La magia continua, pero ahora los personajes en “Encanto” son más complejos y representan la manera de pensar de nuevas generaciones. Es una muy buena película que se puede disfrutar en familia, pero más allá de lo superficial la obra habla sobre las heridas familiares. Bruno no es solamente un familiar oculto. Es momento de que hablemos sobre Bruno y lo que este significa.

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NO SE HABLA DE BRUNO NI DE NUESTROS TRAUMAS

La trama sigue a los Madrigal. Una familia colombiana donde el tronco del árbol genealógico es Alma Madrigal. Quien durante su juventud tuvo que escapar con sus hijos de su pueblo por una ola de violencia. El sacrifico que hizo el abuelo para proteger a su familia concedió un milagro del que nació la casa Madrigal y a sus trillizos (Pepa, Julieta y Bruno) se les otorgó “dones”. Julieta tiene el don de sanar a la gente con su comida; Pepa controla el clima con sus emociones y Bruno tiene precognición.

Pepa se casó con Félix y tuvieron tres hijos: Dolores; con el don de tener un oído muy sensible, Camilo; con el don de transformarse en cualquier persona que piense y el hermano menor, Antonio; que durante la película recibe el don de comunicarse con los animales.

Julieta está casada con Agustín con quien tuvo tres hijas: Isabela; con el don hacer crecer planas, Luisa; que tiene una fuerza equiparable a la de Hércules y por último Mirabel, que por alguna razón inexplicable no recibe ningún don.

Bruno no tiene descendencia, pero aún no es momento de hablar sobre él. Primero hablemos sobre Mirabel, la nieta sin dones. Durante la película Mirabel no recibe discriminación por parte de sus padres, hermanas, tíos o primos por el hecho de no tener un don. Tampoco la abuela la discrimina, pero si muestra una dura decepción ante el hecho que el ritual de iniciación “fracasa”. La abuela es la responsable de su familia ante el pueblo, con quienes vemos que la familia utiliza sus dones a favor de la gente.

El conflicto en la película comienza cuando Maribel se da cuenta de que la casa está agrietándose. Más adelante encuentra piezas de una profecía de Bruno donde aparece ella enfrente de la casa que está destruyéndose. Entonces empieza su misión de evitar la destrucción de su hogar cómo primer paso en descubrir que es lo que la está dañando.

Más adelante en la película nos damos cuenta de que Mirabel no es la única con esa sensación de ser una decepción para la familia. A Isabela, su hermana mayor, se le ha dicho que deber ser la chica perfecta de quien se espera qué se case con un buen hombre y tenga varios hijos. En ningún momento se le pregunta sus deseos o cuestiona si realmente es lo que quiere. Es cuando Mirabel entra a su habitación para hacer las paces con ella que provoca el enojó de su hermana por arruinar su propuesta. En su enfadó Isabel crea un cactus, una planta “qué no es simétrico ni perfecto”.

La canción de Inspiración es la que marca el arco de personaje de Isabel, donde se acepta a ella misma, pero, sobre todo, expresa sus sentir y deseos. Se libera de la presión y expectativas de la familia y pone primero lo que ella quiere; expresa su verdadero yo.

Con Luisa sucede algo similar. Como hemos mencionado Luisa tiene el poder de la fuerza física. Llegamos a ver como levanta una iglesia, endereza una casa y carga varios burros en sus hombros. Una fuerza descomunal que varios pueblerinos aprovechan para pedirle su ayuda con sus problemas. Luisa acepta todas las peticiones y trabaja duro para el pueblo. En su canción habla sobre su sentimiento ser fuerte para el servicio de los demás y soportar el peso de los problemas. Menciona: “¿Quién soy yo si pierdo el valor?”. Lo que nos dice es que Luisa siente que si no ayuda a la gente no sirve para nada. Pasa lo mismo que con su hermana Isabela; tiene un sentimiento de deber ante la sociedad, en su caso de ser siempre fuerte y servir a los demás.

Entonces tenemos que cada hermana sufre la presión de expectativas de manera distinta; de Isabela se espera perfección, de Luisa siempre fortaleza y disposición a los demás y por último, Maribel, quien no cumplió con la expectativa de recibir un don y ahora siente que es su responsabilidad hacer que la casa sane.

Cuando busca la razón que está dañando a la familia es que se da cuenta de las presiones de su familia, pero no solo eso, sino que también empieza a cuestionarse por un miembro de su familia que nadie quiere mencionar: su tío Bruno.

Bruno realiza profecías al pueblo sobre el futuro de la gente. Como es la realidad, no siempre el futuro es agradable. El controlar el futuro y el rumbo del destino no entra dentro de los poderes de Bruno. Él solo menciona lo que ve en sus visiones, que en ocasiones no pueden ser agradables, y la gente lo empieza a señalar como si él fuera responsable. Es hasta que un día tiene la visión de Maribel enfrente de la casa agrietada que decide desaparecer y no traer más malas visiones.

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PSICOANALIZANDO LA CASA MADRIGAL

En el psicoanálisis una casa se puede interpretar como el interior de nuestra mente. Dejar entrar a nuestro hogar en un sueño es como darle acceso al inconsciente y se vuelve algo más íntimo cuando dejamos pasar a nuestra habitación (qué es el lugar más personal de uno). Ahora, también hay un lugar más intimo que es donde están las cosas más ocultas del inconsciente que está usualmente se representan como áticos, sótanos o el espacio más oscuro e íntimo de un hogar que puedas imaginar.

En “Encanto” (2021) hay algo bonito con la casa Madrigal. Porque su hogar representa el inconsciente de toda la familia.

La habitación de cada uno es el inconsciente íntimo de cada personaje, pero comparten un mismo hogar que refleja su psique. Esto se puede ver porque si la familia canta y baila alegre la casa lo hace con ellos. En los momentos más dramáticos y emocionalmente más tristes la casa se torna oscura y llega a agrietarse. Parece ser que el hogar es otro miembro de la familia, pero la verdad es que es la misma familia Madrigal quien le da vida. 

Regresando con Bruno. Su tía Pepa le dice que por nada se le nombra, mucho menos enfrente de la abuela. Más adelante en la película Mirabel descubre que Bruno vive entre las paredes dentro de la casa, que nunca se fue solo se ocultó de la familia al sentir que traía desgracia y mala reputación a ella. También se menciona que la prima Dolores lo escuchaba y que Antonio sabía de él en la casa porque las ratas se lo habían dicho.

Si hablamos que la casa representa el inconsciente de la familia y Bruno vivía dentro de la casa oculto entre los pasillos (analogía del espacio más oscuro de la psique donde están las cosas que reprimimos). Bruno representa ese tema reprimido por la familia, aunque aparentemente físicamente no está ahí, existe en el inconsciente de la familia.

Otro elemento son las grietas. Que solamente Mirabel ve y el resto de la familia niega que algo malo está sucediendo. Estas grietas representan el daño familiar. De una manera metafórica la misión de Mirabel es repararlas y parece ser que entre más indaga sobre la razón del daño (supuestamente por hablar sobre Bruno) es que la casa empieza a derrumbarse más. Cuando lo que provoca ese daño es el no hablar de los problemas y sentir, sino reprimirlo.

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UNA GENERACIÓN QUE NO QUIERE IR A TERAPIA

Otra cosa interesante en la película es que los personajes no son buenos ni malos; son humanos. A la abuela le interesa que la familia sirva al pueblo. Por eso mismo la abuela es de quien la familia siente una presión de expectativa. Bruno se creyó una decepción ante ella y fue por eso por lo que se escondió. Las presiones de las tres hermanas provienen de las expectativas que la abuela pone en ellas sobre lo que pueden aportar a la familia.

En la película hay dos momentos donde la abuela niega ante el pueblo que algo esté ocurriendo en el hogar; primero durante la fiesta por el don de Antonio. Que es cuando Maribel se da cuenta de las grietas por primera vez. La siguiente ocasión es cuando en la cena familiar donde Mariano le va a pedir matrimonio a Isabela y la familia se empieza a enterar de la profecía de Bruno provocando un desastre. Al pueblo que espera afuera de la casa para celebrar la unión la abuela dice antes de cerrar las puertas: “Todo aquí está bien. Somos los Madrigal”.

De nuevo, la abuela no es mala, ni busca dañar a su familia. Ella quiere a su familia fuerte y servicial, porque esa misma dureza ante la vida es la que le dio fuerza para sacar a su familia adelante cuando perdió a su esposo.

