometedores que veremos en las nominaciones al premio Oscar en 2025. Vale la pena echarle un ojo a esta joya en busca de mayor y bien merecido reconocimiento.

Realizada bajo el apoyo de los Consejos Para Las Artes de Canadá y Ontario. Visita el Sitio Web del cortometraje para conocer más sobre la cinta. Así como también puedes seguirles la pista por Instagram, IMDb y Letterboxd si deseas estar al tanto del corto.

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“Wicked” (2024) nos lleva al inicio por el camino amarillo que ellas pavimentaron: una historia de amistad, rivalidades, y un poco de drama adolescente elevado a proporciones míticas. Porque sí, esta es el precuela-secuela que convierte a Oz en el universo cinematográfico más fabuloso desde Barbie Land.

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Nacida con dones únicos, Elphaba está destinada a ser señalada como diferente. Su piel verde y sus insólitos poderes mágicos son solo algunas de las señales de que no es una bruja “normal”.

Esto la convierte en blanco de burlas crueles que la hacen vivir de manera solitaria. Pensando que a través de la magia podría cambiar su apariencia, ingresa a una destacada academia de magia donde conoce a Glinda, una bruja con quien desarrolla una ambivalente relación de amistad y rivalidad por obtener la atención de la directora de la institución, Madame Morrible (Michelle Yeoh, espectacular).

Emocionada por conseguir el favor del Mago de Oz (Jeff Goldblum), viaja a la ciudad esmeralda para que le conceda su deseo. Allí encontrará respuestas que la llevarán al extremo de definir si seguir suprimiendo su verdadero poder o desafiar la gravedad y tomar las riendas de su vida.

“Wicked: Parte Uno” (2024) nos lleva de regreso a la academia más chic de Oz, pero desde una perspectiva completamente nueva: los orígenes de Elphaba y Glinda, personajes que trascienden la simple dicotomía de la villana y la heroína para convertirse en figuras profundamente humanas. Dirigida por Jon M. Chu, esta primera entrega adapta el musical de Broadway de Stephen Schwartz con un enfoque fresco y cinematográfico, demostrando que las grandes historias pueden reinventarse para nuevas generaciones.

Ariana Grande es una revelación como Glinda. Su interpretación captura la esencia del personaje con un carisma chispeante y una impecable sincronía cómica, evocando a leyendas de las chick flicks como Reese Witherspoon y Rachel McAdams, pero con un giro que hace suya la interpretación.

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La combinación de comedia, teatro y musical la consagra como la favorita de «Wicked», aunque Cynthia Erivo como Elphaba aporta una fuerza vocal insuperable que da vida a los momentos más intensos de la película.

El diseño de vestuario y la puesta en escena son otro punto alto, especialmente los trajes de Glinda, que parecen sacados de un desfile de alta costura pero perfectamente ajustados al universo de Oz. Los números musicales te hacen tararear, con una calidad vocal y coreográfica dignas de un show de Broadway. Además, la moderación en el uso de efectos visuales y pantalla verde otorgan un equilibrio visual que evita sobrecargar al espectador.

A través de los ojos de Glinda y Elphaba, “Wicked” explora la improbable amistad entre estas dos mujeres mientras enfrentan un mundo que las define por roles predestinados: una como la bruja buena y otra como la malvada. La narrativa juega con temas de identidad, prejuicio y poder, mientras el diseño de producción nos transporta a un Oz que mezcla lo teatral con lo cinematográfico, con escenarios tan deslumbrantes como su elenco principal.

“Wicked” (2024) logra lo que pocas adaptaciones hacen: respetar su material original mientras lo reinventa con sensibilidad contemporánea. Aunque no está exenta de fallos, es un espectáculo visual y auditivo que solidifica su lugar como un clásico instantáneo del cine musical.

