Tres años después del éxito de la película “The Apartment” (1960) el genial director Billy Wilder volvía a rodar con el mismo dúo protagonista:  Jack Lemmon y Shirley MacLaine la película «Irma La Dulce».

Aunque en un principio la película lo habría reunido tercera vez con la estrella más importante del momento, Marilyn Monroe, si esta no hubiera muerto poco antes de que comenzara la producción. 

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«Irma La Dulce» (Irma La Douce, 1963) es una película dirigida por Billy Wilder, con guión del propio director y su colaborador I. A. L. Diamond.

La película se basa en el musical del mismo nombre, aunque finalmente Wilder prescindió de las canciones y de los números de baile.

La colaboración entre ambos escritores es legendaria y el dúo es responsable de obras como: “Some Like It Hot” (1959) “The Fortune Cookie” (1966)“Kiss Me, Stupid” (1964)  y “The Private Life of Sherlock Holmes” (1970).

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Aunque su adaptación finalmente no fue un musical, la película está filmada y producida como si lo fuese. 

Basta ver los primeros fotogramas, con la espectacular fotografía en Cinemascope y Technicolor de Joseph LaShelle, (que ganó un Oscar). Donde los planos rodados con grúa y travelling muestran el enorme decorado -donde se reconstruye de forma magistral la rue Saint Denis- construido por el diseñador de producción Alexandre Trauner (habitual de Bill Wilder) al que todos recordamos por su inolvidable trabajo en la antes citada “The Apartment« (1960).

Como casi todos los maestros del cine clásico de Hollywood, Billy Wilder planifica con planos largos, con gran profundidad de campo (la parte de la imagen que está bien enfocada y se ve nítida) y…

… usando espejos en el encuadre lo que le permite poder mostrar acciones y personajes sin tener que intercalar más planos.

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Billy Wilder, junto a su editor Daniel Mandell, hace un uso muy inteligente del montaje por asociación de ideas. Como cuando muestra imágenes de los diferentes productos que se venden en el mercado y…

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… seguidamente de las prostitutas que están en el otro mercado, “el de la carne”.

Los actores protagonistas están increíbles. Lou Jacobi como Moustache está a la altura, pero destacando por encima de todo está la labor de Jack Lemmon que tiene que desarrollar sus habilidades realizando doble actuación, como Néstor, un pobre desgraciado que no tiene ni idea de lo que pasa a su alrededor y como Lord X.

Néstor, celoso ante la relación de Irma con otros hombres, idea un plan para retirar a Irma de la prostitución, para ello se transforma en un personaje llamado Lord X, un lord británico que acaba convirtiéndose en el cliente exclusivo de Irma.

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Y es en este desdoblamiento de Jack Lemmon donde está lo que, para mí, es lo más relevante de la película y lo que, para otros, es lo más reprochable. Ya que para entrar en el juego que los guionistas proponen hay que suspender el principio de incredulidad para aceptar el planteamiento y entrar en otra dimensión narrativa, la del cuento.

Y es que en esta parte la película «Irma La Dulce» (Irma La Douce, 1963) pasa de tener un planteamiento ácido y corrosivo a ser un cuento romántico y sentimental, como lo es en el fondo el mismo Billy Wilder.

En ella se nos presenta algo tremendamente original y es que el protagonista, Néstor y su antagonista, Lord x son la misma persona. Y, en una ingeniosa vuelta de tuerca al guión, el primero siente celos del otro (es decir, de sí mismo) hasta el punto de que decide “asesinarlo” lo que termina costándole, en una genial ironía, la cárcel.

La resolución de la historia solo la descubrirán viendo la película.

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Vicente Martín Terán

Director y guionista de cine y televisión. Profesor de Historia del cine, de guion y de dirección en diferentes escuelas e instituciones. Como escritor ha publicado estudios, críticas y artículos relacionados con el séptimo arte. Ha publicado Te acordarás de mí, una novela negra ambientada en el Madrid de Primo de Rivera.

La entrada Irma La Dulce: Un Musical Sin Música – Análisis Visual  se publicó primero en CinReservas.

Continuamos con el análisis de “The Man Who Shot Liberty Valance” (en Hispanoamérica, “Un Tiro En La Noche”. En España, “El Hombre Que Mató A Liberty Valance”), dirigida por John Ford (1962). Donde hablaremos del resto de personajes, comenzando por el antagonista, es decir, el malo de toda la vida: Liberty Valance.

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Liberty Valance (Lee Marvin)representa -junto al personaje de Tom Doniphon (John Wayne) – el viejo oeste con el que Ransom Stoddard (James Stewart) quiere acabar. Por eso Valance va contra él, porque sabe que la llegada de éste, que representa la ley, la civilización, acabará con su persona.