Aquí hay un reflejo de la ideología posmoderna en la que vivimos de la moderna en la que vivieron nuestros abuelos. En generaciones anteriores era mal visto ir al psicólogo. Se decía que era solo para locos. Hasta a mí me llegaron a decir “En mis tiempos no había psicólogos. Nos aguantábamos y seguíamos”. Podemos estar de acuerdo que ante las adversidades debemos mantenernos firmes, pero no es saludable reprimir nuestras emociones. Afortunadamente ese tipo de pensamientos ha cambiado con las nuevas generaciones; la salud mental es un tema más importante hoy en día.

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TODA FAMILIA TIENE SU BRUNO

La casa Madrigal no se estaba destruyendo porque se habló sobre Bruno, sino porque se reprimían esos temas. En el clímax de la historia, la casa es destruida, Maribel huye y es alcanzada por su abuela Alma en el mismo río donde sucedió el milagro. La abuela le pide perdón a Maribel por la presión y le confiesa que ella también siente haberle fallado a su familia. Maribel la toma de las manos y le dice: “Tú perdiste tu hogar. Perdiste todo. Has sufrido tanto tu sola para que no volviera a pasar nunca. Nos salvamos gracias a ti. Se nos concedió un milagro gracias a ti. Somos una familia gracias a ti. Y no hay nada que no se pueda arreglar juntos”.

Entonces Bruno aparece en un caballo echándose la culpa de toda la situación diciendo que fue él quien le dio la visión a Maribel: “No me importa lo que digas de mí…” Para su sorpresa su madre lo abraza feliz de volverlo a ver.

Bruno se reencuentra con sus hermanas entre las ruinas de su hogar. Donde para su sorpresa lo abrazan con cariño y felicidad de volverlo a ver. Su familia nunca lo dejo de amar, fue el mismo Bruno que ante las expectativas que tenía su madre de él lo que lo hizo sentir insuficiente y que se ocultara.

Me gusta mucho la frase “las películas son metáforas de la vida”. En este caso Bruno es una metáfora sobre los temas que no se hablan y son heridas familiares. En esta película Disney ablanda las heridas familiares mostrando como las expectativas que podemos recibir, o incluso imponer, pueden herirnos. Para la psicología de una persona es bien importante que los hijos sientan que sus padres están orgullosos de ellos, impacta mucho en su autoestima y no importa la edad.

Digo que ablanda el tema de los secretos familiares porque de una manera más seria y oscura un Bruno puede ser también un tema más grave y complejo. Estos también pueden ser abusos que no se hablan o familiares ocultos; como ejemplo se puede mencionar a las primas hermanas de la Reina Isabel II que por haber nacido con discapacidad intelectual se les declararon públicamente muertas y ocultadas en un hospital desde niñas.

“Las nuevas generaciones no quieren un príncipe azul, sino sanar heridas generacionales” se dice en internet. Otras películas como “Turning Red” de Domee Shi y “Everything Everywhere All At Once” de The Daniels son ejemplos de esto. Es una bonita película para ver en familia, también si se desea, reflexionar sobre esos temas que no se hablan. Y tú, ¿ya le dijiste hoy a tus padres que los quieres?

«Encanto» es una película de fantasía musical de 2021 producida por Walt Disney Pictures y Walt Disney Animation Studios, inspirada en la cultura Colombiana.

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Olaf Viana

Cuenta con una maestría en Cine Latinoamericano y Caribeño. Cinéfilo apasionado, ha dado clases y conferencias sobre diferentes áreas del cine.

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No es una lista sobre lo mejor del cine nacional, aunque las mencionadas sí entran dentro de esas listas, sino de recomendar películas con ese sello mexicano que considero que pueden ser del gusto de mayoría de espectador. Aquí te hablamos de estas 7 películas mexicanas para disfrutar en septiembre y porque valen la pena verlas.

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• “El Compadre Mendoza” (1933) de Fernando Fuentes

Uno de los directores más destacados de su tiempo, e incluso de la historia del cine nacional.

Entre su filmografía destacan clásicos como “El Prisionero Trece” (1933), “El Fantasma Del Convento” (1934), “¡Vámonos Con Pancho Villa!” (1936), “Doña Bárbara” (1943) y la película que dio inicio al subgénero mexicano de comedias rancheras que definió una identidad nacional a un nivel internacional “Allá En El Rancho Grande” (1936).

Dejemos claro que todas las películas mencionadas valen la pena verse, pero para esta lista vamos a destacar “El Compadre Mendoza”. Aparece en diversas listas de las mejores películas nacionales de la historia y no es por poco.

La historia toma lugar en el tiempo de la revolución cuando Rosalío Mendoza, un empresario oportunista, les vende armas a ambos lados de la revolución. Cuando Zapatistas llegan a su hacienda a hacer negocios cuelga un cuadro de Emiliano Zapata. Cuando son Huertistas lo cambia por uno de Victoriano Huerta.

Sin mencionar mucho detalle, para no arruinar la experiencia a quien no la haya visto, el final es impactante, en su tiempo ocasionó conversación por su crudeza con lo que el director argumentó:

“Creemos al público latino suficientemente culto y preparado para soportar toda la crueldad y dureza de la realidad. Nada nos hubiera costado el desenredar la trama en forma tal que el desenlace fuera feliz como estamos acostumbrados a verlo en las películas americanas; pero es nuestra opinión que el cine mexicano debe ser fiel de nuestro modo de ser adusto y trágico, si es que pretendemos darle perfiles verdaderamente propios, y no hacerlo una pobre imitación de lo que nos viene de Hollywood.” – Fernando Fuentes

Para los estándares visuales actuales la secuencia final puede no impactar de la misma forma que cuando se estrenó. La cuestión es que no se trata de un final que destaque por el morbo, sino por un guion bien escrito que se complementa con un excelente lenguaje cinematográfico que termina en una conclusión bien construida.

Habrá quienes argumenten que “Allá En El Rancho Grande” es más importante en la historia del cine nacional. En términos de impacto en la historia del cine mexicano, y por ser la que inició las comedias rancheras, es cierto, pero en cuestiones de guion, producción, dirección; en calidad de cine, es superior.

El Compadre Mendoza: La Revolución Bifurcada – Opinión

• “La Perla” (1947) de Emilio “El Indio” Fernández

Esta es un clásico que todos se saben. No podíamos hablar de Fernando Fuentes como uno de los directores más destacados del cine nacional sin mencionar a otro de los titanes; Emilio “El Indio” Fernández.

De joven revolucionario que tuvo que esconderse en Los Ángeles donde fue extra en producciones de Hollywood. Sin abandonar ideales revolucionarios trató de levantar una insurrección en 1923. Fue encarcelado y fue el mismo Adolfo de la Huerta quien lo alentó a que dejara la revolución y mejor aprendiera a hacer cine para que regresara al país y creará una identidad nacional.

Colaboró con grandes estrellas de su época como María Félix, Dolores del Río y Pedro Armendáriz. Junto con Gabriel Figueroa retrató paisajes y escenarios que darían una identidad a nivel internacional a México. Su filmografía no es poca cosa; “Flor Silvestre” (1943), “María Candelaria” (1944) ganadora en el festival de Cannes, “Enamorada” (1946), “Maclovia” (1948), “Salón México” (1949), “Pueblerina” (1949) y “Víctimas Del Pecado” (1951). Todas sus obras son un tesoro nacional que representan una identidad mexicana; los escenarios, la forma de hablar, los ideales de sus personajes.

Todas obras seguras que te harán decir “que buena película acabo de ver”, pero para iniciar en su filmografía la recomendación que te doy es “La Perla”. Adaptación de la obra de John Steinbeck. En La Paz, Baja California Sur; una familia pescadora encuentra la perla más grande que el pueblo ha visto jamás. Empiezan a fantasear con las riquezas y fortuna que está les traerá, sobre todo la educación y mejor vida que le pueden dar a su hijo recién nacido. Junto con la perla la codicia y envidia surgen llevan a la familia a un final trágico. Un drama atemporal que te deja con un nudo de sentimiento en el corazón.

Gabriel Figueroa: El Maestro De La Luz Mexicano

• “La Negra Angustia” (1950) de Matilde Landeta

La única directora del cine oro mexicano. Su cine se puede catalogar como de resistencia. Tuvo en contra a toda la industria cinematográfica de su tiempo por el simple hecho de ser mujer.

