Les compartimos el siguiente ensayo sobre la historia del cine indígena mexicano para comprender su valor e importancia cultural en nuestra cinematografía.

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• Antes del Nuevo Cine Latinoamericano (1896-1969)

La primera representación de cine indígena mexicano es de una vista de Gabriel Veyre, enviado por los hermanos Lumière, titulada “Desayuno de indios” (1896). Más adelante el documentalista Salvador Toscano, quien registraría los sucesos más importantes durante la revolución mexicana, hace un pequeño corto documental titulado “Casamientos de indios en Zapotlán” (1907). “Tepeyac” (1917) de Carlos E. González trata sobre el mito de la aparición mariana a Juan Diego.

La mirada del filme es totalmente colonial y cristiana. Tenemos a comunidades aztecas durante la época de evangelización en México que son representadas como salvajes y bárbaros, pero una vez evangelizados los indígenas se vuelven sumisos y obedientes; “buenas personas ante los ojos de dios”.

Desafortunadamente, la mayor parte del cine mudo está extraviado.

Por lo que solamente tenemos registros en textos sobre obras como “De raza azteca” (1921), “El indio yaqui” (1926) y “Raza de bronce” (1927), todas dirigidas por Guillermo “Indio” Calles.

El director ruso Sergei Eisenstein dirigió la película “¡Qué viva México!” (1932), obra que nunca concluyó ni pudo editar, habiendo diversas versiones de lo que pudo haber sido su película. En el capítulo de Sandunga aparecen las tierras de Tehuantepec, Oaxaca; capturando a la comunidad indígena que vive ahí. Siendo la primera representación de indígenas originales sin direcciones o siendo representados por actores. “Janitzio” (1935) de Carlos Navarro y “El Indio” (1938) de Armando Vargas de la Maza son películas que comparten a un indígena como protagonista en producciones melodramáticas que empezaban a fomentar el estereotipo del indígena como ignorante, supersticioso, irracional e ingenuo.

Esto no cambió mucho durante la década de los cuarenta.

Importantes películas de ese periodo tenían representaciones de personajes indígenas como lo son “María Candelaria” (1944), “La Perla” (1947) y “Maclovia” (1948); todas de Emilio “El Indio” Fernández. Con Gabriel Figueroa detrás de la cámara la época de oro creaba una iconografía de identidad nacional. Aunque para las comunidades indígenas las representaciones no eran del todo fieles. Un ejemplo es “Lola Casanova” (1949) de Matilde Landeta; cuenta la historia de una mujer burguesa que termina siendo rehén de la comunidad de los Seris y termina enamorándose de uno de ellos siendo su amor lo que une ambos mundos. En la película vemos una ceremonia de baile junto a una fogata, que fue interpretada por el ballet nacional, haciendo unos bailes que no tienen nada que ver con sus tradiciones.

La película más importante, dentro del contexto indígena, de la década de los cincuentas fue “Raíces” (1954) de Benito Alazraki. Es una antología de breves historias que retratan las condiciones e injusticias que sufren las comunidades indígenas. Ya no es un melodrama trágico sino un acercamiento más real a su situación de vida.

La década de los sesenta fue un periodo importante para el cine nacional.

Títulos con un patrimonio hacia la humanidad fueron estrenados y tuvieron reconocimiento internacional. “Macario” (1960), “Yanco” (1961) y “Ánimas Trujano” (1962) son uno de los más grandes títulos que México ha producido. Pero en representación de pueblos indígenas continuaban siendo presentados con los mismos estereotipos que llevaban décadas fomentando. Talentos de gran nivel y reconocimiento como Ramón Navarro, Dolores del Río, Pedro Armendáriz, María Felix, Pedro Infante, Ignacio López Tarso y hasta Toshiro Mifune llegaron a interpretar papeles indígenas siendo que ninguno tenía orígenes étnicos.

Posiblemente la película que más rompió con lo establecido fue “Tarahumaras o cada vez más lejos” (1965); trata de un antropólogo que descubre que los tarahumaras están siendo despojados de sus tierras injustamente y el aboga por ellos. La película trata del problema de la impunidad y corrupción que se aprovecha del analfabetismo de las comunidades.

• Nuevo cine latinoamericano (1970-2000)

Aunque a nivel latinoamericano el nuevo cine latinoamericano, y el cinema novo en Brasil, ya habían comenzado una década atrás.

Fue hasta los setentas que el cine mexicano se alejó de un modelo de producción parecido al de la época del cine de oro a uno de autor y temas de conciencia social.

“Los que viven donde sopla el viento suave” (1975) de Felipe Cazals recolecta varios testimonios sobre la vida de los Seris. En “Chac, el dios de la lluvia” (1975) hay una ruptura enorme en la manera de producir películas de ficción; además que representa de manera fiel la cosmovisión Maya utilizando a personas de la misma comunidad y no actores profesionales. La película trata sobre una sequía que azota a una comunidad que decide pedirle ayuda a un brujo. Este prepara todo un ritual en el que termina él sacrificándose como ofrenda a los dioses. Cuando su cuerpo cae al cenote empieza a llover.

Otra película relevante de la década fue “Etnocidio: notas sobre el Mezquital” (1977) de Paul Leduc; un documental que también presenta los problemas que sufren el pueblo otomí, pero a diferencia del de Felipe Cazals hay una propuesta de contar la historia por medio del abecedario que va de la A a la Z; cada letra es una palabra que presenta un enfoque distinto de su situación y cultura haciendo así un documental que muestra la situación desde distintas perspectivas.

La década de los ochentas para el cine mexicano sufrió una caída en calidad de sus producciones y guiones.

En cuanto al cine indígena hubo muy pocas producciones, entre las que se pueden mencionar están; “Teat Monteok, El cuento del Dios del Ray” (1985) y “Una boda antigua” (1985) de la directora Elvira Palafox Herranz y “La vida de una familia Ikoods” (1987) de Teófila Palafox.

Ya en los noventas el cine mexicano tuvo un nuevo renacer en calidad de historias y producciones que se llamó la nueva ola de cine mexicano.

De las producciones de esa ola destaca “Regreso a Aztlán” (1991) y “Cabeza de Vaca” (1991) que están ambientadas en el tiempo de la conquista. Un evento histórico importante en México fue el levantamiento del Ejército Zapatista de Liberación Nacional que entre sus objetivos está el defender el idioma, organización política y derechos colectivos e individuales de los pueblos indígenas. Documentales que registraron esté evento político fueron “El sexto sol: alzamiento maya en Chiapas” (1995), “Las compañeras tienen grado” (1995), “Un lugar llamado Chiapas” (1998) y “Zapatista” (1999).

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• Indígena en el nuevo milenio (2001-2022)

“Erendira Ikikunari” (2006), es una película de época que narra la leyenda de una mujer purépecha que en tiempos de la conquista se rebela contra los españoles. Presenta un aspecto histórico poco contado u olvidado por la sociedad mexicana. Tal como la figura heroica de una mujer durante la llegada de los españoles y el impacto de la conquista en el pueblo purépecha.