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Acompañando a Liberty Valance hay dos villanos Reese (Lee Van Cleef) y Floyd (Strother Martin) que presentan un cierto carácter psicopático, que iría en aumento en producciones futuras dentro del género del western y que llegaría a su apogeo en las obras de Sam Peckinpah -con quien Strother Martin colaboraría en múltiples ocasiones- y en el “Espagueti Western”, donde Lee Van Cleef desempeñaría un papel fundamental de la mano de Sergio Leone.

A Liberty Valance casi nunca se le ve llegando a un sitio, la mayoría de las veces es como si simplemente se materializará -recurso usado por Alfred Hitchcock para presentar al Ama de llaves de “Rebecca” (1940)- la más resaltable de sus “apariciones” es en las oficinas del periódico cuando Dutton Peabody (Edmond O´Brien)enciende una lámpara y Liberty Valance y sus hombres surgen de la oscuridad.

Como ya he dicho Tom Doniphon sabe que cuando acaba con Liberty Valance está acabando consigo mismo, pero su sacrificio no es en bien de la comunidad, ni en aras de la civilización. Su sacrificio, como el Ruiseñor del cuento de Oscar Wilde “El Ruiseñor Y La Rosa” (1888), será por el amor de Hallie (Vera Miles).

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Hallie podría ser una versión más adulta del personaje de Laurie, que la misma actriz interpretó en “The Searchers”. Su personaje es una especie de catalizador, ya que hace que la mayoría de las decisiones importantes de la historia se tomen por iniciativa suya: es ella quien anima a Stoddard a abrir una escuela; es ella quién evita que éste huya ante la amenaza de Liberty Valance; quien recurre a Doniphon para salvarle la vida a Ramson y quien propone la idea para la transformación del territorio en el Congreso con su programa de riego.

Muy interesante es el personaje de Pompey (Woody Strode) que sirve a Ford para que veamos el papel que desempeñaban la mayoría de los negros en una sociedad blanca: participaban de esta, pero estaban excluidos de los bares, las instituciones y la iglesia, todos ellos copados por los blancos.

La mayor parte de la película ambientada en el pasado transcurre de noche. Pocas secuencias, como el caso de la ambientada en la escuela, pasan de día.

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Como en muchas de las películas de John Ford, y en el nacimiento mismo del cine, los trenes tienen un papel importante. En “El Hombre Que Mató A Liberty Valance” la película comienza con la llegada de uno y…

 … termina con la partida de otro. Y en el espacio de tiempo entre ambos trenes nuestra percepción del tiempo, el espacio y los personajes cambia.

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En lo relativo al tratamiento visual es una rara avis en las películas (sobre todo los westerns) de John Ford ya que es una película oscura…

…con abundantes decorados interiores, no localizaciones naturales y…

… bastantes primeros planos para lo que Ford acostumbra

Resulta irónico que sea Tom Doniphon quien propicia la muerte del viejo oeste en el argumento de “Liberty Valance” y sea el mismo John Ford quien, con esta película, mató al western clásico -del que él fue el máximo Maestro y exponente, un símbolo del género- propiciando lo que se llamó western crepuscular (con un montón de notables obras, sobre todo de Sam Peckinpah) y también de esa aberración mal llamada espagueti western (con muchas menos obras notables).

“The Man Who Shot Liberty Valance” (en Hispanoamérica, “Un Tiro En La Noche”. En España, “El Hombre Que Mató A Liberty Valance”), dirigida por John Ford (1962).

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Este artículo es una continuación de esta PRIMERA PARTE del análisis.

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Vicente Martín Terán

Director y guionista de cine y televisión. Profesor de Historia del cine, de guion y de dirección en diferentes escuelas e instituciones. Como escritor ha publicado estudios, críticas y artículos relacionados con el séptimo arte. Ha publicado Te acordarás de mí, una novela negra ambientada en el Madrid de Primo de Rivera.

La entrada El Hombre Que Mató A Liberty Valance (Parte 2) – Análisis se publicó primero en CinReservas.

Se puede considerar que “The Man Who Shot Liberty Valance” (en Hispanoamérica, “Un Tiro En La Noche”. En España, “El Hombre Que Mató A Liberty Valance”), dirigida por John Ford (1962) es el primer western crepuscular.

Se conoce como western crepuscular aquel que comienza a revisar el enfoque clásico del western donde los buenos eran muy buenos y los malos muy malos. Donde los nativos americanos eran representados como salvajes asesinos y las mujeres como simple acompañamiento del protagonista.

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“El Hombre Que Mató A Liberty Valance” (1962) pudo realizarse por la concatenación de una serie de circunstancias: en primer lugar, Hollywood estaba cambiando.

Los productores de las grandes compañías de Hollywood estaban muriendo o envejeciendo y los actores estaban adquiriendo importantes cotas de poder al tiempo que una nueva hornada de productores independientes, de ideas más liberales, se sumaban a la causa de lo que se vino a llamar “El Nuevo Hollywood”.

En segundo lugar, la relajación de la censura impuesta por el código Hays; por último, Ford era ya un anciano, con un pie fuera de los grandes estudios, alguien que no tenía nada que demostrar y que pudo hacer la película que le vino en gana.