El machismo de la época no permitía que las mujeres tomaran cargos superiores a asistentes o continuistas. Al no encontrar una manera de ella dirigir sus historias optó por fundar una productora con su hermano. De haber tenido las mismas oportunidades de género su filmografía sería tan extensa como la del “El Indio” Fernández. Su filmografía como directora se limita a cuatro películas; “Lola Casanova” (1949), “La Negra Angustias”, “Trotacalles” (1951) y “Nocturno A Rosario” (1991).  Todas historias contadas por mujeres para mujeres.

Por las limitaciones de su época de habérsele permitido su cine pudo haber madurado en calidad y técnica. Aún así su cine es bueno y mi recomendación es “La Negra Angustias” que cuenta la historia de una mujer afromexicana quien escapa de su pueblo después que tratan de violarla. La trama toma lugar durante la revolución mexicana y al huir termina formando parte de la lucha como coronela. En un momento de la historia, se reencuentra con su violador y bajo su rango lo manda castrar.

La película tiene un valor enorme por diversas razones; entre ellas porque habla de un tema real que a sido omitido en los libros de historia: la participación de la mujer durante la revolución.

El personaje de la Negra Angustias está basado en una mujer que existió. La mirada y voz de la película es femenina, la única de su tiempo. Por último, quiero mencionar que vale la pena ver esta obra no únicamente por los valores mencionados, sino porque es una buena película que vale la pena ver. Sobre todo, no olvidar que este cine existe. Eso también forma parte de la resistencia.

Cine Mexicano: Mucho Que Contar – Historia Del Cine

• “Viento Negro” (1965) de Servando González

En esta selección me enfrente con un dilema; no sabía si mencionar a Roberto Gavaldón o Servando González. Ambos grandes cineastas mexicanos.

Los conocedores de la obra de Gavaldón optarán por “Macario” (1960), clásico mexicano y primera película mexicana a ser nominada a un premio Oscar por película extranjera. Es más probable que la gente conozca “Macario”. Por esa misma razón elegí a “Viento Negro”. Gavaldón tiene una filmografía más reconocida, como “La Otra” (1946), “La Diosa Arrodillada” (1947), “Días De Otoño” (1963) y “El Gallo De Oro” (1964).

Por otro lado, Servando González es más infravalorado y no se menciona tanto. En su película “Yanco” (1961) el sonido tiene una importancia narrativa como pocas veces se ha visto en el cine nacional. “El Escapulario” (1968) es una historia de fantasmas de lo mejor de horror que se a hecho en México y también vale la pena mencionar “Los De Abajo” (1977), adaptación del libro con el mismo nombre sobre la revolución mexicana.

Pero “Viento Negro” termina con ese mismo sentimiento que hablaba en “La Perla”. Es un drama bien escrito con una dirección magistral. La trama va de la construcción de vías de tren en el desierto de Sonora. Manuel Iglesias es el encargado de llevar la obra y bajo su mando está su hijo Jorge, quien es un ingeniero recién egresado de la UNAM. Su machismo lo hace aparentar ser un hombre duro y de sangre fría que no se atreve demostrarle cariño a su hijo por miedo a ablandarlo. Jorge siente que es una decepción para su padre cuando para Manuel su hijo es su mayor amor y orgullo en la vida. Un drama mexicano que te aprieta el corazón.

Macario: Joya Del Cine Mexicano – Reseña

• “El Imperio De La Fortuna” (1986) de Arturo Ripstein

Una película malamente poco mencionada, casi hasta olvidada.

No hay duda alguna que Arturo Ripstein es uno de los grandes directores nacionales. Tiene películas transgresoras que dieron de qué hablar y ofrecieron temáticas distintas a la tradicionales como “El Castillo De La Pureza” (1973) y “El Lugar Sin Límites” (1978). Su demás filmografía que vale la pena revisar esta “Tiempo De Morir” (1966), “El Santo Oficio” (1974), “La Tía Alejandra” (1979), “Profundo Carmesí” (1996)y “El Coronel No Tiene Quien Le Escriba” (1999).

Una de las razones por las cuales esta película tiene un valor importante es por el contexto de la década en la que fue estrenada. Recapitulando un poco; la época del cine de oro mexicano empezó a partir de “Allá En El Rancho Grande” y concluyó simbólicamente con la muerte de Pedro Infante. Aún así la calidad del cine nacional no bajó, de hecho en la década de los sesenta hubo una racha de tres años consecutivos con películas nominadas al premio Oscar por película extranjera [“Macario”, “Ánimas Trujano” (1961) y “Tlayucan” (1962)].

Fue durante la década de los setenta que el cine cayó de manera horrible. La culpa de todo la tuvo el entonces presidente José López Portillo y su hermana Margarita López Portillo. Fue un caso donde el nepotismo arruinó el cine nacional. El presidente nombró a su hermana como responsable de cultura. Se dejó de apoyar a directores nacional para traer directores extranjeros que realizaban el tipo de cine que le gustaba a Margarita; cine de humor erótico italiano de la época. Los guiones eran de mal gusto, machistas, ridículos y misóginos.

Claro que no todo el cine mexicano de la década de los setenta y ochenta fue malo, pero tristemente sí predominaba el cine de ficheras. Excepciones son las mencionadas de Arturo Ripstein estrenadas en ese tiempo, filmografía de Jorge Fons, Felipe Cazals, Jaime Humberto Hermosillo y vale la pena mencionar “Mariana, Mariana” (1987) de Alberto Isaacs.

Entre eso bueno de la época destaca “El Imperio De La Fortuna”. Adaptación del cuento de Juan Rulfo “El Gallo De Oro”. La historia de un hombre pobre que recibe un gallo de pelea herido para que se lo coma. En cambio, decide cuidarlo y entrenarlo para convertirlo en un gallo de pelea que le empieza a generar una fortuna. Más adelante conoce a La Caponera que se convierte en su talismán de la suerte en las apuestas. El ascenso y descenso de una persona que comienza sin nada para obtenerlo todo y caer desde la cima.

Historia Del Cine Indígena Mexicano

• “Güeros” (2014) de Alonso Ruizpalacios

De todas las mencionadas en esta lista de 7 películas mexicanas está este es el realizador más joven.

Alonso Ruizpalacios es muy disfrutable, creativo y original. Su filmografía todavía sigue creciendo, todavía se puede contar con los dedos de una mano, pero esas películas contadas en el futuro serán los referentes que se mencionara como clásicos de la década. Basta ver “Museo” (2018) y “Una Película De Policías” (2021) para distinguir que ofrece buenas historias contadas de manera interesante.

Ahora cabe aclarar, con esto no estoy diciendo que no existan buenas producciones mexicanas. Al contrario, si el cine mexicano llegó a estar en los ochenta en su peor momento de calidad, ahora estamos en su mejor momento, en términos de calidad técnica, de la historia. Cada año rompemos récord de producciones realizadas y mayormente tienen una calidad cinematográfica muy buena. Pero la razón que está sea mi recomendación es porque el cine mexicano contemporáneo tiende a ser muy pesimista y de una realidad cruda muy pesada.

Son pocas las buenas películas estrenadas en los últimos diez años que no traten de temas de: desaparición, violencia, feminicidios, narcotráfico, desigualdad social y clasismo. No está mal que exista esta clase de cine, de hecho hasta es necesario. Si existe, y los/las cineastas sienten una necesidad de contar esta clase de historias es porque es parte de nuestra historia e identidad. Al final el cine nacional de cada país es un reflejo de su situaciones sociales, culturales y políticas.

Pero una saturación de estos temas puede fatigar al espectador mexicano. Por eso “Güeros” es especial. Es una película donde por una hora cuarenta puedes olvidar tus problemas y acompañar a Tomás y su hermano en un road trip que emprenden en busca de Epigmenio Cruz quien fue el ídolo de su padre. Una historia entretenida y memorable que por momentos rompe con las formas tradicionales de hacer cine sin caer en lo pretencioso.

Las 15 Mejores Películas Mexicanas Contemporáneas

• “Bardo, Falsa Crónica De Unas Cuantas Verdades” (2022) de Alejandro G. Iñárritu

Pretenciosa, mamona y auto-complaciente.

La crítica ya se a encargado de destruir esta obra por el alto nivel de ego que está proyectado por parte de Iñárritu. Es su propio “8½” (1963) de Federico Fellini; la historia de un director de cine documental internacionalmente reconocido que se enfrenta a sus propios temores, angustias y frustraciones que le trae el éxito.