“Los Herederos” (2008) es un documental que retrata la vida de varios niños de diferentes áreas rurales que trabajan en el campo. El documental carece de una narrativa tradicional al no haber entrevistas que hablen a la cámara o una problemática que se explora, sino es una cámara que observa de manera omnipresente y silenciosa la vida de estos niños.

En esta última década la comunidad de huicholes ha sido representada en varias producciones.

En el mismo año se estrenaron los documentales “Eco de las montañas” (2014) y “Huicholes: Los últimos guardianes del peyote” (2014). El primero sigue la historia de Santos de la Torre, un artista de murales. Durante la película realiza el viaje a la Wirikuta para pedirle inspiración a los dioses para un nuevo mural. Ambos documentales ilustran la historia, mitología y tradiciones religiosas del pueblo huichol. En ficción tenemos “El sueño de Mara’kame” (2016) que es la historia de un joven que está destinado a convertirse en un Mara’kame -un chamán- y debe vivir un viaje espiritual para entender y encontrar su identidad.

De las menciones más importantes de está década está “Sueño en otro idioma” (2017) de Ernesto Contreras. El protagonista de está película está investigando una lengua indígena casi extinta que sólo pueden hablar dos viejos que están peleados entre ellos por un triángulo amoroso que tuvieron en su juventud. La película también aborda temas de homosexualidad y además crea una enorme conciencia en la lucha por la conservación de lenguas indígenas.

“Nudo/Mixteco” (2022) es una película dirigida por Ángeles Cruz que cuenta la historia de varias personas que después de mucho tiempo de haberse ido del pueblo donde nacieron regresan para enfrentarse con heridas personales y sentimiento de culpa que cargan. Un aspecto interesante de la película es el uso del tiempo no lineal que entrecruzan las historias. También dos de sus personajes que protagonizan una de las historias son lesbianas, dándole visibilidad a mujeres homosexuales dentro de esas comunidades. Otro punto es el uso de actores no profesionales que participan en la obra. Fuera de los papeles protagónicos que sí son actores profesionales, la comunidad del pueblo es gente real que vive en ese lugar.

También nos muestran sus costumbres y la manera colectiva de tomar decisiones. La película es una mirada de mujer, que rompe con la narrativa tradicional, que además de darle una representación a una comunidad indígena también visualiza a gente LGBT+, haciendo así que tenga un valor único en la representación.

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«Historia Del Cine Indígena Mexicano» escrito por Olaf Viana para CinReservas.

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Olaf Viana

Cuenta con una maestría en Cine Latinoamericano y Caribeño. Cinéfilo apasionado, ha dado clases y conferencias sobre diferentes áreas del cine.

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Entre los accidentes cinematográficos más impactantes se encuentra el ocurrido el 31 de marzo de 1993, en Estados Unidos, durante el rodaje de las escenas principales de “El Cuervo” (1994), el filme de Alex Proyas.

Brandon Lee de 28 años, hijo del famoso actor Bruce Lee; quien se destacó por su dominio casi perfecto de las artes marciales, murió accidentalmente en el set de filmación por el disparo de otro actor.

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Por falta de presupuesto, utilizaron balas reales a las que quitaron la pólvora, aunque no el fulminante; una de estas balas quedó encajada en el arma y, sin revisarla, colocaron la nuevas de fogueo. Al salir disparada la segunda bala, empujó la que habían intentado disparar anteriormente  y que tenía fulminante, causando la muerte de Brandon Lee.

Otro caso aislado sucedió en la filmación de “Triple X” (2002), pues un doble de Vin Diesel en las secuencias aéreas; Harry L. O’Connor, murió durante una escena en la que tenía que hacer “rappel”. Esto porque la cuerda en la que se sujetaba se soltó y se golpeó contra un puente a gran velocidad; falleciendo así el actor.

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A esta lista se une el caso del actor Vic Morrow, famoso por la vieja serie “Combate!” (1962), y de los niños actores Myca Dinh y Renee Shin-Yi Chen, quienes murieron en el rodaje de “En Los Límites De La Realidad” (Twilight Zone: The Movie) en 1982. Justo después de que un helicóptero sufriera un accidente y las astas del mismo prácticamente los decapitara.

Los tres actores fueron también aplastados por la aeronave; dando lugar a una de las demandas recordadas como una de las más prolongadas y mediáticas de la historia del cine. La cual tuvo tanto impacto que terminó provocando cambios en los códigos de rodaje.

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Mientras grababa una escena en la que tenía que salir de un tanque lleno de agua, la actriz Isla Fisher también sufrió un accidente al colapsar el sistema de seguridad y quedar atrapada por tres minutos en dicha cisterna durante el rodaje de “Ahora Me Ves” (2013).

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Y cómo olvidar el caso del piloto acrobático Art Scholl, quien conducía un Pitts S-2 cuando al intentar un giro durante una de las secuencias aéreas de la película “Top Gun” (1986), cayó al Océano Pacífico y su cuerpo nunca fue encontrado.

Al caer desde casi siete metros de altura mientras rodaba la octava temporada de “The Walking Dead”,el doble de riesgo John Bernecker; murió a los 33 años por el impacto en 2017.

Otra doble de riesgo que lastimosamente murió en un accidente cinematográfico, fue Joi ‘SJ’ Harris, una de las primeras mujeres afroamericanas en competir en circuitos de moto profesionales; la tragedia sucedió durante una escena en la que no llevaba casco y por ende perdió el control del vehículo en el set de “Deadpool 2” (2018).

Asimismo, es importante resaltar que tanto los protagonistas de las escenas; ya sea actores o sus dobles, como el resto del equipo técnico son propensos a tener accidentes cinematográficos.

Uno de los más recientes fue durante el rodaje de “Silence” (2016) cuando un techo cayó sobre un grupo de personas que se encontraban reforzando la estructura; por lo que murieron dos de ellas y otras dos fueron heridas.

Entre los accidentes cinematográficos más resonados se encuentra en sucedido a un grupo de asistentes durante el rodaje de la película “Jumper” (2008), cuando una parte del decorado cayó sobre el escenógrafo David Ritchie. La escena que tenía lugar durante el incidente había resultado exitosa, pero igualmente decidieron repetirla para no dejar como imagen un hecho visualmente perfecto pero éticamente macabro.

Finalmente, en “Transformers: El Lado Oscuro De La Luna” (2011), una de las extras acabó herida gravemente cuando un cable de acero se rompió; dejando caer un coche que estaba siendo remolcado, y arrojando una pieza donde se encontraba la misma.

Causándole importantes heridas en la cabeza. La mujer quedó afectada físicamente de por vida, ya que tiene el lado izquierdo del cuerpo completamente paralizado.

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Pablo Kulcar

Soy periodista mayormente de radio. Pienso a la profesión como una manera de estimular el pensamiento crítico del que escucha, lee o mira. El cine es un placer que nos permite disfrutar de vidas y momentos en los que siempre hay algo nuestro reflejado. Trabajé en radios comerciales, cooperativas y universitarias. Poder describir con palabras lo que una película me hace pensar y sentir, es mi intención y mayor meta para con el lector.

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El 20 de abril de 2017 la LXIII Legislatura del Senado de la república mexicana estableció dicho día como el Día Nacional Del Cine Mexicano. 

