Este es el caso de “Belleza Robada” (Stealing Beauty, 1996) un regalo cinematográfico dirigido por Bernardo Bertolucci lleno de erotismo, lirismo y sensualidad.

Envuelta con una aterciopelada banda sonora que incluye entre otros a Portishead, Billie Holiday, Cocteau Twins y Stevie Wonder.

“Belleza Robada” despide el aroma de la Toscana con sabor a vino tinto.

La cinta sigue el viaje de verano de la joven americana Lucy Harmon (Liv Tyler), quien aterriza en la cuna del arte italiano para visitar al antiguo grupo creativo de su madre, una afamada poeta, quien acaba de suicidarse.

Con el diario de ésta en mano lleno de imágenes y memoria, el viaje inicia cargado de promesas.

Por un lado, Lucy anhela volver a encontrarse con Niccoló Donati (Roberto Zibetti) quien atrapó su corazón en un viaje anterior, 4 años atrás.

Por otro lado, uno de los amigos de su madre, el artista plástico Ian Grayson (Donal McCann), va a esculpir el retrato de Lucy a manera de regalo de cumpleaños .

Pero más allá de todo, la joven Harmon viene a desentrañar una incógnita de vida: quien es aquel que mató a una serpiente e hizo comer una hoja de olivo a su madre… porque ese, es su verdadero padre.

Entre poemas y arte, los escenarios que viven dentro de esta cinta, destilan encanto.

Los jardines y muros están llenos de esculturas, pinturas de los paisajes que los rodean, brisa italiana, libros, secretos y cuerpos desnudos.

Muros habitados por personajes como Alex Parrish (Jeremy Irons), un escritor amigo de la familia, enfermo terminal, quien resurge de entre el agotamiento de la enfermedad fascinado con la belleza, juventud e inocencia de Lucy.

“Belleza Robada” (Stealing Beauty, 1996) es un título imprescindible para todo amante de la expresión creativa y el goce voluptuoso.

Abran una botella de vino y déjense conquistar. Yo los dejo con uno de los varios poemas que habitan esta ficción, escuchando de fondo “Glory Box”:

“I wait, I wait so patiently // I’m quiet as a cup // I hope you’ll come and rattle me // Come, wake me up.”

Y mientras las notas se me cuelan en los latidos y en el respirar, cierro los ojos y viajo, y vuelo, y me dejo ser parte de esta pieza cinematográfica que acaricia susurrando al oído, entre rincones húmedos de una campiña Toscana llena de deliciosos secretos.

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Marysol Jasso

Marysol Jasso es una adicta a la ficción. Desde pequeña, siempre ha encontrado en el cine y la televisión universos deliciosos para complementar su realidad. No fue mucha sorpresa que haya decidido estudiar de manera profesional cine y guión para seguir viviendo, por gusto y profesión, llena de conflicto, drama y giros inesperados.

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Inspirada por la reseña de uno de mis colegas de la semana pasada, esta vez saqué del baúl de los DVD’s una de las películas ochenteras que marcó mi juventud. Dirigida por Joel Schumacher, “Los Muchachos Perdidos” (The Lost Boys, 1987) es un título que en su momento abrazó todo aquello de lo que era capaz la ilusión cinematográfica.

La cinta comienza cuando después de su divorcio, Lucy Emerson (Dianne Wiest) se muda con sus hijos Sam (Corey Haim) y Michael (un guapísimo, sexy y joven Jason Patric) a Santa Clara, una pequeña ciudad costera de California donde vive el extravagante abuelo padre de Lucy (Bernard Hughes).

Este pueblo se llena de vida por las noches en la feria a orillas de la playa. Tiendas, juegos, fuego, y chicos desfogando el espíritu.

Ahí, Lucy encuentra un trabajo en una tienda de videos local propiedad de Max (Edward Herrmann), quien queda encantado con su dulzura.