John Ford se empeñó en que la película se rodase en blanco y negro. El director no visualizaba que la escena culminante de la película, el tiroteo, -que se ve dos veces desde puntos de vista opuestos- fuese en color ya que esto no le habría permitido el contraste entre luces y sombras que la secuencia necesitaba.

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Mientras que el punto de vista que narra “la mentira” es más luminoso… 

… el que narra lo que de verdad sucedió es más oscuro y contrastado.

Reseñar que Ford, famoso por ser uno de los que tenía mejor ojo para la composición y -sobre todo- para retratar paisajes, decidiera que en esta ocasión el paisaje estuviera casi ausente y que la película sea visualmente “pobre”.

Los únicos exteriores de la historia son los que muestran a la antigua ciudad de Shinbone y al rancho de Tom Doniphon (John Wayne).

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Esta ausencia de exteriores y paisajes hace de “The Man Who Shot Liberty Valance” una de las películas más teatrales de John Ford, con un número limitado de decorados y una gran concentración de actores, y también de las más claustrofóbicas. Todo ello al servicio de la historia.

Como en muchas películas de Ford “El Hombre Que Mató A Liberty Valance” habla de la necesidad de que el individuo se someta por el bien común. Del sacrificio del héroe para favorecer el desarrollo de una sociedad a la que, en muchas ocasiones, desprecia. Basta recordar su otra obra magna: “The Searchers” (1956) para entender este concepto del universo “fordiano”, pero es en “Liberty Valance” donde el director pone en duda que el sacrificio sea para bien.

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Aludiendo nuevamente a “The Searchers”, donde Ford nos narra la evolución del protagonista, que nos es presentado como un tipo racista y desagradable hasta convertirle en el héroe prototípico del western moderno. En “Liberty Valance” lo hace al revés, comienza con el protagonista convertido en héroe para que, cuando la verdad es revelada, averigüemos que el “héroe” fue otro.  

En “El Hombre Que Mató A Liberty Valance” el paso del tiempo no es un simple elemento de medida, sino algo tangible que provoca que la sociedad y las personas cambien y no siempre para bien.

La película se centra directamente en el cambio que se produce tanto en el pueblo de Shinbone como en Ransom Stoddard (James Stewart). Pero “por detrás” se nos cuenta otro cambio, el que se produce en Tom Doniphon y en el propio oeste.

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Liberty Valance (Lee Marvin) representa al oeste salvaje y por eso debe ser eliminado. Irónicamente, será Doniphon -quien también es alguien perteneciente a ese viejo oeste- quien lo haga, dejando paso así al personaje interpretado por James Stewart que representa los nuevos tiempos y la “civilización”.  

Aparco aquí este artículo que se completará con la entrega de la próxima semana. Mientras aprovechen para ver, o revisitar, este maravilloso western.

“The Man Who Shot Liberty Valance” (en Hispanoamérica, “Un Tiro En La Noche”. En España, “El Hombre Que Mató A Liberty Valance”), dirigida por John Ford (1962).

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Vicente Martín Terán

Director y guionista de cine y televisión. Profesor de Historia del cine, de guion y de dirección en diferentes escuelas e instituciones. Como escritor ha publicado estudios, críticas y artículos relacionados con el séptimo arte. Ha publicado Te acordarás de mí, una novela negra ambientada en el Madrid de Primo de Rivera.

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“Once” (2007) está dirigida y escrita por John Carney. Protagonizada por Glen Hansard (músico de la banda “The Frames” al que también pertenece Carney) y Markéta Irglová.

A veces confundimos sencillo con simple. Pensamos que algo sencillo es por naturaleza simple, tanto en su concepción como en su comprensión. Nada más lejos de la realidad, lo sencillo -y lo sé por experiencia- no es fácil.

Cuando publiqué mi novela ”Te acordarás de mí” mucha gente me comentaba: “me ha gustado mucho y, además, es sencilla de leer”. Amigo, que sea fácil de leer no significa que sea fácil hacer que te resulte fácil de leer.

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“Once” es una película de esas que parecen simple:

Su duración es corta, no llega a los noventa minutos; su guión no es complicado, es una historia muy lineal, con una estructura clara y definida; la historia tampoco es original: chico conoce chica; en cuanto a la dirección, no esperes complicados movimientos de cámara ni efectos.

¿Entonces qué hace tan especial a “Once?  Que está rodada con el corazón y conecta con tu alma. Así, directamente.

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Por momentos la película está rodada como un documental, retratando las calles de Dublín con una enorme naturalidad. En otras ocasiones la planificación es más elaborada pero siempre se encuentra al servicio de la historia.

Se diría que Carney, que también es músico, desarrolla cada secuencia con el mismo tratamiento que da a las maravillosas canciones que ilustran musicalmente la historia, unas son super sencillas (un piano y una intensa interpretación vocal) y otras contienen orquestaciones y arreglos más complicados.