El cine comienza con los Hermanos Lumière a finales del siglo XIX cuando hacen una presentación en un café de París, Francia el 28 de diciembre de 1895; un año después el 14 de agosto se realizó la primera exhibición pública del Cinematógrafo en México.

La droguería Plateros fue sede de diversas proyecciones entre ellas: “La Llegada Del Tren” (L’arrivée D’un Train À La Ciotat, 1896) y “La Salida De Los Obreros De La Fábrica” (La Sortie De L’usine Lumière À Lyon, 1895), los boletos tuvieron un precio de 50 centavos y de 1 peso para la aristocracia.

Veyre y Bon Bernard fueron los encargados de exhibir las películas y no solo proyectaron las películas que traían de Francia sino que también empezaron con los primeros films en México; siendo Porfirio Díaz (presidente de México en ese entonces) y su esposa Carmelita los primeros  actores.

Porfirio Díaz fue filmado en un paseo a caballo en Chapultepec y su esposa paseando en carruaje. A partir de ahí empezaría una aventura que ha cambiaría la vida de muchos.

Uno de los primeros cineastas en México fue Ignacio Aguirre quien tuvo la oportunidad de adquirir un cinematógrafo y realizar su primera producción que fue “Riña De Hombres En El Zócalo” en 1897 esta fue la primera producción mexicana.

Salvador Toscano quien era ingeniero fue también uno de los precursores ya que fue el primero en fundar una sala de cine (Cinematógrafo Lumière) y tiempo después comenzó creando sus primeros filmes.

Durante la segunda guerra mundial mientras Europa y los americanos centraban toda su atención en la guerra, México aprovecho todas sus oportunidades para crecer en esta industria y es aquí cuando inicia la tan gloriosa Época De Oro (Aproximadamente entre 1939 – 1956).

El cine mexicano no tenía lugar en el mundo y es aquí cuando da un giro por completo.

Se busca contar el día a día mexicano; se plantean situaciones cotidianas; el anhelo del mexicano pobre por querer vivir bien; la división entre clases; cada una desde un punto de vista cómico y soñador además surgen también esos dramas románticos llenos de cliché con el mismo tema del pobre y el rico y aquellas traiciones amorosas.

En 1946 México tuvo su primera participación en un festival, el Festival De Cannes en donde participaron con la película “María Candelaria” (1944) y esta película le dio al cine mexicano su primer Palma De Oro; fue un gran año porque además en ese año fue fundada la Academia Mexicana de Artes y Ciencias Cinematográficas (AMACC).

Las producciones del cine mexicano tuvieron tanto éxito que el cine llego a ser una de las principales industrias y por este motivo es que surge  el Departamento de Supervisión Cinematográfica que se encarga de evaluar y autorizar películas comerciales.

Las oportunidades para seguir produciendo crecían y crecían; en 1945 se construyeron los Estudios Churubusco y los Estudios Cuauhtémoc, en 1946 los Estudios Tepeyac y en 1947 los Estudios México Films.

No podemos no mencionar a uno de los más grandes films mexicanos: “Macario” un film de 1960 basado en la obra de Bruno Traven.

Es el primer largometraje nominado en la categoría de: Mejor Película Extranjera Por la academia hollywoodense.

Pedro Infante; María Félix; Jorge Negrete; Cantinflas; Dolores Del Río; Luis Aguilar; Sara García; y Pedro Armendáriz fueron y son los nombres de actrices y actores que más resaltan de aquella época.

Además de contar con grandes realizadores tales como: Emilio Fernández; Julio Bracho; Roberto Gavaldón; Ismael Rodríguez, por nombrar algunos.

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Tristemente todo lo que empieza tiene que acabar y a la mitad de la década de los 50 empezó aquella crisis que daría fin a la tan exitosa Época De Oro, los filmes europeos y americanos resurgían y la competencia con el cine mexicano se volvía cada vez más difícil.

Después de un tiempo resurge un grupo de directores que promete darle un nuevo aire a la historia del cine mexicano entre estas nuevas promesas están: Arturo Ripstein, que a los 21 años debutó con la película “Tiempo De Morir” (1966) escrita por Gabriel García Márquez y Carlos Fuentes.

Jaime Humberto Hermosillo era otra gran promesa para seguir construyendo la historia del cine mexicano, su obra prima fue “La Verdadera Vocación De Magdalena”en 1972.

El cine volvía a resurgir poco a poco y en 1963 surge el Centro Universitario De Estudios Cinematográficos que actualmente se llama Escuela Nacional De Artes Cinematográficas (ENAC).

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Después de una mala racha, los 90’s parecen ser la esperanza del cine mexicano.

Alfonso Cuarón uno de los mejores y más reconocidos cineastas mexicanos, comenzó poco a poco hasta estrenar “Solo Con Tu Pareja”en 1991. Aunque no tuvo el mejor de los éxitos, esto le abrió las puertas para dirigir otros títulos y tiempo después regresaría con su éxito: “Y tu mamá también”.

Guillermo del Toro; Emmanuel Lubezki; Alejandro Iñarritu; Carlos Bolado; Carlos Carrera; Antonio Serrano; Carlos Reygadas; Gerardo Naranjo; Amat Escalante; Alonso Ruizpalacios; son algunos de los nombres más conocidos de creadores de cine en México; pero hay muchos más, muchos creadores que hacen que el cine mexicano sea reconocido, y llegarán muchos más.

México es uno de los países que más produce cine documental; hay muchas promesas mexicanas con demasiado talento; muchas películas realmente buenas; y durante los últimos años ha sido muy criticado, pero ¿por qué?

¿Realmente es tan malo?, para algunos la respuesta puede ser que sí, para otros tantos no; cada quien puede tener su punto de vista. No todas las producciones son buenas pero tampoco todas malas, creo que hay que ir más allá de lo que se comercializa.

Usualmente las películas comerciales llegan a caer en lo mismo: comedia barata. Pero hay que indagar más allá. Existen muchas producciones independientes o poco conocidas que realmente son maravillosas.

La falta de apoyo, el poco valor que se le da a producciones independientes, entre muchas otras cuestiones opacan lo bueno que se puede encontrar del cine mexicano.

Películas como: “Abel” (2010); “Perfume De Violetas” (2001); “Sueño En Otro Idioma” (2017); “El Infierno” (2011); “La Camarista” (2020); “Rojo Amanecer” (1989); “Ana Y Bruno” (2017); por mencionar algunas son merecedoras de ver. Son bastante buenas para reconocer que México cuenta con buen cine.

Con un amplio cine y no solo películas sino también documentales como: “La Libertad Del Diablo” (2017); “1994” (2019); “Familia De Medianoche” (2019); por mencionar algunos.

No hay que cerrarnos a lo que más se promociona, a lo comercial, buscando más allá no solo encontrarás buenas producciones, sino que también estarás apoyando al talento mexicano que merece ser visto mundialmente, porque es cine del bueno. 

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Mariana Suárez

El cine es algo que me apasiona mucho y cada día busco aprender más de ello, en mis tiempos libres escucho música, veo películas, tomo fotografías y también leo.

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Durante las primeras décadas del cine los títulos de crédito no tenían relevancia. Mientras se proyectaban el público aprovechaba para acomodarse en su butaca y, en los programas dobles, para ir al baño o a comprar palomitas.