Sam, amante y conocedor de los cómics hace migas con los hermanos Frog, dos adolescentes kamikazes que atienden el local de historietas y quienes le recomiendan a Sam una historia de vampiros; advirtiéndole que Santa Clara está llena de seres de la noche y que vea la historia como un manual de supervivencia.

Y finalmente seguimos a Michael, quien en una noche de música y deseo, ubica entre la multitud a Star (Jami Gertz), quien lo lleva a relacionarse con los muchachos perdidos del pueblo, sin imaginarse, que se está metiendo a la cueva de los responsables de todas las muertes y desapariciones del lugar.

Esta es la relación que lo detona todo.

Para encajar, Michel acepta beber del “vino” que le ofrece el líder del grupo, David (Kiefer Sutherland), sin imaginarse que se trata de su sangre. Sangre inmortal, que comenzará a transformar a Michael en un ser de la noche, bello por siempre y sediento de matar.

Cuando Sam, impetuoso y guiado por las señales que le dieron los hermanos Frog, descubre que su hermano es un vampiro, trama con ellos un plan para salvar el alma de Michael con consecuencias que nos llevarán a una batalla épica entre adolescentes y seres nocturnos con poderes sobrenaturales.

“Los Muchachos Perdidos” (The Lost Boys, 1987) tiene ese look cinemático maravilloso lleno de grano, con noches iluminadas por enormes luces de back cortadas por la acción y el salvajismo de los personajes.

Definitivamente un título para desempolvar y sentirse sexy, rodeandonos de lo oscuro, de lo bello de los protagonistas y de la música que no hace más que llevarnos a una cueva oscura y deliciosa muy dentro de nosotros.

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Marysol Jasso es una adicta a la ficción. Desde pequeña, siempre ha encontrado en el cine y la televisión universos deliciosos para complementar su realidad. No fue mucha sorpresa que haya decidido estudiar de manera profesional cine y guión para seguir viviendo, por gusto y profesión, llena de conflicto, drama y giros inesperados.

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Sin embargo, dando un salto cuántico de estilo, Lynch es el responsable de llevar a cabo de manera magistral una de las películas más bellas que he visto en mi vida, “Una Historia Sencilla” (A Straight Story, 1999), cálida, imprescindible, mágica.

“Una Historia Sencilla” narra un momento en la vida de Alvin Straight (Richard Farnsworth), hombre en sus 80’s, con enfisema, problemas de vista, de cadera y tremendamente obstinado.

Alvin comparte su rutina diaria en un pequeño pueblo rural con Rose (Sissy Spacek), su hija, quien tiene una discapacidad intelectual y que “astutamente”, sabe lidiar amorosamente con el temperamento de su padre.

Pero la rutina se altera cuando Alvin se entera que su hermano, con quien se peleó y no ha hablado en 10 años, tuvo un derrame cerebral.

Decidido a enmendar las cosas, Alvin se dispone a ir a verlo, pero sin licencia de conducir ni auto, opta por hacer este viaje de 390 kilómetros desde Iowa hasta Wisconsin en su vieja podadora.

El primer intento no funciona.

La carretera es inclemente y la podadora tiene un motor pequeño, viejo y débil. Cuando los amigos ven pasar de regreso a este hombre sobre una grúa suponen que la misión quedará en olvido. Pero Alvin es un hombre de ideas firmes.

El segundo intento, sobre una máquina mejor, nos llevará a vivir una de las historias más entrañables que podrán encontrar en el firmamento cinematográfico.

Los grandes paisajes, el asfalto, este hombre contra el infinito es algo que se va metiendo en el alma, sin embargo, son los momentos de encuentro, de coincidencia con otros habitantes del camino que invitan a la reflexión, a hablar de la vida.

Este hermoso drama nos muestra que no importa si vamos en una podadora, a pie, o en un camper de lujo, estamos unidos a través de las historias, de las emociones y es ahí, en esas anecdotas del otro, donde nos encontramos con nosotros mismos siendo parte de todos.

