“Firma Aquí” (2024) es una película mexicana de comedia, romance y ciencia ficción. Tuvo su estreno el 9 de mayo de 2024 en salas de cine.

Por allá del lejano 2019, antes de aquella pandemia monótona y desastrosa, recuerdo haber leído, en la página de la Gaceta UNAM, un artículo de la pluma del maestro Óscar Clavellina sobre el amor líquido, focalizado a los objetos y la objetivización de las personas en la era del internet, la hiperconectividad y los encuentros fugaces.

El académico de la UNAM decía que Zygmunt Bauman, autor de la teoría líquida, hablaba de un amor caracterizado por la fragilidad los vínculos que en torno a él se forjan, de la postmodernidad como contexto de estas relaciones, de relacionarse y desechar y volver a la corriente para encontrar otra persona y así, seguir hasta el fin de los tiempos.

El artículo continúa hablando, apasionadamente, sobre otros temas objetales. Pero recuerdo haberme detenido durante un buen rato en la idea de la liquidez, de la necesidad constante de buscar a alguien más que “satisfaga” un deseo necio, pueril, vacío. Hace un par de días experimenté, en la sala oscura, esa misma sensación reflexiva sobre lo que el amor puede, quiere y debe ser mientras observaba “Firma Aquí” (2024).

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El filme va de un futuro no muy lejano en el que se ha demostrado, científicamente, que el amor dura, en promedio, cuatro años, por lo que el sistema 4EVER ha monopolizado el mercado buscando regular la vida sentimental de todas las personas.

Fran (Regina Blandón) está en pausa, un periodo entre contratos para establecer conexión con uno mismo y regresar al centro de las cosas. Se prepara para el gran día y parece que las cosas funcionarán mejor que con su último vínculo mediocre, hasta que conoce, a través de un grupo de personajes, un método para que las características de su nueva pareja sean elegidas al azar.

Así, conoce a Roque (Leonardo Ortizgris), con quien vivirá todos los dilemas de la trama de esta película. Primeramente hay que resaltar la arquitectura seleccionada para esta ocasión, resalta la cantera, los colores grises, lo minimalista, las estructuras sobrias, con algunos toques del brutalismo mexicano de los años setenta y ochenta, sin dejar pasar la intensidad de esta historia, que goza de un ritmo bastante amable para el espectador.

No me parece que logre tener un arrebato pasional histriónico realmente interesante, tal vez la secuencia de la decadencia de Blandón hacia el final de la cinta podría acercarse a eso, pero sí hay bastante solidez en los personajes como para mantenerlos a flote durante los 100 minutos de la película.

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“Firma Aquí” (2024) pertenece a la camada de estas piedras que funcionan como cimiento de las nuevas propuestas del cine comercial mexicano, que tienen grandes toques y despliegues de creatividad pero aún no llegan a desarrollar la mayor parte de su potencial.

En este filme vi mayor estructura narrativa. Un deseo por contar y criticar lo ridículo que suena el amor de hoy, lleno de tapujos y momentos innecesariamente acartonados. Es una historia que cae linda a la retina, que sí termina de cuajar y que sí tiene algo que contar sobre la fragilidad de las relaciones humanas. La indecisión, la intolerancia, la cotidianidad, los personajes encuentran cerillos durante el filme para encender la hoguera de la inconformidad al final del romance distópico.

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Increíblemente, me gusta que esta nueva generación de películas sea mucho más consciente del poder ideológico que tienen sobre una buena parte de la población mexicana y que sepan llevar temas de interés general a puertos nuevos.

Al menos en las narrativas cinematográficas comerciales actuales, más frescos en su forma de entender las cosas y controversiales, tanto, que disparen conversaciones al salir de la función.

Es interesante que se haya incluido la presencia de la asistente de voz Saskia, como un recurso cómico y la presencia constante de un sistema que no deja descansar a sus usuarios y que no les permite apartarse de los sueños bobalicones sobre la máxima del amor fugaz. Saskia es un recordatorio del algoritmo vigilante y acosador, de la información acumulada sobre quiénes somos y en quiénes nos queremos convertir, es un indicio de la buena actitud frente a las elecciones “libres” hechas dentro de las normas impuestas en el totalitarismo digital.

Fran y Roque presentan personalidades que crean la suficiente cantidad de química como para dejar al espectador reflexionando acerca de las aplicaciones de citas y la falta de brazos humanos que tiendan ayuda a los afligidos por estos amores sin destino ni corazón, sin el involucramiento de ningún ápice de sensibilidad. Hay un deseo persistente de despertar la curiosidad para encontrar la gravedad real de la situación de los derechohabientes de 4EVER.

Me quedó a deber pistas y piezas musicales más potentes y pegajosas, algo más psicodélico o rockero alternativo de alguna banda emergente o clásica del repertorio mexa. Algo que hiciera estremecer a la audiencia porque yo no recuerdo ni una sola de las piezas aún cuando sí transmitían fragmentos de sentimientos y emociones. A pesar de esto, el filme sí se defiende como un avance de calidad y un producto, por sí solo, sugestivo.

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“Firma Aquí” es mucho más que buenas intenciones, es un largometraje de buenas implementaciones y muchos puntos para el saldo a favor.

