“Roman Holiday” es una película dirigida por William Wyler, que cuenta cómo la princesa Anna (Audrey Hepburn) decide huir por unas horas de las comodidades de su posición para mezclarse con las personas del exterior.

En esa aventura conocerá a Joe (Gregory Peck) y a Irving (Eddie Albert); dos trabajadores de un periódico extranjero que la acompañarán a recorrer Roma para tener la exclusiva de tan sutil aventura.

A pesar de tener en la actualidad una percepción negativa para muchos fans del cine, las comedias románticas van más allá de presentar situaciones de enredos que impliquen el amor fortuito entre jóvenes atractivos.

Las buenas exponentes de este subgénero ofrecen una comicidad de la cotidianidad mezclada con una crítica a ciertas estructuras sociales.

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Escenas como las de “Roman Holiday” se ruedan en impresionantes interiores que dan cuentan de la antigüedad de la que rehúye la protagonista; entonces se genera una atmósfera un tanto sombría para reforzar la soledad en la que Anna se encuentra.

La puesta en escena es bastante efectiva y fácilmente podemos empatizar con el personaje de Audrey Hepburn.

El tratamiento para la huída de la princesa nos recuerda a los policiales o películas de acción que William Wyler hizo anteriormente; en esta ocasión la comedia requiere un toque fresco a la tensión que se genera.

Cuando por fin logra salir de la residencia, vemos a Anna como una inocente en medio de un gran urbe que desconoce totalmente; las cosas más ordinarias le resultan de lo más novedoso y curioso.

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Cuando Joe conoce a Anna no le presta mucha atención a la joven, pero al descubrir que se trata de una princesa fugitiva, decide apostar todo anteponiendo sus intereses lo que lo hace ver desde entonces como un protagonista fuera de los estándares tradicionales.

Entonces, después de conocerla y enamorarse de ella, cambia su perspectiva y pasa a ser un hombre responsable y sensible con sus emociones.

En “Roman Holiday” resalta el trabajo en exteriores porque todavía en los años 50’s era muy poco común que las cintas estadounidense salieran a rodar en lo natural.

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Y aún más, es impresionante cómo el equipo aprovecha cada espacio de la capital italiana para que esta sea una protagonista indudable de la historia, y así refuerce la idea de por qué Roma es “la ciudad eterna”.

Podría conflictuar un poco deducir si tenemos un final feliz o triste para “Roman Holiday” (La Princesa Que Quería Vivir, 1953).

Sin embargo, cierto es que el resultado es una comedia romántica bastante emocionante; rodada con mucha inteligencia y un clásico imperdible para cualquier amante del séptimo arte.

Puedes visualizar el tráiler, aquí:

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Miguel Ángel Maldonado

Estudiante de la Licenciatura en Ciencias de la Comunicación por la UNAM. Cinéfilo, cineasta, y guionista en formación, interesado por la formación de nuevas propuestas para el cine mexicano.

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“El Evangelio Según San Mateo” (1964) es una adaptación del texto homónimo de la Biblia que relata en poco más de dos horas la vida del predicador Jesús de Nazaret desde su infancia, pasando por pasajes como la huida a Egipto, hasta su ascensión al cielo después de su resurrección.

Esta mención cobra relevancia no solo por la polémica que rodea al periódico y al cine; sino porque el autor de mencionada película, fue uno de los más polémicos y censurados de la historia, y que fue un enemigo público para la iglesia: Pier Paolo Pasolini.

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La adaptación de Pasolini por momentos se apega a la tradición ya existente de retratar a Jesús como un ente todopoderoso; pero decide ir más allá y presenta a un mesías por destino y no elección; tenemos un gran ejercicio introspectivo que permite una nueva lectura a una vida conocida por todos.

La actuación de Enrique Irazoqui es impecable y acorde a la intención que busca el cineasta, es más interesante en lo no verbal que en los diálogos que emite.