Cada encuentro en el vasto trayecto se convierte en un relato que abraza al espíritu.

David Lynch supo hacerlo. Basada en una historia real, “Una Historia Sencilla” es una pieza memorable que se hundirá en su corazón y los acompañará por siempre.

Dénse la oportunidad de encontrar este poema y adentrarse en su belleza.

Que el corazón se los agradezca.

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Sin embargo hoy voy a hablar de una película que me atrapó y emocionó por sanguinaria; violenta; irreverente; divertida; pero sobre todo porque estética y visualmente es de-li-cio-sa. Hablo de “El Escuadrón Suicida 2” (Suicide Squad 2, 2021), dirigida por James Gunn, con un elenco que daba gusto ver junto en pantalla.

“El Escuadrón Suicida” cuenta la historia del archienemigo Thinker (Peter Capaldi) que habita en la Isla de Corto Maltese y quien junto a un monstruo alienígena, son una súper amenaza mundial de la que los estadounidenses están dispuestos a hacerse cargo. Por ello tienen que mandar un equipo de criminales metahumanos, despiadados y bueno… suicidas, quienes tendrán que detener el peligro o pagar con su vida.

Este equipo está encabezado por Bloodsport (Idris Elba), un mercenario cumpliendo sentencia por haber disparado una bala de kriptonita a superman; Peacemaker (John Cena), quien a pesar de su letalidad, siempre busca la paz y quien hacia el final dará una gran sorpresa; Nanaue (Sylvester Stallone), un tiburón que es pura fuerza, apetito y corazón; Ratcatcher (Daniela Melchior), una millenial toda despreocupada que controla a las ratas y quien lleva, junto a Nanaue, la línea emotiva del equipo; Polka-Dot man (David Dastmalchian), el resultado de los experimentos de una madre que soñaba que sus hijos fueran superhéroes; la dulce y desquiciada Harley Quinn (Margot Robbie) y como el líder de campo, el capitán Rick Flag (Joel Kinnaman).

La trama no tiene gran ciencia, hay un enemigo y hay que ir por él, es la brutalidad desplegada en pantalla que termina por ser maravillosa. No hay piedad, la irreverencia es feroz y el impacto al ser testigo de esto, es la risa, la sorpresa y el encanto.

Visualmente, desde la primera imagen que surge en pantalla, el planteamiento cinematográfico de “El Escuadrón Suicida 2” es placentero, reafirma el gusto de ver este tipo de historias en la pantalla grande, además de asentar el tono de violencia que nos acompañará el resto de la película.

Es exquisita la creatividad contenida en los recursos para poner información en pantalla, los colores, la estética, la combinación de formatos. No hay segundo de desperdicio. Podrán identificarse con la historia o no (honestamente hubo momentos en los que yo no entendía muy bien qué estaba pasando en la trama) pero de que es un agasajo a la vista, lo es, sin duda.

“El Escuadrón Suicida 2” es una historia que vale la pena ver en la gran pantalla, y si tienen chance, en IMAX.

Compren palomitas, refresco, elijan el mejor lugar de la sala y déjense arrastrar por este torbellino de acción.

Estoy segura que lo van a disfrutar.

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Hablo de “Un Despertar Glorioso” (Morning Glory, 2010). Comedia dirigida por Roger Michell con un soundtrack que pone de buenas a cualquiera.

Protagonizada por la siempre maravillosa Rachel McAdams, “Un Despertar Glorioso” cuenta la historia de Becky Fuller (Rachel McAdams), una joven productora de programas matutinos de revista que justo cuando se prepara para lo que cree que será el ascenso que tanto espera, es despedida.

Motivada por el desempleo, Becky manda solicitudes a cuanta televisora se le ocurre hasta dar con una oportunidad en “Day Break”, uno de los matutinos con menor audiencia que no solo necesita un nuevo productor, necesita nuevo ADN.