Quitando el contexto del director la obra es una de las películas más hermosas visual y sonoramente de la filmografía mexicana. Me atrevería a decir que conforme pase el tiempo esta película irá teniendo un reconocimiento mayor, al igual que como pasa con muchos grandes clásicos, no sólo de México sino del mundo. El nivel de identidad nacional es increíble. La película muestra los diversos problemas del país; el clasismo, la migración, las desapariciones forzadas, la colonización silenciosa de parte de Estados Unidos. Muestra la manera en la que como mexicanos experimentamos y vemos la muerte. Los traumas vigentes de la conquista española y el asesinato a nuestros dioses. En una de las secuencias el protagonista discute con Hernán Cortés:

— Ahí mismo. En esa esquina – señala Cortés — conocí a Moctezuma.

— No. Ahí mismo. En esa esquina. Nosotros descubrimos Europa.

Las secuencias de la película pasan de una a otra con un realismo mágico; movimiento literario que Alejandro G. Iñárritu adaptó al lenguaje del cine. El artista Salvador Dalí una vez mencionó: “De ninguna manera volveré a México; no soporto estar en un país más surrealista que mis pinturas”. La película representa ese México surreal en un viaje del protagonista que cruza durante su muerte; como un viaje por el Mictlán. Pero no solamente es la experiencia del mexicano en el país, también de la identidad en el extranjero.

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Hacer lista de recomendaciones siempre es complicado, siempre va a haber autores omitidos o reclamación por mencionar más una película de otra. Para esta selección de las 7 películas mexicanas se consideró obras que tengan una buena calidad.

Sin importar el nivel de cinefilia que se tenga puedan ser disfrutadas y que los realizadores sean de origen mexicano; es por eso por lo que no se habló, por ejemplo, de “Los Olvidados” de Luis Buñuel, aunque sea un filme de identidad mexicana que sigue vigente.

Menciones honoríficas de autores que valen la pena revisar su filmografía están Ismael Rodríguez, Roberto Gavaldón, Luis Alcoriza, María Novaro, Alfonso Cuarón, Luis Estrada, Ernesto Contreras, Tatiana Huezo Y Ángeles Cruz. Me gustaría incluir a Guillermo Del Toro en los mencionados, pero su cine nacional se limita a solo una producción; aún así vale la pena ver “Cronos” (1992). Todavía faltan otros tantos por mencionar y quisiera hacer una mención honorífica de la mención honorífica, pero sería un cuento de nunca acabar.  

Espero que estas 7 películas mexicanas sean razón para que el espectador se convenza de que existe, no solamente cine bueno mexicano, sino un cine de un nivel cinema mundial; y para el cineasta mexicano sea una inspiración para seguir creando.

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Esto, y otras preocupaciones más es la que vive el protagonista de “Umberto D” (1952) de Vittorio de Sica para recordarnos que nunca deje de brillar la luz del amor a la vida.

Ladrón De Bicicletas – Reseña

Un poco de contexto sobre “Umberto D” (1952).

La película pertenece a uno de los movimientos cinematográficos más importantes e influyentes de la historia: Neorrealismo Italiano. Surgió durante la etapa final y postguerra de la Segunda Guerra Mundial en Italia. Anteriormente, principalmente en la época del cine mudo, Italia realizaba grandes producciones con temática histórica donde se utilizaban una enorme cantidad de extras y escenarios lujosos. En términos de taquilla las películas estrenadas tenían un buen recibimiento del público; entre las obras que valen la pena ver podemos mencionar “L’Inferno” (1911), “Quo Vadis” (1913) y “Cabiria” (1914).

Esto es importante porque después que Italia perdió la guerra, las consecuencias y heridas llevan a un estado de animó bajo en la ciudad por el mismo desempleo, pobreza y hambruna. Las grandes producciones que alguna vez se llegaron a realizar en el país ahora resultaban económicamente imposibles.

Esto no impidió que el cine decayera, sino que con los recursos a los que se tenía acceso se adaptaron para hacer un cine que representara el sentir y vivir del Italia de la época. Si ya no tenían recursos para construir sets y contratar a extras; salían a la calle, usaban su realidad como escenario. El talento era usualmente no-profesional y representaban al italiano pobre de una clase pobre trabajadora que luchaba con los problemas comunes de la vida. Un ejemplo es “El Ladrón de Bicicletas” (1948) también de Vittorio de Sica; la historia de un hombre que logra conseguir empleo con la condición de que tenga una bicicleta para trabajar. Entonces en su primer día su bicicleta es robada.

Las películas de este movimiento trataban de historias “realistas” que retrataban la cruda realidad que se vivía y respiraba (con pocas excepciones como “El Milagro en Milán” (1951)). Esto trajo un cambio muy importante en la manera de hacer cine. Con la tecnología que hoy existe es más fácil realizar cualquier forma de cine; pero en el contexto de la época salir a la calle a grabar fuera de un estudio resultaba poco común. El neorrealismo demostró que se pueden contar historias conmovedoras y humanas usando la misma realidad de escenario. 

Movimientos posteriores tuvieron una gran influencia en la manera de su realización como lo fue la nueva ola francesa y el nuevo cine latinoamericano; de este último sólo hay que comparar películas como “El Limpiabotas” (1946) con la película argentina “Crónica De Un Niño Solo” (1965).

Cine de Autor VS Cine de Productor

¿De qué trata la película “Umberto D.” (1952)?

Como primera secuencia vemos una manifestación de hombres mayores pensionados exigiendo al gobierno un aumento en la pensión mensual. Las autoridades dispersan la manifestación que entre esas personas se encuentra Umberto con su perro Flike. Entre el grupo de personas mayores con quienes se resguarda Umberto menciona que se conforma con un aumento del 20% para pagar sus deudas a lo cual le contestan que ellos no comparten el problema de las deudas.

Umberto come en un comedor comunitario y de regreso a su cuarto en un departamento podemos ver la situación de Roma; una ciudad en la postguerra que poco a poco se empieza a recuperar de sus heridas.

No cuenta con un patrimonio propio, tampoco a lo largo de la película se llega a mencionar algún familiar o pareja que tenga o haya tenido. Vive únicamente de su pensión por haber trabajado 30 años en el ministerio de obras públicas. Por lo que Umberto es un hombre mayor solitario quien su única compañía es su perro Flike, que como can representa el compañerismo, la lealtad y fidelidad. En una ocasión de la película hasta se llega a mencionar: “Su pensión ni siquiera le alcanza para mantener a su perro”. Otra pequeña amistad que tiene es la joven María que ayuda con el servicio en el departamento quien el confiesa estar embarazada de un soldado.

Cuando llega a lo que puede llamar hogar, una pequeña habitación en un departamento, encuentra a una pareja acostada en su cama. Al reclamarle a la rentera por la invasión de su espacio ella le responde: “Es mi espacio”. A lo que ella le contesta que para finales de mes deberá desalojar el lugar. Es el único espacio a donde Umberto puede ir, por lo que la solución que encuentra a su problema es pagarle a la rentera el mes para que lo deje quedarse ahí, aunque ella a aumentado la renta a una cantidad excesiva.

Umberto vende su reloj y unos libros “con un gran valor sentimental”. Aún no es suficiente para pagar completa su renta. El dinero se convierte en la causa y solución a sus problemas. A esto se le añade una tos que le a provocado unos puntos blancos en la garganta. Es entonces que pide ser llevado al hospital dejando a su perro a cargo de María. Después de un par de días regresa para encontrar que la rentera a dejado escapar a Flike y que su habitación está siendo remodelada. Umberto va en busca de su perro a la perrera donde logra encontrarlo. Cuando regresa a la habitación hay un hoyo en la pared, María le dice que es porque la señora está buscando ampliar la habitación y al ver la expresión de Umberto le pregunta si está bien:

— Estoy cansado – le responde

— ¿De la señora?

— Cansado de todo un poco.

Esa misma noche Umberto ve por la ventana de la habitación y un pensamiento cruza por su cabeza al ver el tranvía pasando; el suicidio.

La Vida Ante Sí – Reseña

Cuando lo pierdes todo ya no tienes que perder.

“Umberto D”. es una película de un golpe crudo de realidad. Aunque en términos dramáticos es de trama sencilla, pero que nos recuerda los problemas humanos de las deudas, pobreza, enfermedad, soledad y la vejez.