Recomiendo, de preferencia, experimentar los efectos de este filme en pareja, pues uno se la puede pasar risa y risa con las cosas de sencilla identificación que conforman la idea de una relación amorosa en el país, es algo de naturalidad y buen ojo para adaptar conversaciones “reales” a un entorno fílmico y de narrativa cinematográfica.

Hay mucho de amor líquido en esta película, mucho de experimentar cómo se siente estar solo aún cuando el número social dice que hay alguien a tu lado, pero que jamás logrará comprenderte y abrazar tus diferencias. Una oportunidad para desarrollar pensamientos más serios sobre el amor mismo, es lo que representa “Firma Aquí”, una especie de carrera frente a la vorágine del scroll y la despersonalización.

Será interesante encontrar generaciones distintas en medio de este choque sobre el futuro tremendamente posible del fenómeno antiquísimo del enamoramiento. Que la cámara oscura sea gentil con ustedes, queridos cinéfagos.

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Cesar Gabriel Cardenas Larios

Cinéfilo empedernido de 20 años, estudiante de periodismo, lector por religión y cuentista en progreso.

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Se convirtieron en grandes estrellas del género de la síncopa (según la RAE, el enlace de dos sonidos iguales, con la distinción de que uno es débil y el otro fuerte). Después de ver “La Madre Del Blues” (Ma Rainey’s Black Bottom, 2020), ya no se puede hablar de estos mundos donde habitan las trompetas, los pianos y las voces que desgarran el delicado velo del amor, sin mencionar a la gran señora, a la ruda e intransigente Gertrude Malissa Nix Pridgett Rainey.

Mejor conocida como Ma Rainey, una dama cautivadora que volvió a la vida en la piel de la ganadora del premio Oscar, Viola Davis.

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En “La Madre Del Blues” podemos seguir la rutina habitual, para grabar algunas canciones, que tenían Ma Rainey y sus músicos. Entreverada con 3 grandes tópicos que nos llenan la mente con varias reflexiones interesantes.

Uno de estos temas base es, evidentemente, la discriminación hacia la comunidad afroamericana, reflejada en esa actitud áspera que la protagonista utiliza como defensa ante estas expresiones racistas, al igual que los géneros musicales a los que recurre para afrontar la falta de visibilización de toda una comunidad en el mercado yanqui de entretenimiento.

Si se investiga un poco la vida y obra de esta mujer, podemos encontrar datos interesantes sobre la pertenencia de Ma Rainey (Viola Davis) a la comunidad LGBTTIQ+ de su época, cosa que ya es un hito en sí mismo, considerando que hablamos de los últimos años del siglo XIX y los primeros del XX.

Auxiliaba bailarines y coristas, miembros de esta colectividad que eran vejados por una gran parte de la población estadounidense intolerante y absurda (rechazo y odio que aún persiste en el país de “las libertades y la democracia”).

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Y entre todas estas injusticias sociales, nos enfrentamos al último punto de esta trimurti de tópicos medulares: Dios.

El espiritualismo se hace presente en los diálogos entre Levee (Chadwick Boseman, QEPD) Toledo (Glynn Turman) y Cutler (Colman Domingo), sobre la pérdida de la esperanza de un sector poblacional marginado; estas conversaciones viajan entre el escepticismo, el orgullo, la cara azarosa de la vida, el conservadurismo, la ambición y el amor.

Son charlas constantes entre la madurez y la inexperiencia, entre la inocencia y el realismo, discursos que le reclaman al Dios de los blancos por permitir tanto dolor; intervenciones que blasfeman y retan ya no solo a Dios, sino a los otros, a los ciudadanos de primera categoría (ante los ojos de la opinión pública).

En algún momento las demandas viran e impactan directamente en la conciencia de una sociedad indolente, inmutable, desinteresada y, sobre todo, cruel, que continúa actuando en nuestros días bajo estos preceptos de superioridad, encapsulados en casos mediáticos como el de George Floyd en 2020, que desató una oleada de levantamientos en pro de la dignidad y el respeto a todas las formas de vida, cuestionable, en un país de racismos ambivalentes, que pueden estallar tanto en una conversación “inocente” como en las detenciones policiacas violentísimas.

La música y la ambientación de “La Madre Del Blues” (Ma Rainey’s Black Bottom, 2020) resultan en una película de cierta chispa interesante (teatral, claro está) que me parece, más bien, necesaria para aperturar conversaciones controversiales que intentan sacar la podredumbre de un tejido social norteamericano, que ha pecado de hipócrita en innumerables ocasiones.

Llévate el Soundtrack original de la película AQUÍ.

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Cesar Gabriel Cardenas Larios

Cinéfilo empedernido de 20 años, estudiante de periodismo, lector por religión y cuentista en progreso.

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“La Plegaria Del Vidente” (2012) es un thriller de Gonzalo Calzada. Trepidante ante las pupilas, de esta manera: infestada de llamas, colmada de llanto y sollozos. Elementos que nos permiten observar la evolución que este filme representa para el cine policíaco en latinoamérica.

Una triada de personalidades un tanto estereotípicas se encargan de tratar de resolver una serie de asesinatos perpetrados por el afamado criminal apodado por la prensa como «El loco de la ruta».