Los presentadores principales del show, Colleen Peck (una brillante Diane Keaton) y Paul McVee (Ty Burrell), transmiten a cuadro la monotonía que se vive día a día en el estudio.

Becky no lo tiene fácil, sin embargo, pone todo su enfoque e intensidad en hacer que las cosas funcionen (en más de una ocasión le preguntan si está a punto de cantar).

A pesar de esto, justo el primer día se ve obligada a despedir a Paul, lo que la mueve a buscar un nuevo presentador encontrándose en un frustrado, orgulloso y amargado antiguo estelar del Prime Time de los noticieros, Mike Pomeroy (Harrison Ford).

A Mike, por contrato, no le queda más remedio que aceptar la oferta o le quitarán los privilegios de su exclusiva, además de su estratosférico sueldo.

El programa se dispone a renovarse con dos conductores que se odian.

Si esto no fuera poco, el presidente de la cadena, Jerry Barnes (Jeff Goldblum) advierte a Becky que si los números del rating no suben, cancelarán el programa.

Becky no está dispuesta a darse por vencida. Por eso, cuando esa mañana un segmento en vivo está siendo narrado como de costumbre, ella toma la batuta, se arriesga y propone un nuevo enfoque dando pie a una situación, patética para quien la protagoniza, pero hilarante para quien la observa.

Es así que el programa comienza a renovarse y nosotros, a morir de risa con todo lo que esto origina.

“Un Despertar Glorioso” es de esas películas que levantan corazones.

Véanla, ríanse, déjense arrastrar por el entusiasmo que contagia y denle así la bienvenida a un agosto que promete llegar lleno de posibilidades, como esta cinta, como la vida.

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Por eso hoy me gustaría recomendarles una cinta que habla de tenacidad, resiliencia y empuje con mucha simpatía y humor. Me refiero a “Volando Alto” (Eddie The Eagle, 2015), dirigida por Dexter Fletcher basada en la historia real de Michael “Eddie” Edwards; un hombre que lejos de tener talento atlético, tenía una tremenda convicción de llegar a ser lo que siempre soñó: un competidor olímpico.

La película protagonizada por Taron Egerton, comienza mostrándonos que desde niño, Eddie Edwards posee de un problema en su rodilla y una torpeza deportiva que hubiera hecho desistir a cualquiera.

Ahora siendo un adulto, y habiendo hecho un esfuerzo en diferentes disciplinas competitivas sin éxito, el corazón de Eddie se mantiene firme poniéndole un nuevo objetivo en la mira: las olimpiadas de invierno.

La disciplina: Salto de Esquí.

Sin ningún tipo de entrenamiento, Eddie comienza a practicar este deporte con valentía y tremenda impericia, haciéndose merecedor de las risas y burlas de quienes llevan una vida compitiendo y perfeccionando sus técnicas; sin mencionar una colección de lesiones que lejos de desanimarlo, alimentan su tesón.

Y es justo esa persistencia que llama al fin la atención de quien se convertirá en su entrenador (un personaje que no existe en la vida real), un malhumorado, vicioso pero excelente atleta, Bronson Peary (Hugh Jackman).

Los obstáculos no se hacen esperar en “Volando Alto” .

Comenzar a entrenar a una edad adulta, no tener coordinación, y sobre todo, escuchar a todos a su alrededor restregándote lo malo que eres, parecen no hace mella en el espíritu de éste hombre.

Eddie “El Águila” Edwards terminó calificando no solo para representar a Gran Bretaña en los Juegos Olímpicos de Calgary en 1988, sino que se convirtió en poseedor del récord británico en salto de esquí, del récord mundial de salto acrobático y noveno lugar en velocidad de aficionado.

Dicen que “lo importante no es caerse, sino levantarse”, y “Volando Alto” (Eddie The Eagle, 2015) es un ejemplo perfecto de esta filosofía.