En la leyenda del líder religioso del budismo, Siddhartha Gautama; esté era un príncipe que lo tenía todo en la vida. Su padre, el rey, se había encargado que dentro del palacio tuviera todas las comodidades del mundo para que jamás tuviera la necesidad de abandonarlo. Curioso el príncipe escapa del palacio y se encuentra con tres cosas que lo impactan profundamente: un anciano, un enfermo y un cadáver. Estas tres visiones lo marcan para toda su vida porque entiende que son los tres destinos que esperan a todo ser humano y son la base de la primera de las cuatro nobles verdades (Dukkha). La vida en el mundo condicionado está marcada por el sufrimiento, el insatisfactorio y la incompletitud. Este sufrimiento incluye el dolor físico y emocional, así como el sufrimiento que proviene del cambio y la impermanencia.

La película, seguramente de una manera inintencionada, representa el sufrimiento y la pesadez de la vida. Nos recuerda esas tres visiones que tuvo el joven príncipe de la cual nadie puede escapar. El protagonista comienza con pocas cosas materiales y termina con solamente lo que lleva puesto.

Hay algo que reconocer al protagonista y es su carácter como caballero que nunca pierde en la película. En un momento de desesperación ve a un vagabundo que mendiga en la calle. Trata de imitarlo, pero cuando la primera persona extiende un billete finge que no estaba pidiendo dinero sino observándose la mano. Se encuentra con dos antiguas amistades; a la primera le insinúa que necesita dinero y a la segunda ni siquiera lo menciona. Aún en su posición en ningún momento baja la postura.

Su principal preocupación es Flike su fiel compañía. Después que observa el tranvía pasar, voltea a ver a su mascota quien duerme profundamente. Abandonando el departamento con todas sus pertenencias, que todas caben en un maletín, viaja lejos en el tranvía hasta un hostal de perros donde ofrece todo su dinero y pertenencias a cambio de dejar a Flike. Pero este se muestra intimidado por los otros perros y decide no dejarlo ahí.

Es entonces que llega a un parque donde muchos infantes juegan y corren. Ofrece su mascota a una niña y como último intento lo abandona en el parque, pero este lo vuelve a encontrar. Aquí es cuando llega el momento más dramático de la película. Umberto toma a Flike en sus brazos dispuesto a saltar al tranvía. El perro se asusta al ver pasar el tranvía y huye de Umberto quien piensa su situación. Sigue a su mascota y empieza a jugar con él en el parque corriendo y haciéndolo saltar igual que los niños del parque.

El Jardín De Los Finzi–Contini – Reseña

El final de «Umberto D» es abierto y es el espectador quien construye el destino del personaje. Como hemos mencionado es una película de temática pesada, de hecho, en su país fue mal recibida por el público porque recordaba la situación que pasaba muchos de los italianos de la época.

Incluso el subsecretario de entretenimiento del país condenó la película por la mala imagen que ofrecía de Italia en la postguerra. En el extranjero en cambio fue muy bien recibida y con el paso del tiempo se a posicionado como una de las más importantes películas del neorrealismo italiano.

No es una obra pesimista. Simplemente retrata la realidad y está en ocasiones puede ser cruda. Tampoco romantiza la vida, como muchas otras películas, incluso de nuestros tiempos, donde el héroe de la historia tiene un final feliz. Aunque en la escena final vemos al protagonista jugando con su perro, sus problemas no quedaron solucionados e incluso se encuentra en una peor posición de cuando inicia la película. Por ahí va el mensaje de la obra.

La vida está llena de problemas y situaciones, estas son inevitables. Entonces, ¿qué nos queda por hacer cuando perdemos todo? Reír y jugar. Pase lo que pase, que esa luz de vida no deje de brillar.

Ladrón De Bicicletas: La Verdadera Realidad – Opinión

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Somos un equipo de cinéfilos y cineastas especializados en crítica de cine. Puedes leer más artículos sobre películas y series en CinReservas.

Olaf Viana

Cuenta con una maestría en Cine Latinoamericano y Caribeño. Cinéfilo apasionado, ha dado clases y conferencias sobre diferentes áreas del cine.

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La entrada Umberto D. (1952): Que Nunca Deje De Brillar La Luz – Crítica se publicó primero en CinReservas.

Es muy curioso, pero el amor es uno de los temas favoritos del ser humano. No solamente en el cine en películas como «Her» (2013), otro ejemplo es la música donde la variedad crece cada día. Es un exponente que no va a parar. Es una sensación universal agradable que cada uno a su manera la ha experimentado.

Ahora cuando hablamos de amor nos referimos a todas sus formas y no exclusivamente del romántico; el propio, a un amigo, a un familiar, etc. De manera sentimental se trata de una fuerza poderosa inexplicable. Pero hablando de una manera más científica tiene mucho que ver que como seres humanos seamos mamíferos de sangre caliente; somos seres sociables y tenemos una necesidad de dar y recibir afecto. La carecía de este nos afecta psicológicamente en la autoestima. Cuando nos falta ese cariño nos sentimos solos, incomprendidos, tristes y melancólicos. Que es de lo que va el tema principal de este escrito representado en la película de «Her» (2013) del director Spike Jonze.

Las 10 Mejores Películas De Ciencia Ficción

«Her» es una obra de ciencia ficción que nos presenta una ciudad de primer mundo con elementos muy sutiles (vestuario y arquitectura que no pasan de moda) para referirnos a un futuro en una fecha ambigua, pero posible.

Antes de adentrarnos más en la película, un dato interesante, es que el guion de esta obra viene de una investigación que el mismo director hizo. Antes de esta película realizó un cortometraje titulado «I’m Here» (2011), que trata de un mundo “cotidiano” donde existen los humanos y los robots. La historia sigue a Sheldon, un robot ordinario, quien un día conoce a Francesca, un robot más libre que lo hace salir de su zona de confort y de quien se enamora. El cortometraje trata sobre el enamoramiento y hasta donde llegamos a sacrificar parte de nosotros por amor. Este cortometraje se presentó como parte del proyecto the creators project en Londres, Nueva York, Sao Paulo, Seúl y Beijing; al finalizar se hacían preguntas a los espectadores sobre qué pensaban del amor y las relaciones.

Ya hablando de «Her», la película habla de la necesidad de buscar un amor ideal; comprensible, compatible y “real”. La mirada del filme es masculina, es una representación sobre cómo los hombres viven el duelo de una ruptura y la soledad que sienten. De esto hay estudios sobre cómo al terminar una relación, a primer momento, la mujer es quien sufre más la ruptura a comparación del hombre. Conforme avance el tiempo el hombre es quien tarda más en soltar ese sentimiento de ruptura. En cambio, la mujer con el paso del tiempo es más fácil que la supere y encuentre una nueva pareja.

Está es la situación de Theodore; un escritor de un futurista Los Ángeles que escribe cartas sentimentales bajo pedido. Ha pasado tiempo desde que terminó su larga relación con Catherine, pero él se encuentra en una posición solitaria. Tiene un buen trabajo, en un departamento bien colocado, pero hay esa sensación que falta algo. Es cuando compra un sistema operativo que se nombra Samantha; una inteligencia artificial que demuestra una personalidad, inteligencia y “emociones” humanas.

Her – Reseña

Haciendo un contexto sobre la inteligencia artificial.

Aunque actualmente es un tema que está tomando una curva de crecimiento exponencial cada vez más drástica. Todo esto comienza desde la década de los treinta y cuarenta del siglo pasado con Alan Turing como el padre de la teoría de la computabilidad. En 1950 publica un artículo titulado “¿Puede una máquina pensar?” donde propone la prueba de Turing. Está consciente en un interrogatorio entre una persona y una computadora. La persona tiene que determinar si las respuestas dadas en la pantalla pertenecen a una persona o un computador.

En 2011, que fue cuando se estrenó el cortometraje de «I’m Here», una computadora de IBM ganó un concurso de Jeopardy! contra un ser humano. Después en 2014, un año después del estreno de «Her», con el programa Eugene una computadora superó la prueba de Turing. Hoy en día es cuestión de abrir la aplicación de Whatsapp y usar su MetaAI (MetaIA) para ver hasta dónde ha llegado la Inteligencia Artificial.

En la película Theodore encuentra una compañía agradable en Samantha, quien responde e interactúa de manera personalizada hacia él. Es así como descubre que en esta inteligencia artificial hay menos presión y más confort que con las relaciones humanas; estas pueden ser contradictorias, confusas y complejas. Esta compresión y atención que Samantha le brinda hace que se enamore de ella. Aquí empieza a tener una especie de relación con el sistema operativo, donde sale en citas con ella, se la presenta a amistades y llega el punto donde tienen relaciones íntimas.