Muchos dicen que “El Evangelio Según San Mateo” (1964) sirvió como un «caballo de Troya» para Pier Paolo Pasolini; porque, adaptando de manera majestuosa un texto bíblico, pudo tener cabida en la industria para provocar con otras propuestas como “Teorema” (1968) y “Salò O Los 120 Días De Sodoma” (1975).

La película no pertenece a esa etapa rebelde del director; pero hay escenas, como la del beso de Judas, cargadas con un erotismo que más adelante fueron uno de los puntos que sellaron la carrera del cineasta.

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Aunque no es perteneciente al movimiento del neorrealismo italiano, la película adopta la estética de esta corriente para contar, de una manera austera y minimalista, la vida de un hombre sencillo a pesar de su posición asignada.

El trabajo de diseño de producción evoca como ninguna otra película el ambiente en que hipotéticamente se desarrolló esta historia, por lo que es uno de sus aspectos más importantes.

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Se emplean imponentes planos abiertos para mostrar la inmensidad de los exteriores que recrean las regiones donde predicaban Jesús y los apóstoles; complementados con una buena cámara en mano que dota de un realismo y emotividad a tan importantes escenas.

“El Evangelio Según San Mateo” (1964) es la versión más sencilla y próxima de la vida de Jesucristo, porque no busca ser un relato dramático como los que se habían hecho en el pasado.

Pasolini agrega inteligentemente unas cuantas gotas de su ideología y el resultado pareciera una tregua entre ese peculiar radicalismo y curiosidad religiosa.

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«Verano Del 85» (2020) la historia de Alex y David, dos jóvenes que se conocen en un momento especial de su vida, y quiénes después de un tiempo de amistad, comienzan una relación sexual.

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Desde un inicio sabemos la suerte que les espera a cada uno, por lo que la película cuenta con una estructura no lineal que nos llevará a reconstruir la tragedia que los ha sellado.

Un incidente en el mar es el primer encuentro para Alex (Félix Lefebvre) y David (Benjamín Voisin), la química entre ellos se da desde el primer momento; las escenas propuestas están cargadas con un fuerte erotismo, que nos involucra en el despertar sexual que están pasando los protagonistas; a la par que reflexionamos sobre la experiencia que nosotros también tuvimos, y sobre lo que desde entonces hemos entendido por belleza.

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Durante esta primera parte, todo es felicidad y vida, los jóvenes dan paseos en motocicleta en majestuosos paisajes de Normandía; se divierten bailando la muy pegajosa música ochentera, y tienen encuentros íntimos que no se muestran a cuadro pero que son reemplazados por curiosos simbolismos que el espectador entiende muy bien.

Destaca el trabajo del diseño de producción que logra evocar esa atmósfera fresca, y a la cinematografía que engalana al film con un uso adecuado del color.

La tensión va en aumento cada vez más por situaciones como la aparición de una «tercera en discordia». Pero en lugar de dar un tratamiento melodramático como clásicamente se da, François Ozon apuesta por un manejo oportuno que provoca muchas lecturas al asunto de un amor instantáneo y efímero. Cuestiona principalmente la idealización que hacemos del amor, y de la dependencia emocional que podemos generar en ella.

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Los personajes están lejos de estar encasillados en un rol de bueno o malo. Porque para esta película, todos somos personas que aprendemos a desenvolvernos y tomar afecto a los demás, aunque en el intento podamos lastimar a alguien.

El amor adolescente en «Verano Del 85» se transforma en un doloroso proceso de paso a la adultez y ya no queda como algo ordinario, sino que toma una complejidad para el desarrollo de Alex el sobreviviente.

La juventud es la etapa más nostálgica para cualquier persona; porque entre muchas cosas, es allí cuando empezamos a conocernos, a tener nuestras primeras grandes experiencias; y entre ellas, la del primer amor rodeado especialmente por el desconocimiento, la exploración y mucha adrenalina.

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«Verano Del 85» (2020) de François Ozon es una dulce y encantadora historia sobre el primer amor y las secuelas que deja para siempre.