En definitiva, las historias que más nos inspiran no tienen que ver con éxito arrollador, sino con tenacidad; con alma; con la motivación que nos invade al ser testigos del camino de personajes ordinarios que terminan alcanzado lo extraordinario, porque en ese potencial, habitamos todos.

Felices Olímpicos queridos lectores. Que la emoción los invada.

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Me refiero a la maravillosa “Orgullo Y Prejuicio” (Pride and Prejudice, 2005), dirigida por Joe Wright y protagonizada por Keira Knightley y Matthew Macfadyen.

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El lenguaje cinematográfico es un idioma universal.

A través de él, nuestro espíritu es capturado cuadro por cuadro, seduciéndonos con bellos paisajes, entornos, gestos, miradas secretas, intenciones veladas o detalles que nos transforman en un ojo omnisciente y nos atrapan en el drama de la historia sin soltarnos hasta el final.

Esta versión del clásico de Jane Austen, cobra un sentido de tremenda pasión en pantalla dejando muy de lado el romanticismo.

“Orgullo Y Prejuicio” es la historia de desencuentro y amor, en la Inglaterra del siglo XVIII entre la inteligente, osada y perspicaz Elizabeth Bennet y el adinerado, atractivo y orgulloso Sr. Darcy.

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La trama de “Orgullo Y Prejuicio” la conocemos mucho.

En la campiña inglesa de finales del siglo XVIII habita la familia Bennet, compuesta por 5 hijas casaderas en espera de un buen partido.

Cuando el Sr. Bingley (Simon Woods), rico, ingenuo y guapo llega a la comunidad con su hermana Caroline (Kelly Reilly) y su amigo, el Sr. Darcy, la matriarca de la familia Bennet (Brenda Blethyn) sabe que tienen un objetivo claro: emparejar a su hija Jane (Rosamund Pike), la belleza de la región, con este joven de excelente posición, asegurando así su futuro.

El detalle surge cuando Elizabeth Bennet, escucha un comentario desagradable hacia ella de parte del Sr. Darcy, comentario que se convierte en una barrera que separará a estas dos almas gemelas hasta el final de la cinta.

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No voy a ahondar más en la historia porque muchos la conocemos.

Pero me gustaría que al verla traten de notar esas sutilezas que nos regala la puesta en cámara: las miradas de atracción y desencuentro, las intenciones en las manos de los personajes que tratan de acercarse al objeto de su deseo o la forma en la que todos quienes conforman una escena desaparecen para revelarnos solo a los protagonistas, la tensión entre ellos y sus pasiones.

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Pero sobre todo hay una escena, que para mí, es una de las más cargadas de tentación que he visto en el cine.

Esta escena se desarrolla en medio de la lluvia, entre Lizzie Bennet y Mr. Darcy, en donde cada uno se reprocha sus acciones y actitudes. Sin embargo, la forma en la que la cámara nos muestra a los personajes, su intención de acercamiento, de besar, de ser besada, de rechazo… no nos deja duda: hay deseo. Y nosotros estamos en medio de ellos, anhelando que se den cuenta, que se lo revelen, que se toquen.

“Orgullo Y Prejuicio” (Pride And Prejudice, 2005) es un deleite como historia, un clásico, pero sobre todo, es un agasajo en su narrativa audiovisual.

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Espero que al ver “Orgullo Y Prejuicio”, los sentidos se les despierten y la disfruten en toda su elegancia y belleza.

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“Dan en la Vida Real”, cuenta la historia de Dan (Steve Carell), un escritor viudo con tres hijas, dos adolescentes y una pequeña que aunque es muy ameno en su columna en un diario local dando consejos “de la vida real”, lleva una nube gris sobre él desde que perdió a su esposa, así que conocer chicas o divertirse, parece haber quedado fuera del mapa.

Y a pesar de que su columna es un éxito, en la realidad tiene sus propios desafíos.