Los títulos de crédito nos informan sobre quienes han hecho la película y también indican el género que vamos a ver.

A veces su función es ayudar a contar la historia, como en “Watchmen” (Zack Snyder, 2009)

No fue hasta los años cincuenta, con el Cinemascope y otros formatos panorámicos,que los títulos de crédito comenzaron a adquirir importancia.

Y el responsable de esta revolución tiene nombre y apellidos: Saul Bass.

 El primer trabajo con el que Saul Bass impactó a todos fueron los créditos de “El Hombre Del Brazo De Oro” (The Man With The Golden Arm, 1955), de Otto Preminger.

Posteriormente trabajó con Alfred Hitchcock en “Vértigo” (1958), “Con La Muerte En Los Talones” (North By Northwest, 1959) y “Psicosis”(1960).

Los sesenta fueron una década con numerosos ejemplos de títulos de crédito brillantes:

 Maurice Binder realiza los icónicos créditos para James Bond en “Dr. No” (Terence Young, 1962). Ha habido muchos actores que han encarnado a Bond, pero todos lo han hecho precedidos por la mítica introducción del cañón sangrante.

El animador Friz Freleng creó para“The Pink Panther”(Blake Edwards, 1963), unos títulos que alcanzaron tal éxito que terminaron teniendo su propia serie de dibujos animados.

Mencionar los créditos de “Dr. Strangelove” (Stanley Kubrick, 1964), obra del cubano Pablo Ferro quien construye una bellísima introducción con imágenes del repostaje en vuelo de un avión militar.

Destacar los de “To Kill A Mockingbird” (Robert Mulligan, 1962) que filmó Stephen Frankfurt, pues es uno de mis favoritos debido a su sencillez y a que reflejan a la perfección el tema de la historia: la niñez y la pérdida de la inocencia.

Gracias a los avances tecnológicos desarrollados desde los setenta hasta el presente hemos podido disfrutar de títulos míticos como los de “Star Wars” (George Lucas, 1977) o…

 … “Alien” (Ridley Scott, 1979)

Destacar a Kyle Cooper como uno de los más recientes maestros de los títulos de crédito.

Ha hecho los títulos de crédito de “Solo En Casa” (1990); “Misión: Imposible” (1996); “Men In Black” (1997); “Minority Report” (2002); “Spider-Man” (2002); “Iron Man” (2008); o las series “American Horror Story” (2011-); “The Walking Dead” (2010-); o “Feud” (2017-).

De todos sus trabajos destaca “Sev7n” (David Fincher, 1995), para mis los mejores títulos de crédito de la historia y los que mejor han cumplido su principal cometido que es introducir al espectador en el tema, la atmósfera y el tono de lo que va a ver.

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Vicente Martín Terán

Director y guionista de cine y televisión. Profesor de Historia del cine, de guion y de dirección en diferentes escuelas e instituciones. Como escritor ha publicado estudios, críticas y artículos relacionados con el séptimo arte. Ha publicado Te acordarás de mí, una novela negra ambientada en el Madrid de Primo de Rivera.

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Heath Ledger falleció el 22 de Enero de 2008; algunos meses antes del estreno de la segunda película de Batman en la trilogía del aclamado director Christopher Nolan.

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La brillante carrera en ascenso del actor de 28 años fue trágicamente acortada tras una sobredosis accidental con medicamentos de receta; tan solo medio año antes del estreno de la cinta que lo volvería legendario para la historia del cine de cómics y el cine contemporáneo en general.

Ledger fue alabado y galardonado por su papel en múltiples premiaciones, incluyendo los premios al Mejor Actor De Reparto en los premios Golden Globe, los Critic’s Choice Awards, el Screen Actors Guild, el BAFTA y el Premio Oscar.

Por coincidencia Heath Ledger recibió su nominación al Premio Oscar en el aniversario luctuoso de su muerte.

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Cuando ganó al siguiente mes, sus padres, Kim Ledger, Sally Bell y su hermana Kate Ledger aceptaron el premio ante una audiencia en lágrimas, quienes recibieron una larga ovación de pie.

“Primeramente, me gustaría agradecer a la academia por reconocer el asombroso trabajo de mi hijo”, dijo el padre del actor. “Este premio de la noche habría validado humildemente la determinación silenciosa de Heath de ser aceptado verdaderamente por todos ustedes, sus compañeros, dentro de una industria que tanto amó.”

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Ledger había sido nominado anteriormente por su papel en “Secreto En La Montaña” en 2005, y se convirtió en el segundo actor en ganar un Oscar actoral póstumo después de Peter Finch por su papel en “Network” (1976).

Heath Ledger ganó en su nominación a los atores Josh Brolin por “Milk”, Robert Downey Jr. Por “Tropic Thunder”, Michael Shannon por “Revolutionary Road” y a Philip Seymour Hoffman por “Doubt”, todas estrenadas entre 2008 y 2009.

Trágicamente, este último actor, Philip Seymour Hoffman; quien había vencido a Heath Ledger en su nominación tras su brillante papel en “Capote” (2005), falleció en el año 2014 a sus 46 años de una sobredosis por drogas.

Te compartimos el famoso video de la aceptación al Oscar en la premiación:

Nótese los rostros tristes de todas las celebridades en la audiencia, fue un momento para reflexionar en la industria de Hollywood.

Las estrellas se van pero sus personajes permanecen, por esto y más siempre lo recordaremos.

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La historia detrás de esta icónica foto es toda una anécdota para la historia del cine surcoreano.

Esta no era la primera vez que se conocían los dos actores. Para el año 2003, ambos ya eran muy buenos amigos y disfrutaban de visitarse mutuamente en los rodajes igual como se puede apreciar en la foto.

Las dos estrellas más grandes del cine coreano, Choi Min-sik y Song Kang-ho se conocieron por primera vez en 1997; mientras rodaban juntos la cinta “No.3” (1997) mientras ambos hacían de actores secundarios en la cinta. Después volvieron a colaborar juntos como coprotagonistas en dos cintas consecutivas “La Familia Silenciosa” (1998), la obra debut de otro aclamado director surcoreano Kim Jee-woon y “Shiri” (1999).

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Para entonces Song Kang-ho y Choi Min-sik ya eran las estrellas más cotizadas de Corea Del Sur. En el 2003, Song obtuvo el papel protagónico en «Memorias De Un Asesino», del director Bong Joon-ho, quien no había comenzado muy bien su carrera tras el fracaso de “Perro Ladrador, Poco Mordedor” (2000). A pesar del éxito de la crítica, la opera prima de Bong Joon-ho había sido un fracaso de taquilla. Vendió menos de 100,000 boletos y lanzada directo a video.

Song vió la cinta una noche de insomnio tras haberla rentado de un centro de video-rentas, y por pura coincidencia, terminaron conociéndose al siguiente día.

Song y Bong se llevaron muy bien tras conversar sobre la cinta, Bong se sintió tan elogiado que decidió contratar a Song para su siguiente película. Esa película resultaría ser una de las obras definitivas del nuevo cine de arte coreano, «Memorias De Un Asesino».