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Y es que uno de los valores más grandes de la película es su maravillosa banda sonora.

La película habla del amor entre las personas y del amor que sentimos por la música. Y eso se nota en las canciones cuya letra, como un diálogo más, hacen que se desarrolle la historia.

Hay canciones tiernas, divertidas, tristes. Interpretaciones desgarradoras por su intensidad y piezas Pop absolutamente deliciosas. No conozco a nadie que le haya gustado la película que no tenga la banda sonora.

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En cuanto a la interpretación quiero señalar que no son actores profesionales, son músicos que actúan y eso se nota especialmente en Markéta Irglová, pero su naturalidad y, sobre todo, su interpretación de las canciones hace que no lo tengamos en consideración. 

Por otro lado, Glen Hansard está estupendo tanto en su labor como interprete dramático como en su faceta de músico. Él es el alma de la película y sus interpretaciones están cargadas de autenticidad.

“Once” es como una de las grandes canciones de Van Morrison, nunca quieres que se acabe.

Es de esas películas en las que, a medida que llega su final, sientes tristeza porque esa maravillosa experiencia va a terminar y sabes que, aunque la vuelvas a ver una o mil veces nunca se repetirá -como en el primer beso- la emoción que sentiste la primera vez.

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Vicente Martín Terán

Director y guionista de cine y televisión. Profesor de Historia del cine, de guion y de dirección en diferentes escuelas e instituciones. Como escritor ha publicado estudios, críticas y artículos relacionados con el séptimo arte. Ha publicado Te acordarás de mí, una novela negra ambientada en el Madrid de Primo de Rivera.

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Una de las últimas contribuciones interesantes a este subgénero es «Teléfono Negro» (The Black Phone, 2022) dirigida por Scott Derrickson.

El cine de terror está unido a la infancia y la adolescencia. Hay decenas de películas de este género en la que los protagonistas son niños o adolescentes, ya sean estos victimas – “The Shining” de Stanley Kubrick (El Resplandor, 1980) – o verdugos – “The Omen” (1976) Richard Donner-.

«Teléfono Negro» está basada en un cuento de Joe Hill (hijo de Stephen King) y cuenta con guión del propio Scott Derrickson y C. Robert Cargill, con quien ya había colaborado en la terrorífica «Sinister» (Siniestro, 2012) y en la también terrorífica (pero por otros motivos) “Doctor Strange» (2016).

La película cuenta la historia de un niño llamado Finney (Mason Thames) y Gwen, su hermana pequeña (Madeleine McGraw) quienes viven en un suburbio del Detroit de 1978.

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«Teléfono Negro» tiene una estupenda ambientación que retrata con sumo realismo el norte de Denver en 1978. 

El retrato del paisaje urbano que se nos presenta contribuye en situarnos a nivel emocional para lo que va a suceder.

El Raptor. Al comienzo nos presentan cómo, en el entorno donde se desarrolla su día a día, la violencia les rodea: en casa su padre les maltrata física y verbalmente…

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… en la escuela sufren el acoso de los abusones y las peleas son presentadas muy gráficamente.

A esto hay que unir la amenaza de «El Raptor” un asesino en serie que secuestra adolescentes.

El personaje de “El Raptor”, interpretado por el irreconocible Ethan Hawke lleva una máscara diseñada por el maestro del maquillaje Tom Savini.

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La máscara multifacética.

El diseño de la máscara recuerda el mítico maquillaje del clásico de terror de la época muda “The Man Who Laughs” (1928) dirigida por Paul Leni e interpretada por Conrad Veidt (quien también inspiró el diseño de “The Joker” de los cómics de Batman).

En el cuento original “El Raptor” era un payaso por lo que para evitar referencias a “It”, tanto a la versión de TV como a la estrenada en cine. Es así como, al director se le ocurrió la brillante idea de crear hasta tres máscaras que permitían varios cambios y combinaciones de forma.

Entonces, según fuese la máscara que llevaba, el personaje podía manifestar unas emociones u otras.

En «Teléfono Negro» (2022) es sumamente interesante el tratamiento visual que se da tanto a las visiones que tiene Gwen, como las que ilustran los recuerdos de las víctimas del Raptor.

Así pues, la película se rodó con texturas diferentes, que producen la sensación de pesadilla surrealista que causa una tremenda desazón.

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Aunque es un relato duro «Teléfono Negro» (The Black Phone, 2022) no abusa de la sangre.

Es más, la presencia de esta es más frecuente en la primera parte de la película, que cuando se nos narra la peripecia que sufre Finney después de ser secuestrado.

Durante esta parte el director usa de manera sobresaliente el espacio para conseguir que estemos en tensión y expectantes a pesar de que todo sucede en un solo decorado.

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Inspiración en Stephen King.

Joe Hill introduce elementos en su obra que ya estaban presentes en los libros de su padre: los protagonistas son adolescentes de clase trabajadora enfrentados al mundo que han creado los adultos. Como en la obra de Stephen King es muy importante la irrupción de lo sobrenatural en el mundo real. Aquí, se pone de manifiesto en las apariciones que ve Finney durante su cautiverio.