Este personaje se encuentra inspirado en un asesino real que azotó al gremio de prostitutas de Mar del Plata, Argentina, entre 1996 y 1999.

Mira esta película en PRIME VIDEO.

En el apartado de personajes encontramos a: un periodista desgarbado y rebelde, comprometido con la verdad hasta la médula. Un comisario de policía que está materializado con maestría en la piel de Gustavo Garzón, pero que cae, a ratos, en la obviedad con su tormentoso pasado.

Su alcoholismo clásico de detective con la cantimplora en la chaqueta y un vidente acomplejado, con señas de oráculo griego, nos acopla al apartado sobrenatural. Este queda ciego tras arrancarse él mismo los ojos, por temor a sus visiones sobre el futuro.

“La Plegaria Del Vidente” es valiosa por su capacidad osada de mostrarnos la medida adecuada de violencia. Mezclada con la burocracia latina y la ligereza de las autoridades ante la muerte de las integrantes de un sector poblacional tan olvidado como estigmatizado.

Así como es valiente y propositivo, el largometraje también se impone crítico ante los gobiernos sudamericanos (que, atascados de conductas viles, se encuentran personificados en “El Alemán”, un tirano burócrata). Ante la poca movilidad de los mandatarios y su interés en la politiquería antes que en la justicia o la seguridad de su pueblo.

Estamos frente a una película que es consciente y que tiene un excelente motivo para hablar de la podredumbre en el poder: las fechas de elecciones, momentos convulsos para cualquier nación.

Es un metraje teñido de referencias a la plegaria de Santa Teresa de Jesús. Sumergido en un ambiente asfixiante de tratos turbios y rebosante de acoso periodístico de parte de las autoridades que crea un ambiente bélico entre la policía, que prefiere generar “perfiles de sospechosos” para atrapar a cualquier ladrón de medio pelo.

Y los periodistas, que están entre el amarillismo y las políticas anti alarmistas de secrecía que llevan las instituciones públicas.

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Es imperativo recalcar que los comunicadores temen por sus vidas y prefieren no “ensuciarse las manos” con temas escabrosos. Lo anterior podemos notarlo en el momento en el que el periodista decide tomar una buena foto en vez de auxiliar a una mujer que está siendo violentada por un bravucón.

Esta existencia se asemeja al fuego. Ese fenómeno que todo lo consume y que deja al comisario Bilbao tan mal parado en los minutos finales. El culmen de Bilbao es lo que me orilla a pensar esta película como una bomba. Como un baile entre la justicia y el bien común con una estructura decente que termina burlándose de sus propios clichés.

La película me sorprendió como escalón fílmico argentino. Con todas sus muertes por la justicia, los nombres y las reputaciones manchadas, el carácter azaroso de la vida y los “inventos para los débiles”.

Me ayuda a terminar este texto sobre “La Plegaria Del Vidente” con mi diálogo predilecto: “Por más que se tape la mierda, el olor siempre llega”.

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Cesar Gabriel Cardenas Larios

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La elegancia de Hondros entre las lluvias de balas, los relatos maternos de la Segunda Guerra Mundial, las gabardinas, el juego preambular en la universidad, la falta de manuales para asistir a coberturas de guerra y los pasos arriesgados son perfectos para esta fina mezcla bélica.

Disparos, pantalla negra. Voces, tumulto, órdenes inentendibles, pasos precipitados y la primera secuencia inicia su camino. Después de situarnos entre pieles negras y cuernos de chivo, nos presentan a la superestrella informativa y mesiánica de principios del siglo XXI: Chris Hondros, fotoperiodista intrépido y amigo sonriente.

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En poco más de 90 minutos, este bravo documental nos sumerge entre las vivencias de un kamikaze del periodismo gráfico que dio hasta la última gota de sudor por cubrir conflictos armados en diferentes partes del globo terráqueo.

Ante estos testimonios uno puede sentirse brevemente empalagado y hastiado por las muestras de romance heroico yanqui; recomiendo resistir las primeras acepciones impolutas sobre Hondros para desentrañar los artilugios del mago moderno de la lente.

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Es posible verlo cruzar los desiertos del Medio Oriente y sobreponerse a sus condiciones adversas, sin doblegar sus ansias por encontrar la veracidad que le hacían tomar decisiones absolutamente compulsivas que iban en contra de la máxima de su madre, que rezaba: “ninguna foto vale tu vida”. 

Rebeldía, sagacidad, cercanía, pertenencia y apego son algunas de las herramientas presentadas dentro del arsenal de este periodista. Es interesante observar, en acción, su carisma apabullante y las muestras de solidaridad hacia los sujetos de sus imágenes.

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Hay cierta atracción personal y particular hacia la fotografía de un guerrillero que sonríe a la cámara tras haber asestado un proyectil ejemplar en territorio enemigo.

Este hombre recibe ayuda de Hondros (igual que un niño llevado a la orfandad por la milicia estadounidense) y asimila la ley contraria de lo que siempre se dice en las cátedras periodísticas: informar sin involucrar ni un pelo de la sesera.

El protagonista de “Hondros” es la humanización de la cámara mecánica, la representación atómica del enfrentamiento en contra de los miedos profesionales e incluso infantiles.