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Director, productor y guionista. Comunicólogo y Master of Arts en Dirección y Producción Cinematográfica de la Unión Europea. Ha colaborado como columnista y crítico para blogs independientes desde 2011. Creó el blog de crítica de cine Redactovision, publicado en Milenio. Ha formado parte del equipo de programación del ficmonterrey y se formó como profesor en la Academia de Cine y Comunicación de la Universidad de Monterrey. Recientemente fundó la casa productora Arrival Films para el desarrollo, producción y distribución de cine.

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Una historia sobre inmigración, centrada en Pedro (Raúl Briones), un hombre mexicano que trabaja como cocinero en un restaurante en Nueva York que sirve de todo y busca apelar a todos los gustos. La clase de establecimiento que antes de otorgar una experiencia de alta calidad busca satisfacer la demanda de los clientes. Dentro de la cocina de “The Kitchen”, existe una amplia variedad de personalidades provenientes de diferentes partes del mundo. De cierta manera, el cast de “La Cocina” engloba la pluralidad de las comunidades que habitan NYC, y Estados Unidos en general.  

Julia, una chica gringa interpretada por Rooney Mara, está teniendo un amorío con Pedro. El drama de la pareja gira alrededor de la decisión de abortar su embarazo actual, quien podría ser hijo del joven mexicano. Este embarazo representa no solo los deseos y sueños de nuestro personaje principal, pero también el futuro. Su futuro como hombre, como padre, como amantes, como persona, y como posible ciudadano legal de la nación en la que habita.

Pedro le promete a Julia amarla, y hasta le propone llevársela de regreso a México, pero también queda claro que una de las intenciones/deseos de Pedro es conseguir la ciudadanía estadounidense. Dentro de la cocina de «La Cocina» observamos el caos que va brotando poco a poco como el vapor de una tetera hirviendo agua. Un problema surge dentro del restaurante, 823 dólares han desaparecido de la caja del restaurante. Será labor de la administración del lugar localizar el dinero cuestionando a todo el staff uno por uno. 

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La sinopsis de «La Cocina» puede resultar abrumadora a primera instancia, pero las prioridades de esta película yacen más allá de la trama, y los embrollos que catalizan dichos eventos.

Lo que busca esta película es meterte dentro de la experiencia de trabajar en un sitio tan colorido como «The Kitchen». Lo abrumante de «La Cocina» verdaderamente radica en su forma. Planos secuencia duraderos que te transportan alrededor del restaurante completo. Intensos usos de efectos de sonido y diálogos qué crean una cacofonía de quejas, sonidos ambientales, griteríos, y chistes. El uso de la técnica llamada «step-printing» para ofrecer imágenes más expresionistas de una mujer inmigrante navegando dentro del caos expansivo de Nueva York solo para arribar al caos encapsulado de «The Kitchen». 

El estilo y la forma de la película es enérgico, pero la película también te da una experiencia similar al género llamado «hang-out movies» reminiscente a películas de Richard Linklater o Jim Jarmusch pero con la urgencia y explosividad de alguien como Martin Scorsese. 

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Alonso Ruizpalacios nos comparte muchas ideas en «La Cocina» sobre México, Estados Unidos, la sociedad, y a dónde vamos encaminados.

Es una chinga existir, no importa de dónde seas, de dónde vengas, ni dónde estés. El futuro es incierto en Estados Unidos, y ni se diga de los lugares de dónde provienen los inmigrantes. Esto te lo establece la cinta con personajes que no se sienten como estereotipos ni caricaturas. Claro, existen ciertas cualidades que pueden tener que podríamos interpretar como «a ese personaje lo he visto antes» pero yo creo que eso es un testamento a lo honesto, y apegado a la realidad de la obra.

A dónde sea que vayamos vamos a encontrar gente que se parece en actitudes a alguien de nuestro pasado. El cast de «La Cocina» provee la película toda una nueva paleta de colores, en una secuencia particularmente memorable observamos el rebane del staff. En esta cada quien usa las palabras aprendidas en el idioma de los otros para insultarse.