Gracias a ese teléfono negro, que da título a la película, “The Black Phone”, los fantasmas de las anteriores víctimas se le aparecen para ayudarle a conseguir lo que ellos no pudieron: escapar y, sobre todo, vengarse.

«Teléfono Negro» es una referencia a la obra de Stephen King, con el hecho de que Gwen tenga visiones en las que, contactando con las víctimas, puede “ver” sucesos que están relacionados con los asesinatos.

Por otro lado, es muy importante resaltar que cada vez que aparece la joven actriz Madeleine McGraw, quien interpreta a Gwen, su presencia eclipsa a los que comparten escena con ella.

La película tiene guiños a la obra de Stephen King, siendo el más obvio la secuencia en la que Gwen monta en bicicleta, bajo una terrible lluvia, con un impermeable amarillo en una clara referencia a la muerte de Georgie en “It”.

«Teléfono Negro» (The Black Phone, 2022) es una estupenda película de terror que hace que durante su metraje estemos pegados a la pantalla pasando un buen-mal rato y, de paso, plantearnos si la sociedad de 1978 que nos presenta es tan diferente a la actual.

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“Thirteen Lives” (2022) dirigida por el solvente Ron Howard -responsable de otra magnífica película sobre supervivencia y salvamento “Apollo 13” (1995)– narra el rescate de doce niños y su entrenador de la cueva Tham Luang Nang Non, en Tailandia.

El guión es de William Nicholson autor entre otras de “Gladiator” (2000) y “Tierras de penumbra” (1993). Su sólido e inteligente texto se centra primero en los niños a rescatar -de esta forma nos sentimos identificados con ellos y sus familias- para después hacerlo con los rescatadores y el complicado proceso de rescate.

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Como protagonistas cuenta con Viggo Mortensen y Colin Farrell como dos espeleobuceadores expertos en este tipo de rescates.

En ningún momento entra en terrenos como el morbo o el amarillismo, esto último lo consigue al pasar de puntillas por el papel que los medios de comunicación desempeñan en este tipo de situaciones.

Aprovecho el inciso para recomendar un clásico del maestro Billy Wilder: “El gran carnaval” (1951) quien narrando también una situación de un rescate similar a esta sí se centra en el papel de los medios en una tragedia de este tipo.

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Realismo al rescate.

La película es emocionante y a pesar de su larga duración en ningún momento decae. Lo más valorable de “Thirteen Lives” (2022) es que no se centra en jugar con la terrible situación por la que pasan los jóvenes, sino que retrata con un realismo muy de agradecer el delicado proceso de rescate y nos demuestra que el ser humano, cuando se une para afrontar una determinada situación, es capaz de lo imposible.

Durante todas las secuencias en las que los buceadores se desplazan por la inundada cueva estás con el alma encogida -más si tienes claustrofobia, como es mi caso-. No sé nada de submarinismo, pero en esta película he entendido de las dificultades, tanto físicas como psicológicas, que conlleva su práctica.

Todo lo narrado cuenta con un impactante realismo que solo puede ser fruto de un laborioso proceso de investigación.

Todos los actores, conocidos y desconocidos, están magníficos. Viggo Mortensen y Colin Farrell están al cien por cien al servicio de la película y se enfrentaron a las escenas de buceo sin utilizar dobles de acción.

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“Thirteen Lives” (2022) crea una representación política y espiritual.

Este film se centra en otros aspectos relevantes e interesantes como la utilización política del suceso, el papel de los diferentes estamentos -civil y militar-y la importancia de la espiritualidad en Tailandia, esto último hace que los oriundos se enfrenten a la terrible situación con un ánimo diferente a lo que ocurriría en occidente.

“Thirteen Lives” (2022) es una oda al ser humano, un canto a la unidad de la humanidad por una noble causa. Una espectacular narración que te mantiene atrapado desde el primer momento. Una película que habla de la importancia del trabajo en equipo, de dejar de lado los egos, de que todos son importantes cuando se tiene un objetivo común.

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Es muy de agradecer que en “Thirteen Lives” (2022) se prescinda de ese toque Hollywoodiense y que también lo haga de ese enfoque, tan del cine americano, del héroe para mostrar a los verdaderos héroes, los héroes reales: aquellos que no buscan reconocimiento y se juegan la vida por ayudar al prójimo.

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“Prey” (2022) dirigida por Dan Trachtenberg es una actualización de la saga de “Predator” iniciada en 1987 con la mítica película de John Mctiernan protagonizada por Arnold Schwarzenegger.

En la presente actualización se ha procedido a adaptarse a los tiempos que corren y el protagonista ya no es un testosterónico militar sino una joven nativa comanche.