Acierta magistralmente en evocar toda una época como los 80, y en tratar la homosexualidad con normalidad como debe seguir siendo retratada en el cine.

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Ahí, en el gran Olimpo de cineastas, en donde bien podemos encontrar a figuras como Alfred Hitchcock; Stanley Kubrick, Akira Kurosawa, o a Ingmar Bergman, destaca el nombre de Luis Buñuel, un realizador de origen español que en el transcurso de casi 50 años de carrera supo transgredir e imponerse como una de las mentes más privilegiadas del siglo XX.

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Nacido en una región lejana de España, Buñuel creció con una estricta educación católica, y aunque desde su adolescencia mostró rechazo a profesar con esas creencias.

Nunca quiso desprenderse totalmente de ella porque encontró una cierta fascinación en cómo esta institución persuadía a miles de personas y formaba parte del poder político de su país.

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Sin ese acercamiento indispensable sería imposible ver hoy en día obras como “Nazarín” (1959) o “Viridiana” (1961) donde Luis Buñuel reflexiona sobre la intromisión fáctica de un orden que continúa presente.

Sin distinción de alguna de sus etapas en México o en Europa, es constante ver en las películas del cineasta español una curiosidad por explorar la parte más erótica de las personas; pues para él este tema se presenta en mayor o menor medida en cualquier etapa de la vida y nos ayuda a entender nuestra intimidad y colectividad.

“Ensayo De Un Crimen” (1955), su comedia negra mexicana, brilla por la obsesiva relación que ve Archibaldo de la Cruz (Ernesto Alonso) entre la muerte y el sexo; dos acciones que según él, son su verdadero yo.

En otro caso como “Belle De Jour” (1967), la encantadora veinteañera Séverine (Catherine Deneuve) decide darle un nuevo significado a su juventud y sexualidad rompiendo con su esquema de perfecta y tradicional esposa.

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Luis Buñuel también será recordado por su peculiar crítica a la clase burguesa y todo lo que se asociará a ella. En su obra los sometió a toda serie de situaciones para que él y los espectadores se divirtieran de sus fragilidades y ridiculeces.

Por ejemplo, dos de sus más importantes trabajos “El Ángel Exterminador” (1962) y “El Discreto Encanto De La Burguesía” (1972); los cuales abordan cómicamente la ruptura de toda etiqueta o moral de los ricos mostrándolos como seres perversos y ambiciosos que aunque sean minoría han ocupado muchas tácticas para legitimar su poder.

Hablando de esta última película, en 1973 Luis Buñuel recibió un Premio Óscar en la categoría de Mejor Película de habla no inglesa; mismo que siempre menospreció, por lo tanto, no fue a recibirlo. Tiempo después se tomó una foto disfrazado para que nadie lo reconociera con “esa cosa”.

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Contrariamente, el cineasta tuvo un trato más flexible con los reconocimientos que se hizo en festivales como Cannes y Venecia; aunque siempre tuvo sus reservas con el glamour que se desprende de este tipo de eventos, era un hombre sencillo y se sentía cómodo así.

Finalmente, a Luis Buñuel se le puede aprender su gran habilidad técnica y conocimiento del quehacer cinematográfico, pero sobre todo, su papel como un autor que desafió las normas de la industria y de la sociedad.

Para así tratar de buscar la verdad y de expresar su inconformismo de la decadencia que se aproximaba cada vez. Él mismo hizo la invitación a futuros cineastas a provocar constantemente por medio del cine, y esa fundamental lección debe aplicarse sí o sí.

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“Cleo de 5 a 7” (1962), donde una joven y exitosa cantante llamada Cleo (Corinne Marchand) espera angustiosa, por un lapso de dos horas, el resultado de un examen médico que le arrojará el resultado a una prueba de cáncer.

La película no dura dos horas como sugiere el título, son solo noventa minutos, pero el tratamiento de los acontecimientos ayuda a que el espectador sienta realmente que se está representando el lapso planteado por Agnès Varda.