Con la recomendación de Song, Choi Min-sik decidió actuar en la siguiente película de Park Chan-wook; con quien Song ya había trabajado en sus dos películas anteriores “Área Común De Seguridad” (2000) y “Sympathy For Mr. Vengeance” (2002), ambas protagonizadas por Song Kang-ho, quien ya era muy buen amigo de Choi Min-sik para este tiempo. Fue precisamente Song quien reunió al director con el actor para que se conocieran, y así el fruto de ese encuentro sería la cinta de “Old Boy” (2003).

Sucede que los rodajes de ambos filmes del cine surcoreano sucedieron al mismo tiempo y en algún punto de las filmaciones ambos rodaron muy cerca de sí.

Siendo todos buenos amigos tanto directores como actores, solían frecuentar los mismos sets de rodajes. Esta fotografía fue tomada uno de esos días, pero no se volvería pública sino hasta el año 2014, cuando fue subida por un usuario a Twitter.

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Cuenta otra anécdota, que Song acudió a presenciar la filmación de la famosa toma larga del corredor en “Old Boy”, una vez terminada la escena Song le dijo a Choi que “la escena era demasiado corta, y que debería intentarla de nuevo”.

Los tres directores mencionados, Kim Jee-woon, Park Chan-wook y Bong Joon-ho, se convirtieron en grandes amigos entre sí; algo similar a lo sucedido con el trío de directores mexicanos Alejandro González Iñarritu, Guillermo Del Toro y Alfonso Cuarón.

Los tres directores del cine surcoreano fueron los primeros de su país en debutar en Hollywood, trayendo consigo el reconocimiento internacional y el foco de atención sobre el cine coreano.

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Si te gustan las historias interesantes sobre rodajes y realizadores, probablemente disfrutes: Explorando El Perfeccionismo Insano De Stanley Kubrick | Ensayo o El Padrino: La Vez Que La Mafia Intentó Cancelar Su Rodaje

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Tras su éxito Coppola se animó a hacer «El Padrino II» (1974) y varios años después «El Padrino III» (1990). La trilogía constituye la más grande representación de la mafia italiana y el crimen organizado probablemente de todos los tiempos. Pero hay algo muy curioso que se puede notar al respecto si se presta atención a la cinta.

¿Cuántas veces se dice la palabra “mafia” en “El Padrino”?

La respuesta es cero. Claro, mencionan versiones discretas como la “pandilla” (‘mob’ en inglés) o la “familia”, pero nunca se dice tal cual la palabra “mafia” en la película más representativa sobre la mafia jamás creada. Esto es porque las personas que trabajaron en la producción del filme recibieron amenazas de muerte por parte de la mafia verdadera durante el rodaje.

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En la década de los años 70s, la mafia intentó aprovechar cada agujero legal para probar que eran ciudadanos de primera y seguidores de la legalidad. Joseph Colombo, jefe criminal de aquel entonces quería establecer una liga unida por los derechos civiles de los italo-americanos (conocida en inglés como la «Italian-American Civil Rights League»). A

Argumentaban que la persecución de la mafia italiana constituía un acto de racismo por parte de las autoridades. Incluso mientras a su vez se practicaban actos criminales por parte de los iniciadores del movimiento, osea la mafia, estos lo justificaban como parte intrínseca de la ‘cultura italiana’.

Joseph Colombo terminaría muriendo poco tiempo después durante una manifestación pública de esta asociación civil, pero tal como él lo proclamaba “No hay una mafia. ¿Qué sí soy la cabeza de una familia? Si. Mi esposa, cuatro hijos y una hija, esa es mi familia.”

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Fue la otra familia de Colombo, la criminal, quien intentaría atacar la producción de la película.

Cuando intentaron sabotear las logísticas de rodaje con poco éxito, comenzaron a intimidar a los miembros del crew directamente; haciendo llamadas falsas alertando de bombas; acechando a los productores a donde sea que estos fueran  y eventualmente amenazar directamente las vidas de las familias de aquellos asociados a la película.

Tanto el director Francis Ford Coppola, el productor Al Ruddy, los ejecutivos de Paramount Robert Evans y Peter Bart y el jefe de Gulf & Western Charles Bluhdorn se vieron como los principales objetivos de esta campaña, y vamos, que si alguno de ustedes ha visto algún detrás de cámaras o conoce más datos sobre la producción de “El Padrino”, sabrá perfectamente que este no era ni por lejos el único de los problemas en este rodaje.

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Incluso el cantante Frank Sinatra se vió involucrado, porque el personaje de Johnny Fontane estaba claramente basado en el, y Sinatra supuestamente no estaba de acuerdo con la escena en la que Marlon Brando cachetea a Fontane ni con las connotaciones a su conexión con la mafia.

Eventualmente los realizadores, Francis Ford Coppola y productores, lograron apaciguar este hostigamiento comprometiéndose a remover la palabra “mafia” de la película.

Además, el productor Albert Ruddy, tuvo una junta personalmente con Colombo para mostrarle el guion y explicarle como la obra también incluía representaciones racistas o negativas sobre los irlandeses y los judíos, demostrando que no era una obra que atacara a los italianos en específico.  

Al final Colombo accedió tras leer una ojeada rápida del guion y la película fue aprobada por la mafia misma, salvo ciertas visitas casuales de supervisión y algunas actuaciones especiales concedidas a miembros involucrados de la mafia; tales como el caso de Lenny Montana, quien tras ser enviado a supervisar la producción terminó involucrado en el personaje de Luca Brasi en la película.

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Al final “El Padrino” logró estrenarse al mayor éxito de la década de los 70s, colocándose un tiempo como la película más taquillera de la historia.

Recibió grandes elogios universales de la crítica y el público. Además terminaría ganando tres Premios Oscar por Mejor Película, Mejor Actor (Marlon Brando) y Mejor Guion Adaptado.

Desde su estreno es ampliamente considerada como una de las mejores y más influyentes películas jamás realizadas; inspirando dos secuelas más, consolidando la carrera de Francis Ford Coppola, alentando el apoyo a nuevos realizadores de la era del Nuevo Hollywood y siendo un precursor del ‘blockbuster’ americano.

“El Padrino” (1972) fue una obra que si bien batalló en consolidarse, terminó haciendo historia en el séptimo arte.

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Desde parodias en Los Simpson hasta referencias en películas de Pixar. Como lo es la pestaña falsa de Alex en “La Naranja Mecánica” (1971); la frase ‘Here’s Johnny!’ de Jack Nicholson en “El Resplandor” (1980); o la música de ‘El Danubio Azul’; o los tambores de ‘Así habló Zarathustra’ en “2001: Odisea Del Espacio” (1968). Es innegable que el director Stanley Kubrick ha dejado su huella en nuestras vidas de una u otra forma.

Stanley Kubrick era legendario por ser un director perfeccionista y exigente, sus rodajes eran conocidos por ser desesperadamente largos.

Su última cinta “Ojos Bien Cerrados” (1999), obtuvo el récord guinness por tener el rodaje constante más largo en la historia, con 15 meses de rodaje continuo, esto debido a los incontables cambios y repeticiones de tomas que realizaba.