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La protagonista Naru (Amber Midthunder) se rebela contra su destino y no quiere asumir las funciones que su tribu destina a las mujeres: la recolección, la crianza de los niños y la medicina, es decir son creadoras y mantenedoras de la vida; mientras que los hombres cazan y luchan, es decir acaban con la vida de otros seres.

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El personaje del Depredador (Dane DiLiegro) se muestra en una versión tecnológicamente menos evolucionada, más primitiva que en las películas anteriores. Los guionistas Patrick Aison y Dan Trachtenberg aplican una lógica temporal ya que la acción de la presente entrega está situada en las llanuras de América del norte en el año 1719. Entre otras cosas, ya no lanza rayos de plasma sino una especie de mini flecha.

Interesante la secuencia del comienzo de la película que nos transmite el mensaje de esta: en la naturaleza todo consiste en ser presa o cazador. La secuencia nos muestra una araña en su red que es devorada por un roedor; que a su vez se convierte en presa de una serpiente de cascabel; que a su vez pasa a ser víctima del Depredador.

Como dicen en un momento en “Prey” (2022), en la caza «el objetivo es sobrevivir» y de eso trata la película, de la lucha por la supervivencia. La protagonista utiliza su mejor arma, la inteligencia, para conseguirlo.

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Dan Trachtenberg emplea con ingenio los diferentes paisajes -bosques, campo abierto, ríos- para sacarle el máximo provecho a las situaciones dramáticas.

Además, Trachtenberg usa habitualmente el recurso de situar elementos en primer término y en segundo, cambiando el foco de uno a otro para que el espectador sitúe a los personajes y vea las reacciones de estos.

Por otro lado, las secuencias nocturnas están muy bien resueltas y las de acción son claras, dado que no recurre únicamente al montaje como herramienta principal para narrar la acción.

En esta entrega el Depredador a veces es un CGI, algo que nos permite apreciar mejor su camuflaje, pero pierde cierto encanto y fuerza respecto de su versión sin efectos digitales.

El Depredador muestra de forma amena y casi antropológica la vida de los nativos americanos. De manera natural, sin forzar la trama, se detalla cómo viven en comunión con la naturaleza y cómo obtienen de ésta todo lo que necesitan, desde comida a refugio o medicinas.

Pero si algo nos muestra “Prey” (2022) es que el mayor asesino, el máximo exterminador, el ser más cruel -a años luz del propio Predator- es el hombre blanco.

Caza con cepos, sin honor; no caza para alimentarse sino por intereses económicos -estremecedor el momento en que vemos la pradera llena de bisontes muertos, despellejados, exterminados por su piel-. Aquí es donde la película presenta la parte más interesante de su reflexión, con el tiempo el único vencedor será el hombre blanco, el más cruel y peligroso de los seres.

Como curiosidad decir que “Prey” (2022) es la primera película de Hollywood en estar doblada al completo al idioma comanche. Y ser la primera película de Hollywood con un reparto formado al completo por actores indígenas norteamericanos que, además, son los protagonistas de la historia de la cinta.

En definitiva, “Prey” (2022) es la mejor película de la saga tras la original de 1987. Un más que agradable entretenimiento y un ágil representante del cine de supervivencia.

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Vicente Martín Terán

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“Gattaca”, de Andrew Niccol (1997), es una obra magna y una rara avis de la Sci-Fi dentro del género, ya que en ella casi no hay naves espaciales, ni trajes de astronauta y el único plano del espacio exterior está al final y apenas dura unos segundos. En «Gattaca», Ethan Hawke encarna a Vincent Freeman en medio de grandes curiosidades y realidades distópicas.

Junto con el Western, la Ciencia-Ficción es mi otro género preferido. Aunque pudieran parecer antagónicos tienen elementos en común: ambos se desarrollan, salvo excepciones, en vastos espacios; tratan cuestiones que reflejan inquietudes relacionadas con el presente y hablan del individuo frente a la sociedad y eso, para un individualista como yo, es el motivo principal para amar dichos géneros.

Andrew Niccol es conocido por haber escrito “The Truman Show” (1998), película que tiene mucho en común, en cuanto a el mensaje que se quiere transmitir, con la película que nos ocupa.

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Al comienzo de la película “Gattaca” (1997), un subtítulo nos indica que la acción está situada “en un no tan lejano futuro.”

En ese mundo la sociedad está dividida en «válidos» e «inválidos». Los «inválidos» no pueden lograr trabajos de alta cualificación y están destinados a los trabajos de bajo rango. Pero esta división no depende, como en la actualidad, de tu posición económica sino de tu genética. Los humanos en “Gattaca” (1997) son componentes que tienen su lugar asignado en la sociedad desde su nacimiento.

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Vincent Freeman (Ethan Hawke) es un “inválido”, uno de los pocos humanos concebido de forma natural poseedor de un perfil genético defectuoso que le augura una corta esperanza de vida.

Vincent tiene el sueño de convertirse en navegante en un viaje tripulado a Titán. La sociedad en la que vive se lo va a impedir, pero su fuerza de voluntad, su alma, su espíritu se revelará contra su destino.