Aquí pasa algo interesante en la película, hay que recordar que uno de los temas es la soledad del hombre, cuando vemos estas secuencias Theodore se muestra feliz, pero, si quitamos el audio nos damos cuenta de que siempre se encuentra solo. Este amor que siente por Samantha es idealizado y no material.

El hecho que el ser humano se enamore de objetos inanimados que ve como algo real no es nuevo. Uno de los ejemplos más antiguos es el mito de Pigmalión, un escultor que se enamora perdidamente de una de sus obras. La película «Lars And The Real Girl» (2007) trata de un hombre que empieza a sufrir un delirio y desarrolla una relación afectiva con una muñeca inflable. Por último, podemos mencionar el caso de Akihiko Kondo quien contrajo matrimonio con un holograma de Hatsune Miku, y es uno de miles de casos reales actuales.

Aquí, en la película de «Her» (2013) entra un debate muy interesante sobre si el amor de Theodore es real. Lo que siente él es totalmente puro y sincero. ¿Pero es sano y correcto?

Esto es lo que plantea Catherine a Theodore cuando se encuentran para firmar los papeles de divorcios y él le cuenta que está teniendo una relación con un sistema operativo. Las dudas de Theodore sobre la relación con Samantha empiezan a surgir y llegan a su punto dramático máximo cuando no logra comunicarse con ella porque se está actualizando. De la desesperación sale corriendo a la calle hasta que recupera conexión con ella. Es ahí donde se da cuenta que no es la única persona que utiliza el sistema operativo y hasta la inteligencia artificial le confiesa que está conectada con cientos de personas y se ha enamorado de varios de ellos. Al final de la película Theodore se despide de Samantha, quien migra a “otro sitio”. Es un hombre totalmente diferente al inicio de la película y más maduro por el aprendizaje de toda la experiencia.

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Regresando a las relaciones con Inteligencia Artificial ¿Esto qué problemas puede provocar en el mundo real?

A primera instancia la idealización en la búsqueda de una pareja. Los estándares suben y el hecho que la Inteligencia Artificial pueda aprender de ti para modelarse a tus necesidades haciéndote sentir comprendido. Está película se estrenó hace poco más de una década, pero ya es una realidad que está sucediendo a una escala global. Aplicaciones como Digi AI que te permiten interactuar con una “novia” que puedes personalizar, o también podemos ver este TikTok de una mujer que platica como experimento con MetaAI para que este le conteste como si fuera su novio.

Está película no es la primera que explora el tema de la inteligencia artificial. El personaje más icónico, me atrevería a decir que hasta el más importante, de la historia del cine es Hal 9000 de «2001: Una Odisea Espacial». Pero el acercamiento que tiene sobre las relaciones humanas y las preguntas filosóficas que despierta sobre: ¿qué es el amor?

La hace una película única, humana y que conecta por experiencias tan universales como lo es una ruptura amorosa. Representa muy bien cómo es la experiencia de una ruptura masculina y esa búsqueda por sentir amor. Al final, como mencionaba al principio, somos seres humanos que necesitamos cariño.

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Bibliografía

Abid, A. (2023, julio 17). El amor en los tiempos de la inteligencia artificial. Deutsche Welle. https://www.dw.com/es/el-amor-en-los-tiempos-de-la-inteligencia-artificial/a-66258688

¿Realmente los hombres superan los rompimientos más rápido que las mujeres? (s/f). Psychology Today. Recuperado el 9 de agosto de 2024, de https://www.psychologytoday.com/es/blog/realmente-los-hombres-superan-los-rompimientos-mas-rapido-que-las-mujeres

Se casó con un holograma y ahora quedará viudo por una actualización de software. (2020, enero 9). La Tercera. https://www.latercera.com/que-pasa/noticia/se-caso-holograma-ahora-quedara-viudo-una-actualizacion-software/967334/

sevenoaks [@sevenoaks77]. (s/f). The making of “I’m here” – spike jonze. Youtube. Recuperado el 9 de agosto de 2024, de https://www.youtube.com/watch?v=3qtpX0u6U1M

Vázquez, K. (2023, julio 7). Enamorarse, sufrir, flirtear: así transforma la inteligencia artificial nuestras relaciones. Ediciones EL PAÍS S.L. https://elpais.com/ideas/2023-07-07/enamorarse-sufrir-flirtear-asi-transforma-la-inteligencia-artificial-nuestras-relaciones.html

Olaf Viana

Cuenta con una maestría en Cine Latinoamericano y Caribeño. Cinéfilo apasionado, ha dado clases y conferencias sobre diferentes áreas del cine.

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Estas son algunas preguntas que nos hacemos al reflexionar alrededor de dos películas ubicadas en un mismo período histórico y que ambas denuncian el trato inhumano ejercido por figuras dictadoras: “Hei Tai Yang 731” (1988), también conocido como “Los Hombres Detrás Del Sol”, del director Mou Tun-fei y “Zona De Interés” o «The Zone Of Interest» (2023) de Jonathan Glazer.

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Ambas obras suceden durante la segunda guerra mundial y los crímenes perpetrados pertenecen a potencias del eje que son Japón y Alemania.

“Los Hombres Detrás Del Sol” trata sobre el escuadrón japonés 731, una unidad de experimentación con prisioneros con el objetivo de desarrollar armas biológicas que pudieran usarse durante la guerra. Estos campos secretos están ubicados en el distrito Harbin al noreste de China. Está es una película popular dentro del cine mórbido y controversial. Ha sido prohibida en diversos países de todos los continentes, y no por una censura política, sino por su contenido (cuestionable) explícito. Las imágenes son de una calidad muy cruda y nada recomendable para un público sensible. Para este análisis vamos a dejar a un lado el morbo para centrarnos en la denuncia de los crímenes de guerra que se cometieron.

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La película inicia con jóvenes soldados japoneses que han sido reclutados en el Cuerpo Imperial de la Juventud. Son enviados a la unidad 731 que es encabezada por el doctor Shirō Ishii que experimenta con prisioneros chinos y rusos. El objetivo es crear un arma bioquímica con la plaga bubónica.

Es importante resaltar el grado de inocencia con el que llegan estos jóvenes. Un leitmotiv visual de la obra que representa esta “inocencia” es una pelota. Uno de los soldados lleva una pelota que le regaló su hermano; símbolo de su familia, amor y hogar. Su superior se la quita y la arroja al otro lado de una cerca electrificada del campo. El lazo personal entre el soldado y el objeto lo motiva a ir de noche en busca de la pelota. Pasando por debajo de la cerca la recupera, pero es confundido por un guardia que empieza a disparar. Él al huir choca contra la cerca y muere electrocutado. Este es el primer ejemplo que expone la película de cómo los soldados se tienen que despojar primero de su inocencia. Más adelante será su conciencia y moral; no solamente por estar bajo órdenes, sino como supervivencia física y psicológica.

Más adelante tenemos una escena donde una mujer es amarrada con los brazos extendidos en la intemperie. La temperatura es extremadamente baja y la torturan constantemente vertiendo agua en sus brazos por horas hasta que quedan congelados. Después la llevan al laboratorio, los jóvenes soldados están ahí para presenciar el experimento de quebrar sus brazos de un golpe como si fueran hielo. La reacción de los soldados es de disgusto y repulsión, pero son obligados a mantenerse firmes y sobre todo indiferentes ante la situación. 

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Este tipo de tortura, cada vez más atroz e inhumano, se repiten durante toda la película.

Es interesante notar cómo entre más grandes de edad sean los personajes más se despojan de todo sentimiento de compasión y viven con una indiferencia ante los crímenes. Primero tenemos a estos jóvenes soldados que están siendo adoctrinados a vivir con frialdad, después tenemos a los doctores, comandantes y directores de la unidad que son quienes dirigen y llevan a cabo todos los experimentos. Por último tenemos a una persona mayor encargada de la sala de cremación donde su trabajo es cortar e incinerar los cadáveres de los experimentos. De este último personaje se puede mencionar que su forma de lidiar con el estrés psicológico es por medio del alcohol. Todo el tiempo en pantalla se encuentra ebrio; de esa manera puede bailar y cantar al mismo tiempo que ignora su situación inhumana.

Los soldados son adoctrinados a esta indiferencia por medio de violencia física y psicológica.

Hay una escena en un baño donde están los jóvenes junto con prisioneros chinos desnudos. Les preguntan a los soldados qué son y a todo aquel que responde “hombres chinos” es golpeado como castigo. Su superior les dice: “Son leña para el fuego o para hacer ataúdes. Material para experimentos”. Acto seguido les ordenan matar a golpes a uno de los prisioneros. Aquí podemos ver como son enseñados a tratar a los prisioneros, no como seres humanos, sino como objetos.