Su atención al detalle era legendaria, hoy en día es difícil discutir sus métodos cuando sus frutos consisten en ser uno de los nombres más reconocidos de la industria y cuyas 9 de sus 12 películas están dentro del Top 250 de la IMDb (Base de datos de películas en Internet). Es por eso que en CinReservas nos gustaría explorar más el perfeccionismo de esta leyenda. A continuación exploraremos anécdotas descabelladas y sorprendentes de algunos de sus rodajes.

Por ejemplo, en “2001: Odisea Del Espacio” (1968) Kubrick exigió que todo el equipo tecnológico visto en pantalla fuese construido para funcionar verdaderamente en la luna. Trabajando en el desarrollo de este equipo junto a la NASA mientras ésta se preparaba para mandar a la luna a la tripulación del Apollo 11. Incluyendo el más mínimo detalle, hasta las instrucciones sobre cómo usar el baño de la nave espacial.

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Similarmente, la bomba B-52 construida para el final de “Dr. Strangelove” fue descrita por la Fuerza Aérea de los Estados Unidos como “Absolutamente correcta”, lo cual preocupo al complejo ya que al momento del estreno del filme, esta bomba aún era un armamento clasificado.

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Ya que estamos con “Dr. Strangelove” aprovechamos para contarles una de las anécdotas más extrañas sobre un detalle específico exigido en cine. Hablamos sobre el ‘cuartel de guerra’, donde los líderes del mundo se debaten por la fe de la humanidad. Kubrick insistió por decisión propia que la gran mesa redonda donde los líderes estaban reunidos debía ser del color y textura que una mesa de poker verde. Así es, la mesa debía ser forzosamente VERDE, en una película rodada a Blanco & Negro. Sería una gran metáfora para expresar cómo los líderes están jugando una partida de poker con el destino el planeta si tan solo fuésemos capaces de ver su color.

“La Naranja Mecánica” (1971) no se libra de las exigencias de su director. Las tácticas de tortura de Kubrick hacia sus actores son bien conocidas, y seguiremos mencionándolas en este artículo más adelante. El actor principal que interpreta a Alex, el conocido Malcolm McDowell, no solo debió soportar rodar escenas 50 veces consecutivas, tuvo que soportar mantener una serpiente de mascota durante el rodaje a pesar de tenerles fobia.

Otro instante destacado sería cuando Alex está en el suelo y un hombre le pisotea el pecho para probar la eficacia del tratamiento Ludovico, ya que Kubrick instruyó que a McDowell se le pisoteara de verdad, tronándole las costillas y provocando un ataque de asfixia al actor.

La que es probablemente la escena de tortura real más conocida de esta película sería la escena de la rehabilitación visual, en la que Alex es forzado a ver videos violentos con los ojos forzosamente abiertos por equipo médico metálico.

Es difícil de creer que esta escena sea 100% real,  el doctor aplicando las gotas sobre sus ojos es un médico de verdad que debía aplicar dichas gotas o arriesgaba dejar a McDowell permanentemente ciego. Aun con las máximas precauciones profesionales, McDowell no se salvó de que le dañaran su córnea severamente, y Kubrick, en vez de detener la producción solo dijo, “Vamos, hagamos la escena, favoreceré tu otro ojo.”

Ahora, creo que para este punto todos aquí lectores estamos aunque sea referenciados con la escena de “El Resplandor” (1980) en la que Shelley Duvall revisa los avances de la novela de Jack Nicholson solo para descubrir que todo repite la misma frase miles de veces: “All work and no play makes Jack a dull boy” (literalmente, “solo trabajo y nada de juego hacen de Jack un chico aburrido.”)

Y uno puede preguntarse, Jack debe estar volviéndose loco ya que ninguna persona cuerda haría algo así; solo que en este caso, Kubrick no era ningún cuerdo al respecto. El director hizo que su secretaria pasara meses escribiendo cada una de las cientos de páginas individuales manualmente con una máquina de escribir. Prácticamente forzándola al mismo camino que nos hace saber que Jack estaba perdiendo la cabeza.

Y si de alguna forma podemos añadir una capa extra de insanidad a este detalle, es el hecho de que cada versión doblada para distintos países incluía su propia versión de esta pila de hojas en un idioma distinto. Algo que Kubrick repetiría después para algunos panorámicos y las notas de “Ojos Bien Cerrados” (1999).

Stanley Kubrick era uno de esos genios indiscutibles del cine, considerado una leyenda desde mucho antes de su muerte en 1999.

Si cada una de sus tomas, cada acción y cada línea de diálogo parece estar perfectamente moldeada y actuada, eso es porque tenían que serlo, por la pura exigencia visionaria del director; de lo contrario nadie se podría ir del set.

Ahora si bien, aquí no lo estamos criticando negativamente por su comportamiento perfeccionista, a muchos de nosotros nos gusta que las cosas se hagan bien hechas. Y por más que podamos homenajear y alabar dicho comportamiento, existe una delgada línea entre ser perfeccionista y convertirse en un obsesivo-compulsivo.

En “Ojos Bien Cerrados” (1999) hay una escena donde Sydney Pollack tiene que pararse de su silla, caminar y abrir una puerta, sin diálogos, algo bastante sencillo. Si no fuera porque Kubrick obligó al actor a realizar la misma acción de: “Ponerse de pie, caminar, abrir la puerta” una y otra vez sin descanso durante dos días seguidos.

Y si de maratones dramatúrgicos hablamos, nada vence a la infame escena del bate en “El Resplandor” (1980) Un rodaje inicialmente contemplado para tomar 17 semanas tuvo que extenderse 1 año entero. Una de estas razones fue para repetir la escena donde Shelley Duvall intenta atacar a Jack Nicholson con un bate, dicho plano secuencia por sí solo requirió de 127 tomas, rompiendo el récord de “mayor número de tomas para una sola escena del cine con diálogo hablado”.

Al rodaje entero le tomó un año arduo de realizar las mismas tomas una y otra vez.

Nadie sufrió más el rodaje que Shelly Duvall, a quien Kubrick gritaba, insultaba y exigía a tal grado de que ella comenzara a perder mucho cabello debido al estrés. Se enfermó físicamente por tener que soportar los regaños y gritos de Kubrick; algo que se terminó por confirmar como una condición médica real hasta después de éste caso.

Aparentemente la intención de Kubrick aquí era crear un ambiente hostil hacia Duvall, para sacar de ella la mejor interpretación posible de su papel. ¿Cómo suponía Kubrick sacar las mejores interpretaciones de una mujer asustada en la historia del cine sino asustandole realmente durante 365 días consecutivos?

Es increíble apreciar en retrospectiva la vida y obra de un ser tan idiosincrático, tan mítico y anecdótico como Stanley Kubrick.

Quien nos dejó mucho que aprender y mucho por analizar en su obra, así como mucho que criticar y sobre el cual reflexionar. Incontables críticos han examinado sus obras a más no poder y después de todos estos años seguimos encontrando cosas nuevas que contar.

¿Qué te ha parecido conocer estos impactantes detalles del director? ¿Conoces algún otro que se nos haya olvidado mencionar? Estamos seguros que existen más historias sobre Stanley Kubrick que olvidamos cubrir aquí. ¡Si conoces alguna cuéntanos en los comentarios!