Los mexicanos hablan francés, los franceses hablan español, los gringos hablan árabe, etc. Una demostración muy amena de la mezcolanza cultural que es “La Cocina” un lugar dónde sirven comida americana, árabe, japonesa, de la India, etc. En dónde el dueño es árabe, el manager es un hombre blanco, el de RH es un latino gringo, el chef es francés, y el resto del staff también son de otras partes del mundo. Todos provenimos de otro lado.

Muchos podrían ver la película como una experiencia sobrecargada, pero yo argumentaría que ese es el punto. Somos muchos, ya no cabemos, venimos de otras partes con nuestras costumbres e idiomas, y es increíblemente difícil convivir y encontrar un lugar cuando vienes desde abajo.

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La historia de “Gladiador II” o “Gladiador 2” (2024) nos pone 16 años después del final de la obra original. En esta nos encontramos con Hanno, a quien luego se nos explica que es Lucius el hijo de Lucilla, la hija del ex-emperador Marco Aurelio.

Todos personajes antes visto en la primera cinta. Hanno es un hombre que lidera un ejército del territorio del norte de África, Numidia. El grupo militar se opone a las fuerzas romanas para que detengan su desenfrenada búsqueda por conquistar el planeta entero.

Después de una batalla aguerrida, Hanno es capturado por los romanos, y es convertido en gladiador. Hanno tendrá que ganarse la confianza de Macrino el hombre que lo compró. Ambos tienen sus agendas, Hanno busca venganza contra los que lo esclavizaron y destruyeron su ejército y asesinaron su amada, y Macrino busca usarlo para poder infiltrarse en los más altos rangos del senado romano.

Ridley Scott es un director con muchas películas icónicas, pero a quien mucha gente le ha perdido fe en los últimos años porque sus trabajos no han sido del agrado del público por completo.

La última vez que Ridley Scott hizo una película favorable en taquilla, en crítica, y en percepción de audiencia fue «Misión Rescate» (The Martian) en el 2015. A pesar de esto, es para mí claro que Scott a sus casi 87 años cuenta con un vigor, y una energía envidiable para cualquiera. Es uno de los pocos directores en el planeta capaz de entregar películas enormes, a una escala comparable a titanes del cine de estudio como Cecil B. DeMille, William Wyler, y David Lean. 

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Tengo que admitir que nunca he sido el fan más grande la «Gladiador» (2000).

Es una película que admiro y reconozco como clásico, pero no me parece infalible ni esencial dentro de la filmografía de Scott. Creo que ese desapego es lo que ha hecho que mi reacción a esta secuela sea mucho más favorable que la de la mayoría del público. «Gladiador II» ha sido una de las experiencias más divertidas que he tenido viendo cine comercial en todo el año. Scott y el guionista David Scarpa reconocen el poder que tuvo sobre las audiencias la primera cinta hace más de 20 años y no buscan reinventar la rueda con este esfuerzo.

Más bien, el interés de estos cineastas radica en crear melodrama alto y secuencias de batalla brutales. Es en las escenas de los coliseos en dónde «Gladiador II» más brilla. Los lugares extremos a los que llega sin lugar a dudas harán que la credulidad de las audiencias definitivamente sea puesta a prueba pero para mí esta teatralidad fársica, e inexactitud histórica son cualidades esenciales y continúan la tradición de este tipo de épica de Espadas y Sandalias como se le conoce al género. 

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Parte de la historia de esta secuela hace eco con lo que vino anteriormente, pero también se toma el tiempo para hacer espacio para temas y relaciones diferentes a la primera entrega.

La relación de Hanno (Lucius) con su madre Lucilla es muy emotiva. El personaje de Acacio interpretado por Pedro Pascal subvierte este arquetipo de personaje (líder militar) de una manera muy agradable. Los dos emperadores interpretados por Joseph Quinn, y Fred Hechinger cuentan con un rol en la trama muy diferente al del icónico Cómodo,  interpretado por Joaquin Phoenix en «Gladiador».