Otra secuencia que refleja cómo está crueldad tiene una horrible indiferencia hasta con la inocencia infantil. Después del incidente del joven raso que muere electrocutado recuperando su pelota. A los pocos días los soldados ven a un niño jugando con una pelota del otro lado de la cerca. Los persiguen para quitarle la pelota, pero descubren que se trata de una diferente a la de su amigo. Ocasionalmente vuelve a aparecer este personaje que llega a jugar con uno de los soldados. Un día, ese mismo soldado, recibe la orden del doctor que traiga a la persona más joven que pueda encontrar. Ignorando la razón le trae al niño que continuamente juega del otro lado de la cerca. Esto resulta en una de las escenas más desagradables y grotescas del filme; el niño es sedado para realizarle una autopsia donde le roban los órganos. El soldado que lo entregó al darse cuenta de sus actos entra en un estado de estrés y culpa.

La película está llena de escenas con actos crueles e inhumanos que no vale la pena describir porque repiten esta misma cuestión, ¿hasta dónde es capaz de llegar la crueldad humana al punto de deshumanizarnos de nuestra conciencia moral?

“Los Hombres Detrás Del Sol” es una película controversial por su contenido extremadamente explícito que trata sobre la deshumanización. Ahora analizando “Zona De Interés” nos encontramos que es una película que toca los mismos temas, pero con un acercamiento totalmente opuesto.

“Zona De Interés” trata sobre la familia nazi Hoss, que viven en un pequeño edén construido a un lado de un campo de concentración. El protagonista está basado en el comandante Rudolf Höss. A diferencia de otras películas que tocan el tema de la segunda guerra mundial y la situación de los judíos en ese período, lo interesante es que nunca muestran visualmente ningún acto de violencia en pantalla. Todo está del otro lado del muro. La familia se encuentra en el lado seguro y feliz donde nada carece. Hay patios y jardines amplios para que los niños jueguen y una tierra nutriente donde se pueden cosechar sus propias verduras. Todo esto al costo del trabajo de Höss que consiste en pensar formas más rápidas, prácticas y efectivas de exterminar a más judíos en menos tiempo. La indiferencia que llegan a tener todas estas personas, que no solamente implica a los soldados sino también a sus esposas, llega a ser aterradora.

En una de las primeras secuencias de la película llevan un paquete de ropa; entre las mujeres se reparten ropa de bebé mientras que Hedwig Höss se prueba un elegante abrigo. Lo espeluznante de la situación es que la ropa pertenecía a judíos que llegaron al campo de concentración. Toda esta situación se vuelve más angustiante cuando Hedwig se prueba un labial que estaba en el saco y de fondo escuchamos disparos junto con gritos de dolor.

El audio en esta película tiene una importancia esencial y además funciona como elemento narrativo para demostrar la indiferencia de los personajes.

Si vemos la película de manera muda no te percatas de ninguno de los crímenes que se cometen en la obra, porque así es cómo los nazis lo experimentaban. Es en el sonido donde constantemente podemos escuchar su conciencia de todos los crímenes que cargaban. En el sonido ambiental de las secuencias dentro de su pequeño edén donde viven, hay un sonido incómodo y pesado que siempre está presente. De manera literal es el sonido de la cámara de gas constantemente trabajando. De manera metafórica es la conciencia turbia con la que viven que siempre está presente y no tienen otro remedio más que ignorarla.

Una de las secuencias más aterradoras se trata de un primer plano de Rudolf Höss, está sumido en sus pensamientos, en el fondo vemos humo, posiblemente de un tren, en el audio hay gritos de infantes y adultos aterrados. Se escuchan gritos, llantos y violencia que nunca vemos, no dejamos de ver el rostro de Höss. Este plano podemos interpretarlo como la indiferencia con la que ve sus actos donde básicamente su falta de empatía hace que no vea las atrocidades. Vive con una conciencia de violencia e inhumanidad normalizada.

Full Metal Jacket – Reseña

Ahora, la película de igual forma expone los privilegios en los que viven la familia nazi, ¿pero a qué costo?

En una secuencia la madre de Hedwig llega de visita. Le presentan todo el “hogar perfecto” en el que viven y que Hedwig ha diseñado personalmente. Es la casa de sus sueños, un hogar seguro y perfecto donde los hijos pueden crecer de manera sana. En un lado los niños juegan en una pequeña alberca con tobogán, mientras del otro lado está la cámara de gas que constantemente expulsa humo. Hedwig se sienta en su jardín junto con su madre, le dice riendo que hay gente que la llama “La Reina de Auschwitz”.

La madre sí es un personaje que muestra un pesar moral ante el campo de concentración. Lo podemos ver porque no soporta más de un día. Durante la noche la cámara de gas trabaja a su máxima capacidad, por las ventanas de las habitaciones entra un color rojo infierno pintado por las llamas de las chimeneas, a esto se les suma los gritos de horror de las víctimas. Es imposible ignorar el horror que ocurre. La madre no es la única; la institutriz en su habitación no puede dormir y emborrachándose para ignorar la realidad. Al día siguiente Hedwig encuentra una carta de su madre que huye del lugar.

Por su lado Hedwig decide ignorar la realidad de la crueldad inhumana que se vive en el campo de concentración, porque eso implicaría perder ese pequeño edén en el que vive.

De Rudolf podemos hablar también de una indiferencia psicológica que va desarrollando haciéndolo incapaz de sentir empatía por otros seres humanos. La escena que sirve de ejemplo del distanciamiento psicológico son las secuencias de la fiesta. Ahí Rudolf se muestra distante con los demás invitados, absorto en sus pensamientos. Más adelante se aleja de la multitud y la observa desde un balcón. En la siguiente secuencia sabemos lo que pensaba. Llama a su esposa a quien le dice: “A decir verdad, no estaba prestando atención. Estaba ocupado imaginando cómo gasearía a todos en la habitación. Sería muy difícil, logísticamente, por la altura del techo”.

Por último tenemos una secuencia final que está abierta a interpretaciones. Rudolf baja por unas escaleras donde cada piso va tornándose más oscuro cuando empieza a sentir náuseas por visiones del futuro donde los campos de concentración son un museo de las víctimas. 

La Noche De Los Generales – Reseña

Las películas comparten varias similitudes.

Una importante es el contexto cultural de los directores con las historias. Mou Tun-fei es de origen chino al igual que algunas de las víctimas de la película y Jonathan Glazer es judío. Por lo que podemos decir que hay una mirada y voz que pertenece culturalmente a las víctimas. Ambas exponen crímenes de lesa humanidad de donde podemos reflexionar la pregunta; ¿Por qué si los soldados sabían lo que hacían y pasaba, no hacían nada?

Durante los juicios de Nuremberg en defensa de los nazis era que ellos sólo seguían órdenes. ¿Es válido el argumento? ¿Hasta qué punto el patriotismo de un país permite estos crímenes? A partir de esos juicios se crearon los tipos de crímenes contra la humanidad. Sobre todo “Zona De Interés”, además de exponer el cinismo de los nazis, nos invita a reflexionar sobre el presente.

¿Estamos repitiendo situaciones en la actualidad? ¿Cómo esto se traduce a las guerras actuales? Películas para revolver el estómago y reflexionar sobre una conciencia social.

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Les compartimos el siguiente ensayo sobre la historia del cine indígena mexicano para comprender su valor e importancia cultural en nuestra cinematografía.

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• Antes del Nuevo Cine Latinoamericano (1896-1969)

La primera representación de cine indígena mexicano es de una vista de Gabriel Veyre, enviado por los hermanos Lumière, titulada “Desayuno de indios” (1896). Más adelante el documentalista Salvador Toscano, quien registraría los sucesos más importantes durante la revolución mexicana, hace un pequeño corto documental titulado “Casamientos de indios en Zapotlán” (1907). “Tepeyac” (1917) de Carlos E. González trata sobre el mito de la aparición mariana a Juan Diego.

La mirada del filme es totalmente colonial y cristiana. Tenemos a comunidades aztecas durante la época de evangelización en México que son representadas como salvajes y bárbaros, pero una vez evangelizados los indígenas se vuelven sumisos y obedientes; “buenas personas ante los ojos de dios”.

Desafortunadamente, la mayor parte del cine mudo está extraviado.

Por lo que solamente tenemos registros en textos sobre obras como “De raza azteca” (1921), “El indio yaqui” (1926) y “Raza de bronce” (1927), todas dirigidas por Guillermo “Indio” Calles.