Por un lado, no da el paso de confianza en la adulta que se está convirtiendo su hija mayor lo que la enfurece; “asesina” el romance de su hija adolescente y pareciera que su hija menor es la única que no lo odia.

Como si esto no fuera suficiente, Dan asiste con ellas a la tradicional reunión familiar en donde todo mundo le recuerda que debería hacer algo por sí mismo, buscar un amor, disfrutar… Y sin quererlo, sucede.

En una visita casual a la librería del pueblo, Dan conoce a Marie (Juliette Binoche) y en unos pocos diálogos, saben que congenian y encajan a la perfección. Esto pudiera ser el arcoiris después de la tormenta de no ser por un pequeño detalle: Marie es la novia de Mitch (Dane Cook), el hermano de Dan, a quien llevó a la reunión para presentarla con la familia.

Y ahí, todos se enamoran de Marie llena de simpatía y mundo. Incluso las hijas de Dan están fascinadas con este estandarte femenino que desborda inteligencia y libertad.

Para Dan, cada día encerrado en los muros de esta cabaña perdida en el bosque, lidiando con su familia, con el rechazo de sus hijas, y con la tragedia de tener que convivir con la maravillosa mujer de la que se está enamorando pero le está prohibido tener, le hacen el viaje una auténtica pesadilla.

Y esto es solo un poco de lo que les puedo decir.

Peter Hedges logra crear con esta cinta una aventura romántica y familiar que contagia en su dinámica, con un reparto estelar que cuenta con Dianne Wiest, John Mahoney y una siempre agradable, Emily Blunt.

“Dan en la Vida Real” (Dan In Real Life, 2007) es deliciosa con un agradable aire de cine independiente creando el perfecto equilibrio entre drama y comedia.

Una historia que vale la pena encontrar y dejarse encantar. Espero que la disfruten.

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Es por ello que hoy, con ganas de mencionarlo, voy a recomendarles una película poco conocida que, siendo una de mis favoritas, muestra a un Johnny Depp muy alejado de las excentricidades que tanto le gusta interpretar y lo enfundaron en un personaje tremendamente humano y emotivo. Ese título es: “¿A Quién Ama Gilbert Grape?” (What’s Eating Gilbert Grape, 1993).

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Dirigida por Lasse Hallström, “¿A Quién Ama Gilbert Grape?” narra la historia de Gilbert, el hermano mayor de una familia muy particular quienes viven en el pequeño pueblo de Endora, llevando una vida bastante sencilla y monótona.

Gilbert trabaja en el almacén de toda la vida del pueblo como dependiente y repartidor, pero su trabajo principal es cuidar a su hermano menor, Arnie (Leonardo DiCaprio), quien con discapacidad intelectual, ha roto todas las predicciones médicas y ahora está por cumplir dieciocho años.

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Cada año, una caravana de casas rodantes roza la periferia de Endora, pero esta vez, uno de esos vehículos tendrá que alojarse en la pequeña comunidad por unos días a causa de una avería del motor.

En un pueblo en el que nunca pasa nada, esta pequeña casualidad pone a Becky (Juliette Lewis) en el panorama rompiendo con su presencia el status quo que reinaba en el pueblo y en la vida de Gilbert hasta ahora.

Ésta sencilla relación, llevará a Gilbert a expandir su realidad, a mirarse a sí mismo por primera vez, valorando todo el cuidado que ha tenido hacia su familia desde la muerte de su padre y haciéndole ver, que llega un momento en el que también es válido y humano pensar y hacer algo por uno mismo.

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“¿A Quién Ama Gilbert Grape?” es una película llena de cariño. Una historia colmada de cotidianidad y pequeños cambios que marcan el destino por siempre. Una reflexión de cómo amar no es sencillo, y a la vez, es ese amor el que te llena y te transforma. 