No es por hacer menos a los personajes y relaciones mencionados anteriormente, pero el personaje/actor más destacable de todos fue el maquiavélico Macrino interpretado por el legendario Denzel Washington.

Hay una chispa cada momento en el que Denzel exhibe sus habilidades en pantalla, hay una frase en inglés que dice «chewing the scenary» la cual se traduce a masticar el escenario y Denzel Washington lo mastica como si no hubiera mañana. Cabe destacar que aparte del arco de Lucius, el de Macrino es el más completo en toda la experiencia.

Estos detalles son los que hacen que la secuela se destaque por sus propios méritos en lugar de estar bajo la sombra del gran Máximo de Russell Crowe. Mescal es uno de los actores más emocionantes trabajando hoy en día y no se queda atrás brindando presencia a su Lucius, imponiendo respeto con cada batalla que pelea y con cada palabra que enuncia. 

La película a la que más me recuerda en lo personal es el éxito de taquilla de hace un par de años «Top Gun: Maverick» (2022) de Joseph Kosinski. Una secuela de legado que toma elementos de la historia de la original, pero que expande, añade, y en mi opinión triunfa haciendo un proyecto digno para acompañar el amado clásico por las multitudes. No es coincidencia que uno de los créditos por la historia pertenecen a Peter Craig guionista que también cuentan con crédito de historia en «Maverick».

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Ridley Scott estaba ansioso por regresar a la antigua Roma y no lo iba a hacer sin entregarnos una de sus mejores películas en años, “Gladiador II” (2024). Es raro ver películas de esta escala en nuestras pantallas. Y una experiencia que revitaliza si eres fan del melodrama, la sangre, y la intriga política.

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Bajo la dirección de Rigoberto Castañeda, conocido por el clásico contemporáneo de terror mexicano “KM31” (2006), la película «Turno Nocturno” de 2024 emociona mucho en su premisa, pero queda atrapada en una búsqueda de identidad dentro del género en la que se aleja de la esencia de su relato.

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La cinta aspira a ser una mezcla entre el horror estilizado de A24 y la crudeza comercial de Blumhouse, pero no se logra la cohesión de ninguna de las dos.

A ratos se siente como si James Wan intentara recrear una película de John Carpenter, sin ser verdaderamente ni una cosa ni la otra. Hay influencias claras de los clásicos slasher de los años 80 y del cine de posesiones que caracteriza a Wan, con jump scares efectivos y trucos visuales que recuerdan a “El Conjuro” (2013-). Sin embargo, estos momentos, aunque bien ejecutados, no marcan un antes y un después en la historia.

La ambientación tiene sus aciertos, especialmente en la atmósfera opresiva del Hospital Juárez, donde la recreación del icónico mural aporta un trasfondo cultural interesante. Pero esa misma ambición revela las costuras de los efectos prácticos y visuales, restándole credibilidad a la puesta en escena. El diseño de vestuario, por otro lado, destaca al mostrar una investigación estilística bien justificada, añadiendo cierta autenticidad al universo narrativo.

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El problema central de «Turno Nocturno» radica en su tratamiento temático.

Aunque se plantea explorar el oscuro sistema de salud mexicano, con énfasis en el abuso sexual hacia las enfermeras y la deshumanización que sufren, la película aborda estos temas de forma superficial y a veces problemática. Los personajes femeninos, en particular, quedan reducidos a arquetipos unidimensionales, perpetuando la idea de que son provocadoras de su propia desgracia. Esto no solo desmerece la profesión de enfermería, sino que también diluye cualquier mensaje feminista que la cinta intente proponer.

La protagonista, interpretada con un tono monótono, permanece al borde de las lágrimas durante toda la película, una decisión que limita la empatía hacia su personaje. Se siente la ausencia de un desarrollo más profundo sobre su origen y los traumas que enfrenta, especialmente en relación con su padre y su pasado borroso. Las revelaciones narrativas, aunque impactantes, están mal ubicadas en el flujo de la historia, perdiendo el peso emocional que podrían haber logrado.