Hay que acercarse, entendido desde la experiencia de este, hay que vivir la proximidad de un desajuste social para impactar las pupilas de los occidentales externos a todo lo que no suceda en su limitado patio de acciones vulgares.

Dentro de “Hondros” (2017) existe mucha intención pedagógica, pues parece que advierten, que todo aquello que el protagonista realizó en vida es parte de un cúmulo de proezas inauditas para cualquier mortal que intente internarse en las ciénagas periodísticas.

“Empiezas a ver de lo que está hecha la gente” vocifera el documental, y es que gran parte de su discurso va de analizar el material almático y anímico de un hombre adicto al sonido de los disparos de metralleta.

Todo en su trabajo fluía en torno a la gente y al impacto que era posible ver en ella tras un shock emocional de alto calibre. Hondros también es un apóstol bíblico que deja todos sus cachivaches mundanos para lanzarse a los brazos de la guerra indómita. No había necesidad de maletas, objetivos, planeaciones, sólo una convicción férrea y alguna dosis simplona de arrogancia periodística.

Él estaba donde todo mundo sabía que la historia se iba a desarrollar y de donde la gente escapaba sin reparo. Iba demasiado lejos en la búsqueda quijotesca del ideal, de la luminaria fotográfica inmedible e inalcanzable. Un trotamundos solitario, resignado a escuchar, hasta el fin de sus tiempos, el click de la cámara.

Una pieza cinematográfica intensa e interesante, este documental disponible en Netflix, que le podrá ofrecer mucho material reflexivo a más de un estudiante de periodismo que a él acuda; lecciones para el bloc de notas existencial.

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Cesar Gabriel Cardenas Larios

Cinéfilo empedernido de 20 años, estudiante de periodismo, lector por religión y cuentista en progreso.

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No podría ser de otra forma pues la escenografía, las paredes de ese hogar (blancas, rojas, en remodelación, agrietadas o en cualquiera de sus presentaciones), son la delimitación perfecta para las historias de “Ciudad De Ciegos” (1991) dirigida por Alberto Cortés.

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Plano a detalle de un par de pies, arrasando con el polvo de la acera, entaconados, altivos, elegantes.

Acoso callejero, discreta persecución policiaca, guantes, conjunto negro con falda y saco, collar de perlas, sonidos de avenida y unos labios rojos. La mujer misteriosa (Gabriela Roel) tiene la adrenalina en la mirada, sabe que le siguen. Por ello, con el deseo movido por la clandestinidad, se mete al apartamento, plena de confianza y abre el paréntesis de la destrucción.

Cine coral, cinéfagos, en este caso, alrededor del ya mencionado fragmento de terreno, en las alturas, donde el rock mexa no falta y el recurso de foco selectivo es primordial para forjar entramados entre personajes moralmente cuestionables, como deberían serlo, siempre, al menos en el caso del cine. Una maravillosa cronología, sin fechas obvias, atestada de indicios televisivos.

Huelgas ferrocarrileras, huellas socialistas (importante resaltar la secuencia de cama, en el relato primigenio, con todos sus elementos a escala de grises, incluida una bandera con la hoz y el martillo, a excepción de la piel de los apasionados protagonistas y los flamantes labios rojos.) cuadros guadalupanos, terremotos citadinos; elementos de una problemática crónica arquitectónica.

Los cortes son sutiles, nos perdemos entre las ventanas, los amaneceres, el cierre de las puertas, los truenos; no existen los separadores agresivos, al contrario, reina el sentido común en pro de la continuidad. De guarida insurrecta a medio adecuar, pasamos a casa conservadora con la luz a todo lo que da, solo para cederle el lugar a amantes desenfrenados que rondan las tinieblas y la secrecía.

Hay erotismo en todas las historias:

Reflejado en las secuencias con lencería y cambios de vestuario frente al espejo, en los retoques de maquillaje, en la amante que pinta los labios del esposo infiel mientras reposa los muslos en sus piernas, en la caída natural de los pechos cuando son despojados de los sostenes y, claro, en las coreografías amatorias de recámara.

Elipsis que perduran en un lugar abarrotado de sueños, dolencias y frustraciones. El culmen de cada anécdota se encuentra ataviado con antifaces de sexualidad femenina, de cruel rompimiento de pactos maritales, corazones solitarios, bañeras suicidas y radios/tocadiscos fermentados en sus transistores con The Beatles, Santa Sabina, la voz de Saúl Hernández y los dedos legendarios de Sax.

Agustín Lara en la televisión, palomas de la paz en tiempos de guerra campal estudiantil (que son parte de los síntomas estructurales del cáncer político), infancias que duelen anidadas entre abusos y despertares ilícitos, desnudez, sexualidad malentendida llevada a la práctica interrumpida.

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En fin, los detalles son inabarcables porque “Ciudad De Ciegos” (1991) de Alberto Cortés tiene la gracia de una garza.

La gracia le ayuda al filme a descender siempre a terrenos histriónicos, como aquel monólogo de la amante despechada que prefiere su dualidad incomprendida (del ruego entre llanto al levantamiento enervado) antes que vivir inexpresiva o la melancolía impresa en muchas de las protagonistas, que auxilian a que las historias compaginen siempre con el carácter orgánico del cotidiano surrealismo mexicano.