Hay muchos aciertos en esta historia. La interpretación de Leonardo DiCaprio como Arnie, es memorable. Juliette Lewis va más allá de su belleza adolescente y regala una interpretación diáfana y emotiva, pero Depp, es alma y corazón.  

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Realmente espero que tengan la oportunidad de ver ésta bellísima película y puedan comentarla con nosotros.

También espero que deje en ustedes ese delicado sabor de “inicio de aventura” que, en aquel entonces, dejó en mi interior.

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Marysol Jasso es una adicta a la ficción. Desde pequeña, siempre ha encontrado en el cine y la televisión universos deliciosos para complementar su realidad. No fue mucha sorpresa que haya decidido estudiar de manera profesional cine y guión para seguir viviendo, por gusto y profesión, llena de conflicto, drama y giros inesperados.

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Pero lo maravilloso de este tipo de historias, no solo se queda en encontrar a la media naranja, sino que, como lo dice acertadamente Mark Darcy (Colin Firth) en la divertidísima “El Diario de Bridget Jones” (Bridget Jones, 2001), es encontrar a esa media naranja que nos quiera “tal y como somos”. Por eso, el día de hoy me gustaría hablar de una película que es el ejemplo perfecto de esta premisa. Estoy hablando de “El Amor Tiene Dos Caras” (The Mirror Has Two Faces, 1996).

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Dirigida y protagonizada por Barbra Streisand, “El Amor Tiene Dos Caras” (The Mirror Has Two Faces, 1996) aborda la historia de Rose Morgan (Streisand), una profesora de literatura en la Universidad de Columbia, de mente abierta y estilo de vida libre que no encaja en el modelo de mujer y belleza socialmente común.

Con modelos a su alrededor como su madre (Lauren Bacall), una mujer de belleza atemporal a quien le fastidian los modos de Rose y una hermana que es el prototipo de belleza que todo hombre desea. Rose es feliz como es y, aunque cree en el amor y en el romance, no anda en busca del príncipe azul; sino de ese alguien que pueda ser un verdadero compañero, que más allá de su físico, pueda enamorarse de sus formas y pequeñas idiosincrasias.

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Y aquí encaja Gregory Larkin (Jeff Bridges), atractivo profesor de matemáticas, estresado del amor quien piensa que el sexo es la perdición de las relaciones de pareja.

Después de varias relaciones con mujeres hermosas que lo abandonan, ahora busca una compañera con la que pueda conectar sin necesidad de besos, caricias, o intimidad física. Entonces se da a la tarea de escribir un anuncio clasificado donde solicita compañera femenina, con quien pueda compartir metas comunes y en donde la apariencia física “no importa”.

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Rápidamente Claire (Mimi Rogers) la hermana de Rose, contesta el anuncio.

Esto lleva Gregory a asistir a una clase de Rose, en donde habla de cómo en relatos de diferentes culturas, cuando las relaciones íntimas hacen su aparición en las historias, todo se destruye. Gregory solo tiene unos minutos para escuchar ésta charla pero cree que encontró a su ideal. Se va antes de darse cuenta que la conclusión del tema es que, aunque el sexo y las relaciones sean tan complicadas, mientras duran, son maravillosas.

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Así, “El Amor Tiene Dos Caras”, es un encuentro divertido entre dos seres que son perfectos el uno para el otro pero con metas de pareja y barreras personales diferentes.

Y como toda buena película de romance, descubrir cómo superan estos obstáculos es lo que más se disfruta.

Ser amados tal y como somos puede parecer un sueño. Pero como dije antes, para eso están las comedias románticas, para decirnos que a pesar de todos nuestros defectos, ese ideal, se puede.

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Marysol Jasso

Marysol Jasso es una adicta a la ficción. Desde pequeña, siempre ha encontrado en el cine y la televisión universos deliciosos para complementar su realidad. No fue mucha sorpresa que haya decidido estudiar de manera profesional cine y guión para seguir viviendo, por gusto y profesión, llena de conflicto, drama y giros inesperados.

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