Entre sus momentos más memorables, destaca la secuencia de la operación, donde el gore y lo sobrenatural se entrelazan en una escena incómodamente gráfica, muy bien lograda. Este instante logra generar una tensión genuina, pero carece de la trascendencia narrativa que James Wan usualmente otorga a sus momentos más impactantes, quedándose en puro shock value.

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Quizá lo más frustrante sea la falta de reglas internas en el universo de la película.

La mitología de La Planchada, aunque interesante, se siente desconectada de la congruencia del relato que la envuelve. Lo que podría haber sido una reflexión profunda sobre la leyenda como una advertencia moral dentro del sistema hospitalario, se diluye en un guion que no aprovecha el potencial de sus propias ideas.

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«Turno Nocturno» (2024) tiene escenas de terror bien logradas, una atmósfera inquietante y momentos de tensión efectiva.

Pero su ambición de imitar estilos internacionales en lugar de encontrar su propia voz, sumada a un enfoque pobre en temas tan delicados como el abuso, limita lo que pudo haber sido una propuesta fresca dentro del terror mexicano. En lugar de redefinir el género, se siente como un esbozo más de lo que podríamos llegar a lograr. Se siente cada vez más cerca.

«Turno Nocturno» de Sony Pictures estrena en cines el 5 de diciembre de 2024.

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Si te gustó este artículo seguro te gustará conocer: Rotting In The Sun: Una Rapsodia Cruda | Película 2023 – Crítica.

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Sergio Salazar

Director, productor y guionista. Comunicólogo y Master of Arts en Dirección y Producción Cinematográfica de la Unión Europea. Ha colaborado como columnista y crítico para blogs independientes desde 2011. Creó el blog de crítica de cine Redactovision, publicado en Milenio. Ha formado parte del equipo de programación del ficmonterrey y se formó como profesor en la Academia de Cine y Comunicación de la Universidad de Monterrey. Recientemente fundó la casa productora Arrival Films para el desarrollo, producción y distribución de cine.

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La entrada Turno Nocturno: Cada Vez Más Cerca | Película 2024 – Crítica se publicó primero en CinReservas.

“Rotting In The Sun” es una comedia negra y thriller dirigida por Sebastián Silva. Coescrita con Pedro Peirano, uno de los principales directores y guionistas de 31 Minutos fue estrenada el 22 de enero del 2023 en el Festival de Cine de Sundance. Actualmente se encuentra dentro del catálogo de Mubi.

Protagonizada por el mismo Sebastián Silva, junto a Jordan Firstman y Catalina Saavedra. La película sigue una versión distorsionada, caricaturesca y fuertemente dramatizada de los actores principales Jordan y Sebastián basándose en sus personas reales. Sebastián es un artista deprimido adicto a la ketamina que se encuentra contemplando el suicidio por veneno para perro. Jordan es un influencer enamorado de Sebastián que quiere forzarlo a escribir con él su nuevo reality show. Y Catalina interpreta a Vero, la señora de la limpieza que hace un pésimo trabajo mientras procura no perder su empleo.

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“Rotting In The Sun” es una película ambiciosa con una energía frenética que nos empapa de humor negro para tratar temas serios como la salud mental, la depresión, la homosexualidad y el abuso de drogas.

La película hace un trabajo magistral en mezclar géneros conforme se mantiene fiel a su estética consistente. La cinta es una Rapsodia cruda, que retrata la contemporaneidad zillennial (entre millennial y centennial) como pocas veces se ha visto tan acertadamente en el cine actual.  Incluyendo un retrato de la gentrificación y migración extranjera a la Ciudad de México, y cómo esta es percibida por los locales.

“Rotting In The Sun” está llena de referencias fílmicas que nutren su dominio narrativo y audiovisual. Desde alusiones al cine de los Hermanos Safdie, al cine de Alfred Hitchcock y a la crítica satírica de series como Bojack Horseman. Incluso a la comedia negra mexicana “Señora Influencer” (2023). Y al resto del catálogo de A24, productora y distribuidora que como muchos acordamos, es el nuevo estándar de calidad en el cine alternativo de nuestros tiempos.