Los personajes se observan una decena de veces en el espejo, pero se retiran, cegados, ante la presencia de sus propias zonas indecentes, que salen en los peores momentos, socavando todo manto exterior impoluto. Temen/tememos a la profundidad y lo que esta puede desenterrar, pero siempre estamos acompañados de aquellos reflejos en el espejo, de otros tantos que han experimentados los mismos terrores incontenibles.

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No hay que perder “Ciudad De Ciegos” (1991), cinéfagos.

Con la participación silenciosa de José Agustín tras bambalinas. Y la aparición de noveles Roberto Sosa, Luis Felipe Tovar, Silvia Mariscal, Blanca Guerra, Arcelia Ramírez y Zaide Silva. Entre otros, que arman un maravilloso cuadro de finura a voces, perfilado a hablar desde la crudeza por la necesidad infame de contar un legado trágico.

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Temas que desbordan de los minutos de “Ratcatcher” (1999), ópera prima de la directora Lynne Ramsay.

La trama encapsula una huelga setentera de nueve semanas de parte del sindicato de trabajadores de limpieza. Misma que ocasiona el deterioro de un barrio empobrecido en Glasgow, Escocia, que se enfrenta a una plaga de ratas, reinas de la inmundicia.

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El comienzo ya es impactante gracias a Ryan Quinn (Thomas McTaggart), un pequeño niño que pierde la vida entre las aguas negras de un canal cercano a las viviendas. Con este accidente primigenio, se revela un caso de infancias solitarias, bajo profundos riesgos, que viven entre “los problemas de adultos”.

La propia muerte de Ryan es una reformulación, pues le cede el protagónico a James Gillespie (William Eadie), hijo de un padre alcohólico que primero golpea a su esposa y después baila con ella hasta el cansancio.

Con este planteamiento neblinoso (característica de la filmografía de Ramsay) que cambia de testimonio y voz principal, la película se desarrolla entre despertares sexuales tempranos e incorrectamente llevados, crueldad infantil e inconsciencia.

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El largometraje entero de “Ratcatcher” se asimila a la pintura de falso azul cielo: grisáceo, nublado.

Todo el tiempo se hace hincapié en la presencia de los roedores que envilecen el panorama. Además, estos tonos van acordes al sentir de James qué, al estar presente en el ahogamiento del pequeño Ryan, se siente extremadamente culpable por ello.

Pero como cualquier comentario suyo es tomado como insensata prueba de puerilismo (y aunado a ello le culpan de toda nimiedad acontecida en casa de los Gillespie), el niño nunca puede hablar sobre esta inquietud que le aplasta el pecho. Por lo que decide alejarse del entorno hostil y de los modelos desviados que le rodean.

Pasa poco tiempo en casa y prefiere la compañía apacible de Margaret, una chica mayor de quien se aprovechan los gamberrillos de la cuadra obligándola a cumplir sus deseos sexuales incipientes. Momento curioso aquel que se presenta en el sanitario de Margaret, cuando decide tomar un baño junto con James.

En la tina (un recurso que parece tener gran valía para Ramsay. Pues se repetirá con las protagonistas de “Morvern Callar” (2002). Y con tomas nadir de los personajes de “Tenemos Que Hablar De Kevin” (2011) que se sumergen en agua casera, a tratar de disolver penas). James deja de lado todo erotismo y se preocupa por encontrar una madre, una hermana sincera en Margaret.

James crece al ritmo de Tom Jones y con tanta anarquía e incomodidad. Recuerda al Antoine Doinel de François Truffaut (sin la característica y genial chispa afrancesada), que también paró frente a la simbiosis entre cielo y horizonte para ponerse a pensar en su destino incomprensible a todas luces.

Y así como él mantiene la cabeza baja mientras su madre le expulsa los piojos, todos la dejan igual, sobre la mesa nacional, ante la impotencia de las oportunidades privilegiadas y los trámites aniquiladores.

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Culmino “Ratcatcher” (1999) con dos secuencias interesantes:

La primera, mientras James, sus hermanas y su madre bailan frente al tocadiscos y sus rostros desprenden pertenencia, reconocimiento y una sensación vigorosa de cariño fundamentalista y, la segunda, conformada por las escenas finales.

Este compás de cierre muestra al protagonista cayendo al canal, en donde tantas desgracias han acontecido, solo para dejar la incógnita falaz sobre su propia supervivencia y un sueño. Acompañado de una sonrisa ambivalentemente franca y ficticia que le ve morir (no quiero estar seguro si es él aquel que literalmente fenece o solo, metafóricamente, su inocencia).

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Los adjetivos para describir a Vincent Van Gogh son infinitos como su fama y popularidad, tanto, que han permeado incluso al mundo de la cinematografía en más de una ocasión. Aunque dentro de estos ejemplos existen notables despliegues dramáticos de potencialidades actorales. Es imposible pasar por alto “Loving Vincent” (Cartas De Van Gogh, 2017) de Dorota Kobiela y Hugh Welchman.

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“Más vale ser atrevido aunque se cometan muchos errores que ser estrecho de mente y demasiado prudente.”

Vincent Van Gogh

Una aportación artesanal (realizada con el esfuerzo titánico de más de 100 artistas) visualmente inusual que rompió toda barrera entre el mundo creado por la paleta de Vincent Van Gogh y los espectadores.