El director ruso Sergei Eisenstein dirigió la película “¡Qué viva México!” (1932), obra que nunca concluyó ni pudo editar, habiendo diversas versiones de lo que pudo haber sido su película. En el capítulo de Sandunga aparecen las tierras de Tehuantepec, Oaxaca; capturando a la comunidad indígena que vive ahí. Siendo la primera representación de indígenas originales sin direcciones o siendo representados por actores. “Janitzio” (1935) de Carlos Navarro y “El Indio” (1938) de Armando Vargas de la Maza son películas que comparten a un indígena como protagonista en producciones melodramáticas que empezaban a fomentar el estereotipo del indígena como ignorante, supersticioso, irracional e ingenuo.

Esto no cambió mucho durante la década de los cuarenta.

Importantes películas de ese periodo tenían representaciones de personajes indígenas como lo son “María Candelaria” (1944), “La Perla” (1947) y “Maclovia” (1948); todas de Emilio “El Indio” Fernández. Con Gabriel Figueroa detrás de la cámara la época de oro creaba una iconografía de identidad nacional. Aunque para las comunidades indígenas las representaciones no eran del todo fieles. Un ejemplo es “Lola Casanova” (1949) de Matilde Landeta; cuenta la historia de una mujer burguesa que termina siendo rehén de la comunidad de los Seris y termina enamorándose de uno de ellos siendo su amor lo que une ambos mundos. En la película vemos una ceremonia de baile junto a una fogata, que fue interpretada por el ballet nacional, haciendo unos bailes que no tienen nada que ver con sus tradiciones.

La película más importante, dentro del contexto indígena, de la década de los cincuentas fue “Raíces” (1954) de Benito Alazraki. Es una antología de breves historias que retratan las condiciones e injusticias que sufren las comunidades indígenas. Ya no es un melodrama trágico sino un acercamiento más real a su situación de vida.

La década de los sesenta fue un periodo importante para el cine nacional.

Títulos con un patrimonio hacia la humanidad fueron estrenados y tuvieron reconocimiento internacional. “Macario” (1960), “Yanco” (1961) y “Ánimas Trujano” (1962) son uno de los más grandes títulos que México ha producido. Pero en representación de pueblos indígenas continuaban siendo presentados con los mismos estereotipos que llevaban décadas fomentando. Talentos de gran nivel y reconocimiento como Ramón Navarro, Dolores del Río, Pedro Armendáriz, María Felix, Pedro Infante, Ignacio López Tarso y hasta Toshiro Mifune llegaron a interpretar papeles indígenas siendo que ninguno tenía orígenes étnicos.

Posiblemente la película que más rompió con lo establecido fue “Tarahumaras o cada vez más lejos” (1965); trata de un antropólogo que descubre que los tarahumaras están siendo despojados de sus tierras injustamente y el aboga por ellos. La película trata del problema de la impunidad y corrupción que se aprovecha del analfabetismo de las comunidades.

• Nuevo cine latinoamericano (1970-2000)

Aunque a nivel latinoamericano el nuevo cine latinoamericano, y el cinema novo en Brasil, ya habían comenzado una década atrás.

Fue hasta los setentas que el cine mexicano se alejó de un modelo de producción parecido al de la época del cine de oro a uno de autor y temas de conciencia social.

“Los que viven donde sopla el viento suave” (1975) de Felipe Cazals recolecta varios testimonios sobre la vida de los Seris. En “Chac, el dios de la lluvia” (1975) hay una ruptura enorme en la manera de producir películas de ficción; además que representa de manera fiel la cosmovisión Maya utilizando a personas de la misma comunidad y no actores profesionales. La película trata sobre una sequía que azota a una comunidad que decide pedirle ayuda a un brujo. Este prepara todo un ritual en el que termina él sacrificándose como ofrenda a los dioses. Cuando su cuerpo cae al cenote empieza a llover.

Otra película relevante de la década fue “Etnocidio: notas sobre el Mezquital” (1977) de Paul Leduc; un documental que también presenta los problemas que sufren el pueblo otomí, pero a diferencia del de Felipe Cazals hay una propuesta de contar la historia por medio del abecedario que va de la A a la Z; cada letra es una palabra que presenta un enfoque distinto de su situación y cultura haciendo así un documental que muestra la situación desde distintas perspectivas.

La década de los ochentas para el cine mexicano sufrió una caída en calidad de sus producciones y guiones.

En cuanto al cine indígena hubo muy pocas producciones, entre las que se pueden mencionar están; “Teat Monteok, El cuento del Dios del Ray” (1985) y “Una boda antigua” (1985) de la directora Elvira Palafox Herranz y “La vida de una familia Ikoods” (1987) de Teófila Palafox.

Ya en los noventas el cine mexicano tuvo un nuevo renacer en calidad de historias y producciones que se llamó la nueva ola de cine mexicano.

De las producciones de esa ola destaca “Regreso a Aztlán” (1991) y “Cabeza de Vaca” (1991) que están ambientadas en el tiempo de la conquista. Un evento histórico importante en México fue el levantamiento del Ejército Zapatista de Liberación Nacional que entre sus objetivos está el defender el idioma, organización política y derechos colectivos e individuales de los pueblos indígenas. Documentales que registraron esté evento político fueron “El sexto sol: alzamiento maya en Chiapas” (1995), “Las compañeras tienen grado” (1995), “Un lugar llamado Chiapas” (1998) y “Zapatista” (1999).

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• Indígena en el nuevo milenio (2001-2022)

“Erendira Ikikunari” (2006), es una película de época que narra la leyenda de una mujer purépecha que en tiempos de la conquista se rebela contra los españoles. Presenta un aspecto histórico poco contado u olvidado por la sociedad mexicana. Tal como la figura heroica de una mujer durante la llegada de los españoles y el impacto de la conquista en el pueblo purépecha.

“Los Herederos” (2008) es un documental que retrata la vida de varios niños de diferentes áreas rurales que trabajan en el campo. El documental carece de una narrativa tradicional al no haber entrevistas que hablen a la cámara o una problemática que se explora, sino es una cámara que observa de manera omnipresente y silenciosa la vida de estos niños.

En esta última década la comunidad de huicholes ha sido representada en varias producciones.

En el mismo año se estrenaron los documentales “Eco de las montañas” (2014) y “Huicholes: Los últimos guardianes del peyote” (2014). El primero sigue la historia de Santos de la Torre, un artista de murales. Durante la película realiza el viaje a la Wirikuta para pedirle inspiración a los dioses para un nuevo mural. Ambos documentales ilustran la historia, mitología y tradiciones religiosas del pueblo huichol. En ficción tenemos “El sueño de Mara’kame” (2016) que es la historia de un joven que está destinado a convertirse en un Mara’kame -un chamán- y debe vivir un viaje espiritual para entender y encontrar su identidad.

De las menciones más importantes de está década está “Sueño en otro idioma” (2017) de Ernesto Contreras. El protagonista de está película está investigando una lengua indígena casi extinta que sólo pueden hablar dos viejos que están peleados entre ellos por un triángulo amoroso que tuvieron en su juventud. La película también aborda temas de homosexualidad y además crea una enorme conciencia en la lucha por la conservación de lenguas indígenas.

“Nudo/Mixteco” (2022) es una película dirigida por Ángeles Cruz que cuenta la historia de varias personas que después de mucho tiempo de haberse ido del pueblo donde nacieron regresan para enfrentarse con heridas personales y sentimiento de culpa que cargan. Un aspecto interesante de la película es el uso del tiempo no lineal que entrecruzan las historias. También dos de sus personajes que protagonizan una de las historias son lesbianas, dándole visibilidad a mujeres homosexuales dentro de esas comunidades. Otro punto es el uso de actores no profesionales que participan en la obra. Fuera de los papeles protagónicos que sí son actores profesionales, la comunidad del pueblo es gente real que vive en ese lugar.

También nos muestran sus costumbres y la manera colectiva de tomar decisiones. La película es una mirada de mujer, que rompe con la narrativa tradicional, que además de darle una representación a una comunidad indígena también visualiza a gente LGBT+, haciendo así que tenga un valor único en la representación.

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«Historia Del Cine Indígena Mexicano» escrito por Olaf Viana para CinReservas.

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Olaf Viana

Cuenta con una maestría en Cine Latinoamericano y Caribeño. Cinéfilo apasionado, ha dado clases y conferencias sobre diferentes áreas del cine.

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