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Mencioné anteriormente que la película es una Rapsodia, la describo así por su estructura narrativa.

Es una descripción curiosa porque más que para referirse a un adjetivo calificativo o categórico, la rapsodia es el nombre de un movimiento musical. El movimiento consiste en dos partes de la obra divididas en secciones, comúnmente divididas por la mitad. Una parte es dramática y lenta y otra más rápida y dinámica, consiguiendo así una composición de efecto brillante. Uno de los ejemplos más conocidos en la cultura pop siendo el de Bohemian Rhapsody del grupo de rock Queen.

Esto nos crea un paralelo interesante entre las estructuras argumentales literarias y cinematográficas a la progresión de una pieza musical, y sus distintas estructuras o movimientos. Se habla poco de la segunda parte de esta rapsodia cinematográfica, el thriller de la misma. Uno totalmente dominado por el personaje de la Señora Vero, interpretada brillantemente por la actriz Catalina Saavedra.

Habiendo visto la película a ciegas sin saber de qué trataba previamente, debo concordar en los motivos para no promover detalles de la segunda parte de esta película, así que no platicaré más sobre eso aquí. Creo que el elemento sorpresivo funciona mejor si uno se aclimata a la primera parte de la cinta antes de recibir un golpe de crudeza a medio filme para embarcarnos en una tangente totalmente diferente pero consecuencial a la película en sí.

Esa parte de la historia se las dejo de tarea; vean “Rotting In The Sun” (2023) en Mubi y les prometo que no se arrepentirán.

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Emiliano Caballero

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Esto es exactamente “Sin Códigos” (Verbrannte Erde, 2024) película Alemana escrita y dirigida por Thomas Arslan; un entramado de sucesos que componen de forma lineal un relato básico y comprensible. No hay dobles sentidos, ni contextos que incidan en lo que pasa. Simplemente unos delincuentes muy profesionales son contratados para robar un cuadro y así lo hacen.

Con efectividad y sin producir ningún daño, ni humano, ni material. Lo han planificado lo justo y necesario, ya están muy aceptados sus movimientos y no desconfían entre ellos. La conductora es una piloto de pruebas, el que interfiere las alarmas es (como casi siempre) asiático y los que robaran son dos tipos rudos, pero tan cautos como perfeccionistas.

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Así sucede todo, en un ambiente de tensión constante. Casi no hay diálogos, solo los suficientes y cuando se suceden, refieren a lo básico entre las partes. Las actitudes corporales son rígidas, como si quisieran ejemplificar un estereotipo del delincuente efectivo, concentrado y casi perfecto.

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El trato se realiza por partes: en una oficina muy iluminada y en un depósito muy oscuro. Todo parece un trámite, pero es un mundo donde la palabra a veces es solo una teatralización de lo que se piensa. El film mantiene una dinámica que está construida magistralmente. La cámara y las actuaciones sincronizan una pintura visual. Los silencios y la oscuridad de la noche son el andamiaje por donde rueda la historia. La dirección de cámara es perfecta, sin exagerar nada, logra todo. Estamos pendientes y desconfiamos de todo lo que vemos.

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Las imágenes son cuidadas artísticamente, tienen el color y el ritmo adecuado. Todo se acopla en un rompecabezas exacto para dar cuenta de un género cinematográfico que encuentra aquí su ADN perfecto.

“Sin Códigos” (Verbrannte Erde, 2024) podría convertirse en una película de culto, es un paso a paso de lo que es el cine. Tiene la dosis mínima de acción para ejecutar el desarrollo secuencial de la historia. Los actores están bien acoplados a la maquinaria del film. Nadie muestra algo de humanidad, están 24 horas comprometidos con su profesión de delincuentes, salvo la escena en un bar, donde dos de ellos sonríen y hacen referencias a sus vidas después del delito. Está contada mayormente en imágenes y secuencias que rinden sus frutos.