Desde la perspectiva de Armand Roulin, hijo del cartero de Van Gogh, observamos primeramente un periplo en búsqueda de madurez de parte del protagonista con el objetivo de entregar la última carta del pintor. Y finalmente, un esbozo de múltiples voces sobre la tormentosa y mística existencia de Vincent, sobre todo, al final de sus días.

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Con 94 minutos en su haber, “Loving Vincent” (Cartas De Van Gogh) pintada completamente a mano, es el metraje ideal para el cinéfago que busque un espectáculo anómalo.

Una experiencia extremadamente original con flashbacks a blanco y negro.

Rareza en cantidades industriales y enfrentamientos personales a la figura enrarecida de uno de los pintores más populares de todos los tiempos.

Me parece importante resaltar la presentación silenciosa del adorado hermano, Theo Van Gogh (perfecto mecenas). Más que nada por la relación predominantemente jerárquica entre la estabilidad hogareña/económica de Theo y la “locura” de Vincent.

Representada en aquella escena de foco selectivo en la cual un Vincent debilitado por las balas en el estómago es visto detrás de Theo, de pie en pro de la superioridad entre hermanos.

Así, durante el filme, es posible entender a Theo dentro de la piel de un guardián que sobrevive solo seis meses más a la muerte de su amado hermano.

En un juego de arte financiado, los hermanos transitan entre el amarillo incandescente y el rojo de grana cochinilla de la habitación de Arlés.

Mientras un galerista, dos doctores y muchos viejos conocidos arremeten contra la memoria de Vincent.

Entre los grandes planos generales y close ups a los entrevistados de Armand, dejamos de lado la vista testimonial de Vincent para explorar el acoso, el tabú de la enfermedad en ojos ajenos, la frustración, la pobreza y la vivencia bohemia dejada como estela por el artista incomprendido.

Eso sí, no espere, cinéfago, una historia cruda, sino un tributo; pues vale más, en este caso, la experiencia romántica animada que un fragmento realista de la verdad.

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“Mártir del arte”, “Loving Vincent” es clara al hacernos saber que el misterio importa poco, pues la valía viene en el fruto de conocer la obra de Vincent Van Gogh.

Un cuento irremediable con “sucesos inesperados” que observan, léase bien este punto, la naturaleza solitaria de un hombre que admiraba a los cuervos ladrones de almuerzos.

Es el correcto relato de un marginado hacia los nuevos marginados. El seguimiento del rastro agridulce de Vincent y su conversión hacia una sombra conocida a través de caprichos visuales que no buscan una narrativa impresionante. Sino la representación de una sociedad intolerante, hipócrita, incoherente y malagradecida. Encapsulada en personajes como la fanática religiosa y gendarme de la señorita Gachet (Saoirse Ronan).

Secretos a voces de pueblo europeo. Mentes unidas. Pasión desnuda. Negligencia. Teorías paranoides. Correspondencia obsesiva y una “insondable soledad vacía” de una “no entidad” conforman esta historia que se siente justo como la secuencia de Vincent observando su reflejo en el agua: turbio, dubitativo, romántico, idealista e inestable.

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“Loving Vincent” (Cartas De Van Gogh, 2017), un producto melancólico con visos técnicos apantallantes nacido del recuerdo del productor/producto artístico holandés, Vincent Van Gogh, queridos cinéfagos.

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En pro de fomentar el visionado de cortometrajes; traigo a la mesa cinéfila tres trabajos, ciertamente necesarios, para entender el trabajo de la creadora británica Andrea Arnold.

Estimados cinéfagos, hoy quiero hablarles sobre la persistencia de un olvido que me tiene preocupado. Frecuentemente he podido notar la discriminación deliberada de uno de los productos fundacionales de las filmografías de cientos de autores alrededor del planeta: los cortometrajes.

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El primero, “Milk” (1998), sobre una mujer que intenta vivir el duelo provocado por un aborto. Un huevo disparado hacia un sartén es la primera imagen disponible de este micro proyecto con solo 10 minutos de duración.

¿Podría el huevo ser presagio de la tragedia materna? Tal vez, pero de lo que sí estoy seguro, estimados cinéfagos, es de la sagacidad de Andrea Arnold para tratar historias delicadas, pues opta por que su protagonista no acuda al funeral del bebé.

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Le permite escapar de todo protocolo, solo para encontrarse con un joven extraño, con quien se aventura en un viaje automovilístico rarísimo, sin diálogos profundos. “Milk” (1998) se hermana con “Wasp” (2003), un corto sobre otra maternidad quebrada, esta vez desde la precariedad. Ambos trabajos de Andrea Arnold.

Una atareada y joven madre, con cuatro hijos hambrientos (a los que “satisface” con puños de harina); es asaltada por el pasado gracias a la visita de un galán de antaño, a quien prefiere no mencionar la existencia de sus pequeños; que reproducen patrones violentos gracias a la falta de una buena guía de parte de su progenitora.

Aunque la culpa, por supuesto, no puede ser puesta solo sobre los hombros de la madre. Al final, ningún niño viene con instrucciones y la situación de abandono en la que viven es parte de un ciclo de malformación educacional; aunada al abandono de la figura paterna, que también, se puede pensar, siguió un patrón de utilización de mujeres para satisfacer sus animales bajezas solo para botar sus paternidades.