“Gattaca” (1997) es una de esas obras a las que se le pueden dedicar varios artículos, pues en ella todo es sobresaliente, pero voy a centrarme en analizar la impresionante calidad visual de sus escenarios, diseño de arte y fotografía.

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La magnífica fotografía de Slawomir Idziak, intensifica los colores y encuadra con unas composiciones perfectamente equilibradas. Sus planos son una delicia visual.

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Usa primeros planos para resaltar a los protagonistas del entorno y distinguirlos en una sociedad donde todos parecen ser iguales.

Pero sobre todo quiero destacar la excelente labor del director de arte Jan Roelfs (nominado por la Academia por esta película) quien es capaz de construir un increíble escenario del futuro recurriendo a elementos de los años 50´y 60´ y a escenarios reales.

Pocos planos hay en una película de Sci-Fi más bellos y creíbles que los filmados en la Estación de generación de energía eléctrica solar de Kramer Junction, en el desierto de Mojave.

Y pocos decorados más futuristas que los interiores de las instalaciones de Gattaca, rodados en el Centro Cívico del Condado de Marin, obra del arquitecto Frank Lloyd Wright.

O la casa donde vive Vincent, un edificio real situado en el Campus de la Universidad Politécnica de California.

El uso de construcciones reales para presentar un creíble futuro llega a su culminación cuando deciden usar la base de la Presa Sepúlveda para situar una de sus secuencias.

El vestuario se usa para diferenciar el estatus: la élite viste trajes de diseño monocromáticos, que les hace parecer a todos iguales.

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El mismo planteamiento se utiliza para presentar a los situados más abajo socialmente (los “inválidos” destinados a labores de limpieza) o…

… los policías. Todos son perfectamente distinguibles a un simple vistazo.

“Gattaca” (1997) es una de esas películas que te enriquece gracias a su claro mensaje: uno debe de estar dispuesto a demostrar que «puede» aunque la sociedad le diga «no puedes».

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Vicente Martín Terán

Director y guionista de cine y televisión. Profesor de Historia del cine, de guion y de dirección en diferentes escuelas e instituciones. Como escritor ha publicado estudios, críticas y artículos relacionados con el séptimo arte. Ha publicado Te acordarás de mí, una novela negra ambientada en el Madrid de Primo de Rivera.

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“Operación Mincemeat” (2021) dirigida por John Madden, responsable de “Miss Sloane” (2016) y “The Debt” (2011) o la más conocida “Shakespeare in Love” (1998).

Protagonizada por un elenco de estupendos actores con el siempre solvente Colin Firth a la cabeza al que acompañan Matthew Macfadyen, Kelly Macdonald y Penelope Wilton.

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La película narra cómo, tras la campaña en el norte de África, el siguiente objetivo de los aliados era Europa y la invasión de Sicilia se convirtió en un objetivo clave. Para llevar a cabo la operación se diseñó la llamada “Operación Husky”.

Pero los aliados tenían que engañar a los alemanes, para ello diseñaron otra operación paralela, a la que bautizaron con el nombre de «Operación Carne Picada» (“Mincemeat” en inglés). 

La idea era hacer llegar a manos de los alemanes unos documentos que les indicarán que la invasión aliada iba a producirse en Cerdeña y en Grecia en lugar de en Sicilia. Para ello necesitaban un cadáver. Dicho cadáver apareció el 30 de abril de 1943, en una playa de Huelva (España). 

La película desarrolla la trama en varios niveles. Por una parte, nos cuenta, de forma clara y con cierto carácter didáctico, como se desarrolla una operación de espionaje, como en el arte del engaño lo fundamental es anticiparse en lo que va a pensar el enemigo.

Dentro de esta subtrama se encuentra la narración de cómo se crea la falsa identidad del cadáver que va a confundir a los alemanes.

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Para ello cada miembro del equipo va aportando sus propias ideas para crear una vida creíble y que el engaño sea perfecto.

En esta parte, la mejor de la película, cada uno va a volcar sus frustraciones, anhelos y personalidades, de forma que la vida del comandante Martin -así es como han bautizado al ficticio militar- es un compendio de las vidas, recuerdos y deseos de sus creadores.

Hay una subtrama romántica, un triángulo amoroso entre los dos responsables de la operación interesados en la misma mujer, Jean Leslie (Kelly MacDonald).

Pero el principal protagonista de “Operación Mincemeat” es el engaño.

Los británicos intentan engañar a los alemanes. Estos a su vez quieren hacer lo mismo con ellos. Los diferentes responsables del servicio de inteligencia británico se engañan entre ellos y por último el personaje de Charles Cholmondeley engaña a Ewen Montagu, quien se engaña a sí mismo respecto a sus sentimientos hacia Jean Leslie.

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Como en todas las películas inglesas, los actores y la ambientación brillan a un nivel superior. Basta ver cómo, con unas pocas pinceladas, nos refleja la ciudad de Londres en tiempos de la II Guerra Mundial.