Estamos frente a un proceso de duelo que Cleo enfrenta para estar preparada ante cualquier resultado.

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En primer lugar, tenemos la negación de la protagonista al panorama que le ha tocado vivir, no alcanza a comprender en primera instancia por qué al ser exitosa y bella está condenada a sufrir por una enfermedad tan dolorosa.

Siente que la vida le ha jugado mal por tener estos atributos y le es más difícil encontrar la tranquilidad al encajarse en sus supersticiones y lecturas de tarot que no le permiten ver más allá del escenario más fatal.

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Continúa el estado de ira, donde Cleo se revela contra todo y contra todos los que la rodean, siente frustración e impotencia, no solo por tener miedo a la muerte, sino también por la fuerte carga machista y deshumana que la rodea en su vida privada y laboral.

Recursos como la cámara en mano o el uso constante de la cámara subjetiva, ayudan a enfatizar tan cruciales momentos.

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Sigue el estado de negociación, donde Cleo parece más tranquila y un tanto más optimista del diagnóstico que recibirá, decide salir del caos y sale a respirar un poco de aire, a encontrarse consigo misma y tratar de encontrar las respuestas satisfactorias a su mal.

Sin embargo, no puede escapar totalmente de su miedo, porque va encontrando en su camino diferentes hechos y personas que fortalecen sus supersticiones, en su batalla entre la razón y el miedo, a algo todavía no claro.

En el estado de depresión, Agnès Varda no pretende mostrar un dramatismo agobiante para su protagonista, en cambio le da como amigo y acompañante a un joven militar recién llegado de Argelia, a quien le cuenta de su mal y con quién aprende a aceptar que, si bien el diagnóstico puede ser negativo, también puede ser positivo, pero que eso no debe ser un motivo para dejarse morir.

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Y finalmente, en la aceptación, Cleo está lista no para su futuro, sino para su presente; en dos horas aprendió a amar y valorar las «simplezas» de la monotonía que le dan sentido a su existencia.

Es muy común escuchar que lo único seguro que tiene el ser humano es la muerte, no importa si fuiste buena o mala persona, todos dejaremos este mundo tarde o temprano. De esa incertidumbre surge uno de los temores más comunes en nosotros, porque hemos sido acostumbrados a temer a un futuro del que no podemos escapar y a pensar más en eso que en el presente inmediato.

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Este conflicto existencial es tratado por la cineasta Agnès Varda en la que quizás sea su obra más aclamada: «Cleo de 5 a 7» (1962).

Si algo caracteriza la obra de esta cineasta es la sensibilidad con que nos recuerda cuán valiosa y bella puede ser la vida, si aprendes a tomar y a soltar lo que se nos presenta. Gran ejemplo de desarrollo de personaje, y a partir de ello, de cómo el cine es el gran arte de evocar sentimientos.

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Miguel Ángel Maldonado

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«La Ascensión» (1977) dirigida por Larisa Shepitko, una de las películas que muestra el horror de la guerra desde la perspectiva de los dos partisanos (Sótnikov y Rybak) víctimas de un difícil encuentro con la muerte y la soledad.

Contada a manera de «viacrucis», la historia va mostrando el desequilibrio moral y espiritual de los dos partisanos que se debaten entre sus convicciones políticas y las que les dicta su conciencia; en su trayecto sortean algunos obstáculos que dotan de un dramatismo a manera de lenta agonía, muy peculiar en las producciones soviéticas de este tipo.

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Sobre las cuestiones técnicas, la cineasta ocupa el espacio adecuadamente como un elemento importante en la historia; los protagonistas deambulan, aparentemente sin rumbo, en grandes campos cubiertos de nieve que va con el sentimiento de tristeza y desesperación de estos hombres, que tropiezan una y otra vez con lo más íntimo de sí mismos.