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Acá se repite la escena de sexo en el auto, como en “Milk” (1998); pero cambia el final, pues, mientras en el corto del 98’ desboca en un entendimiento de duelo. Aquí se vivifican los errores de la madre, que, parece entender, la verdadera gravedad de su postura ante los hijos, visiblemente aturdidos.

Si se ve como trilogía, también cabría entender como inicio a “Dog” (2001), sobre las juventudes atestadas de metanfetaminas en un barrio británico pobre; que reincide en dialogar sobre la vulnerabilidad de sus habitantes ante los pandilleros de quinta que personifican a la crueldad más pura.

En este trabajo, Andrea Arnold rescata la historia de una jovencita subyugada ante el nulo poder de un machito postadolescente que termina con la vida de un canino, a patadas; hecho que le permite observar la intensidad del peligro ante el cual se encuentra.

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Vejaciones en casa; en el parque; en el vientre; estos tres cortos son crudamente maravillosos y dejan entrever mucho de lo que Arnold imprimió; posteriormente en “Fish Tank” (2009), como manifiesto final de los entornos británicos hostiles.

Con un poco de “Ratcatcher” (1999) en las vena, me parece que dedicar un poco de tiempo al visionado de estos prototipos (con grandes acabados narrativos) que tanto me recuerdan a “Florida Project” (2017) y que funcionan, maravillosamente como discursos grandilocuentes sobre la carencia; los abusos; la manipulación y la incapacidad para librarse del contexto apabullante; es una tarea, por demás, enriquecedora.

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Cesar Gabriel Cardenas Larios

Cinéfilo empedernido de 20 años, estudiante de periodismo, lector por religión y cuentista en progreso.

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“Black Mirror” es una asombrosa serie de la que ya hemos conversado, que se mantiene a la vanguardia de nuestras pesadillas tecnológicas.

En el caso de “Black Mirror: Hang the DJ”, los 52 minutos versan sobre una serie de búsquedas amorosas; (en un ecosistema cúbico perfecto en el que no existe el trabajo, la pobreza o los problemas mortales); y una aplicación que te “empareja” con personas seleccionadas según tus gustos y manías.

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Amy (Georgina Campbell) y Frank (Joe Cole) son parte de este programa amatorio; que les hace coincidir en su primera cita y los desilusiona tras doce horas de convivencia apacible; el sistemita controlador se ayuda de guías electrónicos, encapsulados en ruedas portátiles, que informan sobre la fecha de expiración del vínculo.

Así, todo mundo confía en su pantalla y en los minutos exactos que estas arrojan; no hay cuestionamientos, solo seguimientos ciegos dentro de una sociedad que se dirige hacia la superficialidad y el rechazo ante aquellos que osen ser humanos y salgan de la medida justa.

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Los protagonistas se separan y experimentan más relaciones fugaces; (aun cuando su duración marque años enteros, la sensación es de vacío total); dentro de la plataforma.

Pasadas las primaveras, los amantes se reencuentran y Frank comete el gravísimo error de consultar en solitario su fecha de caducidad; acto que jode el contador y merma su tiempo juntos.

Ya Wong Kar-Wai hablaba a mediados de los noventas del agente perecedero a través de latas de piña en “Chungking Express” (1994); y es que es una eventualidad natural en nuestras vidas protocolarias: el fin del goce.

Por ello mi predilección hacia este episodio minimalista que, a través de sus fotogramas con grandes espacios abiertos y pequeñísimos carros de golf; denota la poca relevancia de nuestros problemas de corazón para el orden universal.

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Sexo insensible; gente reemplazable; incapacidad de decisión propia; insensibilidad; infiernos contra natura; falta de espontaneidad y reacciones wannabe; conforman este relato futurista que desemboca en algo verdaderamente fascinante y liberador que, por respeto a su visionado, no voy a revelar aquí.

Por otro lado, “Black Mirror: Vuelvo Enseguida” se acerca más hacia la lucha en contra de la soledad y el dolor; pues Martha (Hayley Atwell) es alejada, repentinamente, de Ash por el destino, gracias a un accidente automovilístico.

En el funeral de este hombre joven (Domhnall Gleeson); una amiga de la pareja le recomienda a Martha una aplicación milagrosa que le permitirá “estar en contacto” con Ash; no es otra cosa que una inteligencia artificial que reúne información sobre los difuntos y les “da vida” a través de un chat.

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Las cosas escalan hasta el punto en el que Martha decide dar el descabellado siguiente paso: una fiel réplica plástica de Ash.

Con mapas digitales, sustancias viscosas, soluciones mágicas pero indolentes y una estética gélida (diferente a la de “Spencer” (2021) de Pablo Larraín; porque en vez de temible y misteriosa, esta es simple y adecuadamente deprimente), “Vuelvo Enseguida” se ha convertido en uno de mis capítulos favoritos.

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De no soltar, de no querer olvidar; es una historia magnífica sobre la imposibilidad ante el cambio abrupto, sobre las vidas rotas; inmiscuidas en temas “sci-fi” que les agregan un espeluznante toque de desesperanza pura; que le recuerda, sin cesar, a Martha, que ningún poliuretano le puede regresar a su pareja y menos ser él.