Gran parte del tercer acto se desarrolla en España. Cuenta con la intervención de actores locales y narra de forma concisa y muy resumida, las intrigas que se desarrollaban en el país, un centro neurálgico del espionaje, debido a su carácter neutral. Esta parte habría dado por si sola para una película.

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Toda la trama, en una artimaña muy interesante, está contada en un largo flashback por un narrador omnisciente, cuya voz escuchamos en off, y que no es otro que un oficial de inteligencia llamado Ian Fleming (interpretado por actor y cantante Johnny Flynn) el “padre” de James Bond. Fleming crearía el icónico personaje 007 basado en sus propias experiencias. Durante el metraje escucharemos expresiones como “M” y “Q”, que forman parte de la iconografía de Bond.   

En definitiva, “Operación Mincemeat” (2021) es una película super entretenida, que hará las delicias de los amantes del cine de espías y que no aburrirá a los no aficionados a este tipo de historias ya que su tono, casi didáctico, hará muy agradable su visionado en estas tardes de calor infernal.

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Vicente Martín Terán

Director y guionista de cine y televisión. Profesor de Historia del cine, de guion y de dirección en diferentes escuelas e instituciones. Como escritor ha publicado estudios, críticas y artículos relacionados con el séptimo arte. Ha publicado Te acordarás de mí, una novela negra ambientada en el Madrid de Primo de Rivera.

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Existe la comedia romántica, la comedia musical, la comedia física (Slapstick), la comedia de enredo, la sátira, la parodia y la comedia ácida. “Mejor Otro Día” (A Long Way Down, 2014) -la película de la que voy a hablar- se incluiría en esta última categoría.

En la comedia no existen las fórmulas perfectas y pocos son los directores a los que se puede llamar maestros en este género. Uno de ellos, Billy Wilder, dijo: “Las casualidades sólo deben darse al principio de la historia”.

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Así es como comienza “Mejor Otro Día” (A Long Way Down, 2014), con una casualidad: cuatro desconocidos.

Martin (Pierce Brosnan, “Mamma Mia, 2008”) un presentador de televisión que lo ha perdido todo por un escándalo sexual, Maureen (Toni Collette, “El Sexto Sentido, 1999”) una madre soltera con un hijo discapacitado, Jess (Imogen Poots, “28 Semanas Después, 2007”) una adolescente marcada por la desaparición de su hermana y JJ (Aaron Paul, “Breaking Bad, 2008-2013”) un músico frustrado que tiene que trabajar como repartidor de pizza, se encuentran en la azotea de un rascacielos de Londres con la intención de suicidarse en nochevieja.

A partir de aquí el director Pascal Chaumeil (Los Seductores, 2010) nos relata las relaciones que establecen estos cuatro perdedores y cómo se desarrolla su existencia desde el momento en que deciden darse un plazo, hasta el día de San Valentín, para recomponer sus vidas. Una vez finalizado, el que quiera suicidarse tendrá vía libre.

Basada en el best seller «En Picado» de Nick Hornby (“Un Niño Grande”, “Alta Fidelidad”) contiene, los elementos para resultar una buena película: buenos diálogos, excelentes situaciones dramáticas, estructura sólida, está dotada de un mensaje y es profundamente vitalista.

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Los actores de “Mejor Otro Día” están más que correctos.

Posiblemente es uno de los mejores papeles de Pierce Brosnan. Y durante todo el metraje compartimos con los personajes su recorrido emocional hasta el desenlace final.

Mejor otro día está realizada a la manera clásica: sencillez en la planificación, cámara al servicio de los personajes, ritmo interno (no basado en el montaje), dirección artística e iluminación naturalistas, incluso la música incidental (salvo las canciones pop-rock) es un colchón, sobre el que descansa la acción, que casi no notamos. En definitiva, una buscada austeridad técnica en favor de la actuación de los actores.

En cada una de las historias, que han llevado a los personajes al borde de esa azotea, está lo más valioso del filme. El director Pascal Chaumeil  tiene claro que toda la fuerza de la película está en los actores y en los personajes que interpretan por lo que estructura la narración en cuatro partes, una para cada uno de los personajes. 

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Como siempre, esté donde esté, destaca Toni Collette, la mejor de los cuatro, dando vida a una ama de casa que, como tantas, no “puede con la vida”.  

“Mejor Otro Día” (A Long Way Down, 2014) nos habla de la amistad, de la necesidad de no estar solos, del poder del amor (filial, maternal y romántico). De la utilización que hace la televisión de las personas, de la fama, de la frustración creativa.

Siguiendo con mis recomendaciones veraniegas de feel-good movies recientes -que pueden haber caído en el olvido-, “Mejor Otro Día” forma parte de esas películas optimistas, vitalista, de esas que nos reconcilian con la vida.

Aunque, para ser sincero, le faltan unas gotas de mala uva porque ese es el ingrediente principal de las grandes comedias.

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