El recurso de la cámara en mano refuerza la tensión en escenas dominantes, mientras que la subjetividad de la misma, por momentos, se acerca a la acepción de la guerra como una rutina del horror.

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Larisa Shepitko entiende la complejidad que adopta su película y le da un cierre marcado por una fuerte carga simbólica donde el protagonista Sótnikov termina de una manera tranquila donde redimirá su alma después de tanto mal; mientras que Rybak es lo opuesto, él queda como ejemplo de la traición y de las más bajas conductas, y de la pérdida de la conducción de sus actos.

«La Ascensión» (1977) muestra un retrato crudo y conmovedor de la guerra, recurriendo a una muy cuidada sensibilidad estética y narrativa. Cuestiona tajantemente la máscara de falsedad que se esconde detrás de los falsos valores de victoria y gloria bélica.

En tiempos adversos y coyunturales es necesario revalorar está película y hacer que los horrores que allí se muestran nunca se vuelvan a replicar.

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En el texto sobre «Full Metal Jacket» (1987), hablaba sobre la constante necesidad de muchos cineastas de retratar, con la mayor exactitud, la cara más oscura y drástica de la guerra sin caer en fórmulas ya conocidas o por lo menos dar una perspectiva más cercana a las secuelas psicológicas.

Estas reflexiones cinematográficas se vuelven incluso más complejas e interesantes por la atemporalidad que van cobrando.

Película disponible en alta calidad en el canal oficial de la casa productora «Mosfilm»:

Si aún no estás convencido, te dejamos el Trailer Oficial:

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«Full Metal Jacket» (1987), el doceavo largometraje del cineasta anglo estadounidense, trata de un grupo de jóvenes que son recluidos en una isla militar para recibir un fuerte entrenamiento físico y mental para ir a combatir a Vietnam. La historia está basada en una novela de Gustav Hasford «Un Chaleco De Acero».

Dicen que la guerra en el cine era una especie de prima hermana del género de horror, porque, aunque recurren a narrativas diferentes, se igualan en mostrar la oscura capa que cubre al ser humano con sucesos que orillan a una reformulación de cualquier orden existente.

Además, ponen un énfasis importante en la psicología de sus personajes porque aquí recae el elemento más poderoso de ambos géneros.

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Tradicionalmente se ha dividido en dos el contenido del film; en la primera parte tenemos al grupo de novatos ingresando al ejército, uno de ellos, de nombre Leonard Lawrence (Vincent D’Onofrio), es utilizado desde allí como el objeto de burla por parte de sus compañeros debido a su complexión física; destaca aquí la actuación de un sargento de infantería interpretado por R. Lee Ermey.

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Stanley Kubrick pone atención al maltrato psicológico en la formación de los futuros soldados; el sargento no muestra el más sentido de empatía por sus «alumnos» y recurre a cualquier método para conseguir la formación de cuadros idóneos.

En esta parte se expone la cara más pura del militarismo, más allá del orden y las reglas, el caso de Leonard Lawrence es apenas una muestra de ello.

En la segunda parte, ya sin los dos protagonistas de la anterior; “Full Metal Jacket” (1987) avanza al conflicto en Vietnam.

Donde la tensión está puesta principalmente en el soldado Davis que está comisionado en la sección de periodismo. Él junto a otros amigos vivirán de cerca el monstruo para el que fueron entrenados.

Coincidiendo con otros críticos, esta parte se vuelve un poco plana y sin mucha novedad en el desarrollo de los personajes; aunque es de reconocer la agilidad con la que se filman las escenas de acción y el nivel de recreación del territorio vietnamita.

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Ya casi al final de la segunda parte, y como si se iniciará una nueva, conjuntando el aspecto psicológico de la primera parte, y la adrenalina del segundo capítulo, produciendo un cierre que critica la deshumanización y el lavado de cerebro en los conflictos bélicos.

Los antihéroes pierden la gloria y se quedan sin nada, entienden por qué es falso el poder de su uniforme y las consecuencias que dejan detrás de sus acciones.