Así me despido, queridos cinéfagos, encomendándolos a estas microficciones, que seguro se acercan más a la realidad que cualquier “blockbuster” de temporada; próximo a estrenarse por streaming.

Felices visionados, a recordar que todo pasa por una razón.

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Cesar Gabriel Cardenas Larios

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El reciente musical de Netflix, “Tick, Tick… Boom!”, protagonizado por Andrew Garfield y dirigido por el célebre autor musical Lin-Manuel Miranda, me tenía esperando para poder completar su visionado, queridos cinéfagos.

Lamentablemente, tardé algunas semanas para convencerme de iniciar la experiencia teatral en casa, porque temía que fuera una desilusión total y aplastante que reavivara la aversión hacia la plataforma y sus “originales” (monstruosos según pruebas recientes).

Bastaron quince minutos para acallar las voces internas que pretendían apedrear este filme. con las experiencias humillantes, fracasadas e indignantes de la vida de Jonathan Larson; famoso por concebir “RENT”, este metraje es un alivio para la preocupante situación del streaming insensato.

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Entre el miedo y el amor, la imposibilidad de monetizar el arte o vivir a costa de la ficción, la supervivencia neoyorkina, la quiebra y la falta de certezas, Larson, en la piel de un Garfield que está siempre en el tono preciso del papel, se convierte en un personaje espeluznantemente vívido.

Jonathan Larson es la viva imagen del joven promedio y prospecto a probar las amargas y escasas mieles artísticas. Aquí podría estar el punto débil de todo este teatro, la romantización de los sacrificios que terminan con la salud mental de cualquiera o cierta santificación de la soledad que desembocan en un final cursi y moralino a medias.

Aunque es de aplaudir que esta adaptación, que juega con una dualidad entre los flashbacks vivenciales en las calles neoyorquinas y el monólogo experimentado en el futuro, se siente absolutamente dinámica.

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Para preservar esta rapidez, se utilizaron juegos visuales e insertos como las notas de la libreta de Larson en la pantalla; algún rompimiento coqueto de la cuarta pared; la secuencia frenética de la piscina con el gran descubrimiento; los colores y el recorte de cuadro del fragmento rapero y el paso de filtros de gris a luminoso para acentuar el cambio de vida del mejor amigo de Jonathan, Michael.

Ya que estamos con Michael, habrá que mencionar aquel trasfondo doloroso que se relaciona con el rechazo total de parte del gobierno yanqui hacia los pacientes VIH positivos.

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Una enfermedad descubierta a principios de la década de los 80 ‘s que ha afectado a más de 75 millones de personas, según cifras de la ONU (Organización de las Naciones Unidas) y ha provocado la muerte de 32 millones en todo el planeta.

Es interesante la introducción de la epidemia noventera de SIDA y más, la cercanía de estos golpes en la vida de Larson, que se comienza a quedar sin combustible gracias a las tragedias aledañas a su escritura.

Así, con una especie de epopeya intergaláctica compleja entre manos, Larson vive de los sueños; de las “decisiones difíciles”; de ver amaneceres mientras se desespera al intentar no defraudar a nadie y de la constante intención de renuncia a la inspiración divina.

No hay suficiente de nada, de nadie, de tiempo; cosa que nos recuerdan durante toda la película con el tic tac del reloj interno del protagonista, mismo que le persigue por cada rincón de la caverna departamental en la que desarrolla sus composiciones (está por demás decir que la música es brillante).

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Y es ese reloj, el mismo que le impulsa a crear la canción clímax de Superbia que tanto buscaba y que resulta en una escena que transmuta los conceptos de su interior y expone su incapacidad para escribir sobre “lo que conoce”.

“Tick, Tick… Boom!” también es un grito a los jóvenes MTV de ese entonces.

Con el taller de su obra y el rechazo de los productores, Jonathan Larson se enfrenta a la realidad cíclica, a los inicios interminables que lo sumergen en una vida al límite de todas las convenciones sociales de su generación.

¿Será la vida real? ¿se podrá congelar todo para reajustarse? son los pensamientos finales de Larson; quien falleció en 1996 antes del estreno de “RENT”, en el que hay un “precúlmen” fantástico entre las teclas de un piano al exterior. Irónicamente, se vuelve dolorosamente íntimo.

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Así, “Tick, Tick… Boom!” ha logrado posicionarse entre mis predilectas de la plataforma roja; con todo y su final a medias, que como decía líneas arriba, quiere meter un héroe a la fuerza, pero lo desvalija de toda comodidad; como en “la vida real”; generando una semblanza final que da honor a Larson, pero que se siente un tanto externa e incompleta.

Para explicar el punto anterior, basta el ejemplo, Larson rompe, definitivamente, todo lazo con Susan; su novia. Me hubiera gustado que este evento, que lo despoja del “gane” absoluto, hubiera sellado la cinta con la canción final; sin semblanza, porque la película ya habla sin ayuda alguna, no necesita mayor explicación o pista, sin embargo, no permitieron que terminara por sí misma.

Contra todo, “Tick, Tick… Boom!” (2021) sigue siendo un ejemplo intenso de la valía del streaming para inducir a la música de Broadway.

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