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Si te gustó este artículo probablemente disfrutes leer: Clint Eastwood: El Último Director Clásico – Personalidades De Cine. O también su otro artículo: Cuatro Realizadores De Cine Que Te Inspirarán A Hacer Películas.

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La entrada Explorando El Perfeccionismo Insano De Stanley Kubrick | Ensayo se publicó primero en CinReservas.

Porque a veces las limitaciones logran elevar a una película al estatus de íconos culturales de los cuales no podemos parar de hablar varias décadas después de sus estrenos. Seguiremos viendo como la tacañería de algunos productores o estudios nos ha dado momentos clásicos del cine.

 “DEADPOOL” (2016) OLVIDÓ SUS ARMAS PARA QUE EL ESTUDIO SE AHORRARA 7 MILLONES DE DÓLARES

Deadpool es ese blockbuster de superhéroes que cimentó las películas de superhéroes para adultos. El film está lleno de humor, uno de tantos chistes es ver a Deadpool cargar con muchas armar en una mochila antes de interrumpir a los villanos con ellas, solo para olvidar dicha mochila en un taxi. Entonces Deadpool tiene que hacer las cosas funcionar sin armas.

Resulta que este momento no tenía que ver con los chistes o la personalidad del personaje, y más con un recorte presupuestal. Resulta difícil de creer que una película blockbuster sobre un superhéroe violento y gracioso fuera difícil de financiar, pero la verdad es que los productores que si querían terminar la película con una balacera, terminaron cambiando de parecer cuando el estudio removió 7 millones de dólares de sus presupuestos.

Este cambio importante obligo a la película a cambiar partes importantes de su historia, recortando diversas escenas y personajes, y entre esos cambios, hacer que Deadpool olvidara sus armas.

EL FINAL DE “LOST” (2004-2010) TERMINÓ EN UNA CUEVA MÁGICA PORQUE LA CADENA SE REHUSÓ A PAGAR POR UN VOLCÁN

La isla de Lost estuvo llena de varios misterios, templos, chozas y secretos eran característicos de la serie. Durante toda la serie se estuvo a la espera de que nos fueran revelados los secretos de la isla, cuando en el final de la última temporada, aprendimos que la isla era hogar de una cueva mágica con una roca que aparentemente protegía al mundo del mal. Algo que se volvió icónico a pesar de la controversia entre los fans.

La única razón por la cual la serie concluye revelándonos una cueva brillosa fue porque la cadena ABC se rehusó a financiar el rodaje en un volcán. El elemento mágico original de la mitología del show sería la revelación del volcán inactivo que resurgirá a la vida durante una confrontación entre Jack y el Hombre De Negro. Lo cual hace sentido siendo que nos referencian volcanes múltiples veces en la serie, aunque estos guiños no rindieran frutos.

La cadena ABC temía que un rodaje tan costoso los llevara a la quiebra, así que tuvieron que pivotar de idea.

EL VESTUARIO EN “FUERA DE ONDA” (1995) SURGIÓ POR DESESPERACIÓN

Los vestuarios brillosos, a la moda, de estilo limpio utilizados por Cher y sus amigas en la comedia para chicas adolescentes “Fuera De Onda”, in inglés “Clueless” fueron la motivación cultural que la adolescencia necesitaba en esos tiempos para literalmente se actualizarán hacia la moda de los 90s. Y fue totalmente por accidente.

Inicialmente la ropa sería moda de primera, afín a su actitud chiflada y adinerada. Pero resulta que llenar un closet lleno de ropa super costosa no era nada barato. Así que la diseñadora de vestuarios Mona May tomó inspiración de su musa y se dirigió al centro comercial.

Así fue como May, mezclando piezas de bazar vintage con piezas de moda fina logró estirar su presupuesto y hacer a las chicas de la cinta lucir excelentes. Esta práctica poco usual simplemente fue una forma de mantenerse bajo presupuesto, May más tarde sería acuñada con redefinir toda una generación de moda juvenil para el resto de la década.

EL “PLANETA DE LOS SIMIOS” (1968) SUPONÍA SER UNA FICCIÓN MODERNA

La característica principal y más reconocible de esta cinta es la toma épica de la estatua de la libertad enterrada a medio cuerpo en un campo apocalíptico. Fue tan genial que se utilizo en la portada y los promocionales, creando uno de los cuadros más icónicos del cine.

En realidad los primeros borradores de la cinta fueron escritos por Rod Serling, mejor conocido por su trabajo en “La Dimensión Desconocida”. Su versión inicial exploraba a los simios en un contexto moderno, vistiendo ropa, manejando vehículos y caminando por las calles.

De nuevo, la tacañería de sus productores les hacia preocuparse con que las escenas resultasen demasiado costosas de filmar. Olvidando que podían grabar literalmente en las calles exteriores, y pensando en construcción de sets, fue como cambiaron la idea por sustituir la ubicación a una distopía destruida.

Esta brillante decisión terminó costando mucho más dinero del contemplado, prueba de que siempre se debe contemplar cada posibilidad antes de realizar ajustes no solicitados en guiones ajenos.

“TERMINATOR” (1984) FUE RODADA ILEGALMENTE Y SIN PERMISOS

A pesar de que hoy en día “Terminator” es una de las más grandes franquicias del cine hollywoodense, con un cast excepcional (Arnold Schwarzenegger) y uno de los directores (James Cameron) de cine más redituables de la historia (teniendo dos de los filmes más taquilleros dela historia, “Avatar” y “Titanic”), inicialmente la primera película de la saga fue una cinta independiente de bajo costo realizada por un montón de (aun) desconocidos.

¿Cómo es posible que una cinta independiente de bajo costo lograra semejantes efectos y producción sin dinero? Ilegalmente y sin permisos.

James Cameron y su esposa Gale Anne Hurd trabajaron durante 4 años en cintas de terror de bajo costo producidas por Roger Corman al mismo tiempo que ahorraban dinero junto para financiar el proyecto, durante este tiempo aprendieron todas las técnicas del libro sobre producción barata.

La iluminación consistió totalmente en encontrar locaciones que ya contaran con luz mercurial de mercurio. La niebla fue aprovechada con el humo de pesticidas que cubrió Los Ángeles durante la plaga de moscas de fruta que azotó la ciudad en 1982, ignorando todas las medidas de seguridad y sanitarias por el hecho de estar trabajando entre niebla de pesticida.

Otra es que casi todas las tomas fueron filmadas después del atardecer, añadiendo a su tono oscuro. Como se rodaba de noche existían menos posibilidades de ser atrapados por las autoridades y multados por no contar con permisos.

Una de las pocas escenas de día en donde Sarah Connor maneja por el desierto, tuvo que esperar a medio día cuando las ondas de calor se hicieran visibles. Este riesgo hizo que fueran detenidos por una patrulla a quien tuvieron que mentirles diciendo que eran estudiantes de la Universidad De Los Ángeles, grabando un proyecto escolar.

¿Te gustó este listado? ¿Qué otras anécdotas de recortes presupuestales conoces? ¡Escríbelas en los comentarios y las incluiremos en futuras partes de la serie!