«Full Metal Jacket» (La Chaqueta Metálica, 1987) de Stanley Kubrick es el horror de la guerra, de la soledad, y de la muerte; una mirada interesante a la formación y desencanto de una conducta que atenta constantemente contra los más elementales principios de la condición humana.

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Para muchos teóricos del cine, hay algunos momentos donde la línea que separa a las películas de ficción de los documentales, se va haciendo cada vez más delgada, dependiendo de las intenciones que el autor busca impregnar en su obra. “Hiroshima Mon Amour” se convierte en una intensa introspección al pasado que se resiste a abandonar los pensamientos de los protagonistas.

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Como telón de fondo, Hiroshima. Una de las ciudades más lastimadas por aquel suceso, y que en cada momento reitera su dolorosa desgracia.

En ningún momento conocemos los nombres de los personajes. Para Alain Resnais eso no importa y ni siquiera podemos decir que lo dejó en un segundo plano; esa mujer y ese hombre son apenas una muestra de las muchas personas en el mundo que fueron partícipes involuntarios de la guerra.

En cambio, se propone una deconstrucción de cada uno para saber desde su perspectiva cuánto daño llevan marcado, y cómo ese sufrimiento los hace un tanto compatibles.

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El romance es espontáneo, con algunos altibajos y momentos de tensión, pero que endereza su camino por unas razones más poderosas: la soledad y el miedo que les dejó un conflicto bélico en el que no quisieron ni pensaron estar incluidos.

Las tomas largas en los exteriores y el uso de archivo histórico para resaltar la importancia del contexto de Hiroshima, se vuelven quizás en el atractivo más grande de esta película, porque es el factor crucial por el cual todos los elementos van a suceder.

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Este carácter documental y la hibridación refuerzan las clásicas acepciones del cine como agente de cambio y como memoria histórica.

“Hiroshima Mon amour” (1959) demuestra cómo el cine no tiene límites para que la ficción y el documental ahonden en ejercicios introspectivos de problemas universales que siguen lastimando y vulnerando la paz.

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Uno de los trabajos más recordados de esa edición fue “Amor Amor Amor”, un tríptico de cortometrajes que reflejan visiones poco convencionales de ese sentimiento.

Los años 60 del siglo pasado se vieron marcados por una serie de cambios políticos, sociales y culturales. La Nouvelle Vague fue el impulso para que los jóvenes impulsarán la renovación del cine en su forma de verse y hacerse. En el panorama mexicano, los viejos sindicatos limitaban la incursión de nuevas caras en la industria y escaseaban las buenas y originales historias.

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LA VIUDA

Iniciamos con la historia de Leonor, una viuda que ha jurado en la tumba de su difunto acompañarlo por 48 horas; mientras que afuera del cementerio, se asigna al centinela Juan; para que cuide el cuerpo de un guerrillero ahorcado para que ninguno de sus seguidores le dé un entierro digno; ambas historias se entrelazan en una noche donde ambos están solos con su respectiva encomienda.

Este cortometraje está dirigido por Benito Alazraki, el más experimentado de los 3 cineastas; pero a pesar de ello, le da un tratamiento fresco a su historia al igual que sus colegas.

Los personajes tienen un romance instantáneamente perverso y un tanto entendible, aunque son personas ambientadas en los tiempos de la revolución; sus diálogos y comportamientos reflejan a una juventud que buscaba abrir el debate sobre la sexualidad y la sociedad.

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LOLA DE MI VIDA

Este segundo cortometraje está dirigido por Miguel Barbachano Ponce, y protagonizado por Sergio Corona y Jacqueline Andere; cuenta la llegada de Lola a la Ciudad de México para colocarse como trabajadora doméstica en una elegante casa. Durante su camino conoce a Celso, un tamalero ambulante que inmediatamente trata de conquistarla; las envidias de las demás empleadas de la mansión afectarán drásticamente a la joven provinciana.