Es casi indispensable degustar esta película donde lo predecible de ninguna manera nos relaja. Su director es responsable de que no podamos dejar de verla en un silencio cómplice con el de sus protagonistas. 

“Sin Códigos” (Verbrannte Erde, 2024) es una película alemana escrita y dirigida por Thomas Arslan. Protagonizada por Mišel Matičević, Marie Leuenberger, Alexander Fehling, Tim Seyfi y Marie-Lou Sellem.

Con sus 101 minutos de duración, tuvo su estreno en el Festival de Cine de Berlín, donde fue nominada al Premio de la Audiencia; así como en el Festival de Cine Alemán en Buenos Aires, Argentina.

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Pablo Kulcar

Soy periodista mayormente de radio. Pienso a la profesión como una manera de estimular el pensamiento crítico del que escucha, lee o mira. El cine es un placer que nos permite disfrutar de vidas y momentos en los que siempre hay algo nuestro reflejado. Trabajé en radios comerciales, cooperativas y universitarias. Poder describir con palabras lo que una película me hace pensar y sentir, es mi intención y mayor meta para con el lector.

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En la película “El Tiempo Que Tenemos” (We Live In Time, 2024) podemos apreciar cómo un romance surge de la consciencia de lo importante que es avanzar hacia un camino deseado sabiendo que la vida nos apresura.

Esta película de romance trágico nos narra la historia de amor entre Tobias (Andrew Garfield), un informático dentro de una reconocida empresa que estaba en su proceso de divorcio, que por diversas situaciones del destino fue atropellado por Almut (Florence Pugh), una mujer exitosa en el mundo culinario que posee su propio restaurante. Tobias al ir conociendo a Almut se da cuenta que es la mujer con la que desea realizar su vida y juntos toman la decisión de empezar a hacer su propio camino como pareja.

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En “El Tiempo Que Tenemos” tenemos constantes saltos narrativos en la historia.

Es decir, la película no sigue una línea de tiempo continua, al inicio es demasiado conflictivo para uno como espectador poder distinguir qué lado de la historia estamos visualizando, si el presente o el pasado. Por lo que deja un cierto sentimiento de incomodidad. Pero claro, estos saltos temporales son necesarios para entender el por qué de la toma de decisiones de cada uno de los personajes y el seguimiento de la historia.

Agregado a esto, lo más hermoso de ver en esta película es que es una obra majestuosa en muchos aspectos. La actuación de ambos protagonistas está demasiado potencializada, y se entienden las razones por las que tanto Florence como Andrew han sido candidatos a la gran estatuilla del séptimo arte.

Otro punto es el manejo tan bello de la estética y fotografía de la película. visualmente se siente que estás apreciando un poema. Los paisajes, el uso tan espléndido de la luz en los momentos de tensión y conflicto, son detalles que posiblemente pasen desapercibidos pero que se agradecen que estén ahí para las personas que les apasione analizar este tipo de cosas.

Además, la historia trata temas sobre cosas tan profundas como lo es tomar decisiones antes de que la vida empiece a tomar rumbos que no se desean. Ideas como el estar conscientes de lo que se trata el vivir y las razones por las que queremos marcar en nuestros seres queridos y trascender en la vida con algo que nos gustaría ser recordados.

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Fun Fact:

Hay 3 personas involucradas con el Universo Cinematográfico de Marvel en la realización de esta película: Los protagonistas: Andrew Garfield como Peter Parker. Florence Pugh como Yelena Belova. Junto a Benedict Cumberbatch como Dr. Strange. Este último participó como productor ejecutivo de la película.

“El Tiempo Que Tenemos” (We Live In Time) llegó a las salas de cine el 31 de octubre de 2024. Cuenta con la Garantía Cinépolis. ¡No te la puedes perder!

Crítica escrita por Atenas Hernández.

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