No olvides visitar la primera parte de esta serie: Escenas Icónicas Del Cine Creadas Por Falta De Presupuesto (Parte 1)

Ni la segunda: Escenas Icónicas Del Cine Creadas Por Falta De Presupuesto (Parte 2)

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La entrada Escenas Icónicas Del Cine Creadas Por Falta De Presupuesto (Parte 3) se publicó primero en CinReservas.

En esta nueva serie de nuestra sección Historia Del Cine, seguiremos viendo como la tacañería de algunos productores o estudios nos ha dado momentos clásicos del cine.

5 – “VOLVER AL FUTURO” (1985) TENÍA UNA IDEA MUY COSTOSA PARA SU VIAJE EN EL TIEMPO

Hoy en día tenemos por icónico al famoso DeLorean modificado de Volver Al Futuro, con sus puertas verticales y capacidades mágicas para viajar por el tiempo.  Por lo cual resulta sorprendente saber que originalmente el  DeLorean sería una camioneta estilo pick-up, y que la maquina del tiempo sería un dispositivo láser dentro de un refrigerador antiguo en la caja de la camioneta.

En el borrador original del director Robert Zemeckis, la historia no trataba de recolectar la energía de la torre del reloj cuando la golpeara el rayo,en vez,  Marty iba a regresar manejando la pick-up hacia una explosión nuclear.

Lo cual era históricamente factible ya que en los 1950’s Estados Unidos estaba probando armas nucleares en el desierto de Nevada. Es por eso que pensaban ir a uno de estos campos de prueba para la película, en donde Marty ataría la máquina del tiempo al refrigerador, y el refrigerador a la camioneta, y cuando la bomba explotara, Marty sería “catapultado hacia el futuro”.

Toda esta premisa un tanto descabellada, resultaba costosa pues para ello tendrían que viajar a Nevada. Crear el efecto visual de la explosión costaría 1 millon de dólares que el equipo de efectos no tenía.  Y finalmente el productor Steven Spielberg estaba preocupado con provocar una oleada de niños que se atascarían en sus refrigeradores intentando imitar la película. Así que tras algunas juntas creativas esta idea cambió por la que todos conocemos.

Curiosamente esta misma idea sería reciclada 25 años después en la película de Indiana Jones Y La Calavera De Cristal, resultando en una de las peores escenas de la saga, odiada por la crítica y la audiencia.

4 – EL GAG DE LOS COCOS EN “MONTY PYTHON Y EL SANTO GRIAL” (1975) FUE CREADO PARA REEMPLAZAR CABALLOS

Esta película también conocida como “Los caballeros de la mesa cuadrada y sus locos seguidores” considerada por muchos como una de las más brillantes comedias de la historia. Con su humor inglés sofisticado y revolucionario para la época, tiene algunos de los gags más icónicos y referenciados del séptimo arte. Uno de ellos, en el cual los caballeros no viajan en caballos majestuosos de raza pura, sino imitando que cabalgan a pie con un tipo detrás siguiéndole haciendo sonar un par de cocos aludiendo al sonido de los caballos. Esta idea simple e ingeniosa por poco no sucede.

Tener caballos en una película no es solo cuestión de rentar a los animales, estos deben ser entrenados y deben incluir a sus entrenadores, además deben pagar la comida, calentamiento del caballo, y el mantenimiento de sus monturas.

Los Python no tenían dinero para eso, es por eso que lo sustituyeron con el famoso gag, inspirados por un antiguo show de radio de la BBC en donde para efectos del medio se utilizaban cocos cuando surgían caballos.

3 – EL SOUNDTRACK DE “LA MASACRE DE TEXAS” (1974) FUE IMPROVISADO

Antes de que Freddy, Jason o Michael Myers invadieran nuestras pesadillas, estos primero se inspiraron en “Leatherface” y su familia de caníbales. Una gran parte del terror que nos hace sentir esta película viene de su banda sonora, con sonidos de tortura y ruidos tensionantes y abstractos.

Sin dinero ni experiencia y sin idea alguna sobre creación musical, es como el director Tobe Hooper pidió ayuda al sonidista Wayne Bell para la tarea. Hooper se grabó creando los sonidos él mismo, sentado en el suelo gritando por un tubo largo de cartón, después el sonidista manipuló la grabación, añadiendo sonidos de un bajo roto y otros instrumentos inservibles.

¿Quién diría que el sonido tan caótico cumpliría tan buen efecto?

2 – ORIGINALMENTE “GODZILLA” (1954) IBA A SER UN PULPO DE STOP-MOTION

Ignorando por un momento las incontables secuelas que esta entrega dejaría, Godzilla se sostiene como uno de los monstruos favoritos del cine. Aún recreado con la más nueva tecnología por computadoras en cintas hollywoodenses. Hoy en día muchos se sorprenderán de saber que por poco no hubiera existido semejante reptil.

Imagina al Godzilla original, siendo un pulpo de plastilina, moviéndose con la técnica de stop-motion dentro de una maqueta miniatura de la ciudad. Esta era la idea original del filme. Otras posibilidades incluían un primate gigante, inspirados en King Kong.

Debido a que la producción solo tenía un par de meses para completar el rodaje o de lo contrario se les terminaría el dinero, se optó por usar algo de ingenio, entonces el legendario director de efectos especiales Eiji Tsuburaya se las ingenió con una botarga de hule bastante práctica de utilizar.

1 – “CIUDADANO KANE” (1941) INVENTÓ NUEVOS ÁNGULOS DE CÁMARA INTENTANDO ESCONDER LA FALTA DE ESCENOGRAFÍA

Incluso si nunca has visto esta película, probablemente has escuchado hablar de ella. La obra maestra de Orson Welles está considerada por mucho una de las mejores películas en la historia del cine. Su historia acerca de un millonario solitario, inspirado en William Randolph Hearst y su exorbitante mansión, probaba ser todo un reto recrear con tan solo $800,000 dólares de presupuesto y cero experiencia en producción cinematográfica.

Es curioso pensar que una de las películas que más hicieron avanzar las técnicas de rodaje, narrativas y logísticas en cine fue lograda mientras se improvisaba apresurados y sobre la marcha.

Con puntos de vista desde el suelo y un acomodo de escenografía frontal es como Welles creaba la ilusión de que el set era en realidad más grande. Operando la cámara desde un hoyo en el suelo.

Además, a partir de este nuevo ángulo se implementó por primera vez el uso de paneles de materiales ligeros para la recreación de techos en el set,  paneles parciales que daban la ilusión de estar en cuartos completos.

Además del uso de escenografías pequeñas al frente del cuadro dando la ilusión de ser en realidad estructuras gigantes al fondo del cuadro. Tal como la chimenea gigante de la mansión que en realidad su marco era una silla cuidadosamente posicionada al frente de los actores.

O jugando con la iluminación en la casa de opera donde canta su esposa, para dar la ilusión de estar frente a miles de espectadores cuando en realidad no había nadie. Fue así como estos y varios trucos más dieron vida a una de las mejores películas de la historia.

¿Te gustó este listado? ¿Qué otras anécdotas de recortes presupuestales conoces? ¡Escríbelas en los comentarios y las incluiremos en futuras partes de la serie!

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