“Lola De Mi Vida” de «Amor Amor Amor», toca temas bastante importantes como el deseo sexual, el secuestro, la pobreza y las inseguridades del interior.

Durante los primeros minutos vemos a Lola muy temerosa de la ciudad, se ve pequeña en comparación de todo y de todos. En el segundo acto tendremos un caso muy particular; que expone cómo desde esos años la diversidad sexual tenía que ser visible en el cine como signo de cambio en la sociedad; mientras que la última parte muestra una lamentable situación que se repite hasta el día de hoy.

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LA SUNAMITA

El tríptico cierra con el trabajo de Héctor Mendoza, cuenta la desventura de Alicia, una joven que es llamada por su viejo tío para que le acompañe en sus últimos días de vida. Pero este además de compartir sus secretos, le hará una proposición fuera de lo común.

Las similitudes de la historia y del tratamiento de personajes con “Viridiana” (1961) de Luis Buñuel, nos habla de la influencia que tuvo el cineasta hispano-mexicano en los directores que surgen en la década de los 60.

Es curioso ver aquí una sátira crítica a muchas cosas: a la iglesia; al matrimonio; a la vida rural; la individualidad; prácticamente a todo, como si todo lo vivo o creado fueran imperfecto.

La película se construye a partir de la necesidad de ver al amor como una respuesta a un impulso que escapa de toda lógica; moralidad; o de situación 100% libre de imperfecciones.

Una mirada diferente e innovadora que marca ruta para lo que fue la Segunda Época de Oro del Cine Mexicano.

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“His Girl Friday” (1940) es una película dirigida por Howard Hawks. Cuenta la historia de los ex maridos Walter (Cary Grant) y Hildy (Rosalind Russell); quienes también trabajan en un periódico, él como jefe editorial y ella como la periodista estelar; ella le comenta a su Walter que al día siguiente se casará con un vendedor de seguros; pero un acontecimiento de gran resonancia en la ciudad pondrá en conflicto los planes de la mujer.

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El personaje de Cary Grant es un sinvergüenza, sarcástico y mañoso, él se propone desde el inicio reconquistar a su ex; y aunque no lo asuma, busca darle un nuevo rumbo a su estilo de vida que propició en gran medida el quiebre de la relación.

Por otra parte, Hildy es una mujer con mucho poder para sortear las trampas y caprichos de Walter, y el dominio de los hombres en la industria periodística.

Las oposiciones de los protagonistas hacen que la historia avance entre altibajos en sus emociones; donde cada uno reflexiona apresuradamente sobre su dependencia con el otro.

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A diferencia de muchas comedias románticas, la subtrama que acompaña a Walter y Hildy es bastante atractiva; y aprovecha el entorno del periodismo para criticar los alcances perversos de ésta profesión cuando se asocia con el gobierno.

Esta crítica se torna de manera muy natural y dinámica, cualquiera la entiende inmediatamente; y aunque el tema es complicado, eso no es motivo para que desencaje con el toque cómico de la película.

La dirección de Howard Hawks en “His Girl Friday” (1940); es impecable y sabe aprovechar su puesta en escena para que se desarrollen todos los objetivos del guion; es conocido que pidió a sus actores improvisar en momentos claves del film para dotar de más realismo; incluidas las veces donde se rompe la cuarta pared y el espectador ahora es un partícipe de esta gran comedia.

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“His Girl Friday” (1940) sale de muchas convenciones y fórmulas de las comedias románticas; y sin descuidar el espíritu de las mismas, se vuelve muy entretenida y a la vez crítica en cuanto a las relaciones amorosas y dependencias emocionales.

Aunque “el amor triunfa”, nos recuerda los claroscuros que nos rodean en la vida.

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Miguel Ángel Maldonado

Estudiante de la Licenciatura en Ciencias de la Comunicación por la UNAM. Cinéfilo, cineasta, y guionista en formación, interesado por la formación de nuevas propuestas para el cine mexicano.

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