Esto es exactamente “Sin Códigos” (Verbrannte Erde, 2024) película Alemana escrita y dirigida por Thomas Arslan; un entramado de sucesos que componen de forma lineal un relato básico y comprensible. No hay dobles sentidos, ni contextos que incidan en lo que pasa. Simplemente unos delincuentes muy profesionales son contratados para robar un cuadro y así lo hacen.

Con efectividad y sin producir ningún daño, ni humano, ni material. Lo han planificado lo justo y necesario, ya están muy aceptados sus movimientos y no desconfían entre ellos. La conductora es una piloto de pruebas, el que interfiere las alarmas es (como casi siempre) asiático y los que robaran son dos tipos rudos, pero tan cautos como perfeccionistas.

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Así sucede todo, en un ambiente de tensión constante. Casi no hay diálogos, solo los suficientes y cuando se suceden, refieren a lo básico entre las partes. Las actitudes corporales son rígidas, como si quisieran ejemplificar un estereotipo del delincuente efectivo, concentrado y casi perfecto.

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El trato se realiza por partes: en una oficina muy iluminada y en un depósito muy oscuro. Todo parece un trámite, pero es un mundo donde la palabra a veces es solo una teatralización de lo que se piensa. El film mantiene una dinámica que está construida magistralmente. La cámara y las actuaciones sincronizan una pintura visual. Los silencios y la oscuridad de la noche son el andamiaje por donde rueda la historia. La dirección de cámara es perfecta, sin exagerar nada, logra todo. Estamos pendientes y desconfiamos de todo lo que vemos.

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Las imágenes son cuidadas artísticamente, tienen el color y el ritmo adecuado. Todo se acopla en un rompecabezas exacto para dar cuenta de un género cinematográfico que encuentra aquí su ADN perfecto.

“Sin Códigos” (Verbrannte Erde, 2024) podría convertirse en una película de culto, es un paso a paso de lo que es el cine. Tiene la dosis mínima de acción para ejecutar el desarrollo secuencial de la historia. Los actores están bien acoplados a la maquinaria del film. Nadie muestra algo de humanidad, están 24 horas comprometidos con su profesión de delincuentes, salvo la escena en un bar, donde dos de ellos sonríen y hacen referencias a sus vidas después del delito. Está contada mayormente en imágenes y secuencias que rinden sus frutos.

Es casi indispensable degustar esta película donde lo predecible de ninguna manera nos relaja. Su director es responsable de que no podamos dejar de verla en un silencio cómplice con el de sus protagonistas. 

“Sin Códigos” (Verbrannte Erde, 2024) es una película alemana escrita y dirigida por Thomas Arslan. Protagonizada por Mišel Matičević, Marie Leuenberger, Alexander Fehling, Tim Seyfi y Marie-Lou Sellem.

Con sus 101 minutos de duración, tuvo su estreno en el Festival de Cine de Berlín, donde fue nominada al Premio de la Audiencia; así como en el Festival de Cine Alemán en Buenos Aires, Argentina.

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Pablo Kulcar

Soy periodista mayormente de radio. Pienso a la profesión como una manera de estimular el pensamiento crítico del que escucha, lee o mira. El cine es un placer que nos permite disfrutar de vidas y momentos en los que siempre hay algo nuestro reflejado. Trabajé en radios comerciales, cooperativas y universitarias. Poder describir con palabras lo que una película me hace pensar y sentir, es mi intención y mayor meta para con el lector.

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El director Ulises de la Orden acaba de estrenar en el país el documental «El Juicio». Film basado enteramente en el registro audiovisual de las audiencias orales del Juicio a las Juntas que llevó a cabo en 1985 la Cámara Nacional de Apelaciones en lo Criminal y Correccional Federal de la Capital Federal. El histórico juicio investigó las responsabilidades de los integrantes de las tres primeras Juntas Militares por los crímenes cometidos durante la última dictadura (1976-1983).

La totalidad de las audiencias fueron registradas por la televisión pública. Los medios cubrían el juicio y el canal público Argentina Televisora Color (ATC) transmitía tres minutos diarios de imágenes sin audio. Sólo la lectura de la sentencia fue transmitida de manera completa con imagen y sonido. Esta película se basa en las 530 horas de ese material audiovisual prácticamente inédito.

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«El Juicio» es la décima película de Ulises De la Orden (Río Arriba, 2006; Tierra Adentro, 2011; Desierto Verde, 2013, entre otras) en la que se encuentra trabajando junto al reconocido montajista Alberto Ponce. Es una producción de Polo Sur Cine, con fecha estimada de estreno en Marzo de 2023.

El proyecto tuvo su inicio a partir de que Memoria Abierta. Una alianza de organizaciones de derechos humanos argentinas que promueve la memoria sobre las violaciones a los derechos humanos del pasado reciente, las acciones de resistencia y las luchas por la verdad y la justicia, facilitó el acceso al registro audiovisual completo del Juicio. Memoria Abierta preservó, copió y garantiza el acceso a las grabaciones originales de las audiencias de este juicio histórico, a pedido de la misma Cámara Federal que lo llevó adelante. Memoria Abierta es productora asociada de este filme.

Argentina, 1985 – Opinión

EL DOCUMENTAL

Si tuviéramos que ponerle un título globalizador al filme se lo podría categorizar como un resumen de todas las miserias humanas expuestas bajo varias conductas patológicas. Entre las que se destaca el cinismo con que toda la cadena de mandos de la dictadura y sus aliados tejió una estrategia disfrazada de heroísmo redentor.

El documental está dividido en 18 espacios, cada uno titulado con una frase de alguno de los testigos declarantes. Pasan así desde la tortura a la apropiación de bebés, y hasta la rapiña sistemática de elementos en cada uno de los hogares donde irrumpían estos operativos. La cosificación de aquellos a los que se detenía los degrada solo a su condición de culpables y merecedores de vejámenes en función de la Cruzada Evangélica contra el marxismo internacional. Toda actitud solidaria, sea desde el trabajo sindical, desde la iglesia o hasta de los que circunferencialmente se encontraban en medio de esta cadena de seres a invisibilizar, será merecedora de la impúdica e inmoral desaparición.

Así los relatos son relativamente cortos, pero inmensamente profundos y significativos, cada palabra es un iceberg por desentrañar donde lo que flota acciona recuerdos de lo que se hunde.

El Fotógrafo Y El Cartero (Documental) – Opinión

La duración es solo un pretexto, es un film dinámico y enciclopédico desde lo histórico.

La guía del deber ser está escrita por militares que en ningún caso son inocentes en su ideología y aplican todo su poder contra aquellos que pongan en duda su lugar privilegiado, sea este desde lo económico a lo político. Solo es posible esa concepción cristiana y Occidental.

Miles de testigos cuentan cómo son avasallados sus más íntimos derechos. Las defensas hacen agua en sus convicciones, forzadas en un heroísmo tan irreal como sádico. La película es el juicio, no sale de allí ni un minuto, no nos dispersa. Es un recorte de un momento histórico donde las canalladas son numeradas de a una, y los acusados insisten en una justificación caricaturesca e inverosímil. Las circunstancias del juicio nos duelen, pero ese alegato final instala una frase de la que todo un pueblo debe hacerse cargo: Argentinos, Nunca Más!

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«Queremos recrear el espíritu que se vivió en aquella época a través del juicio, donde en paz se logró juzgar al más violento de los gobiernos de la historia Argentina”, expresa Ulises de la Orden. “El archivo da cuenta del clima político y social de la época, muestra la tensión que se vivía en esos primeros años de la recién recuperada democracia, la violencia latente, el temor de los testigos a las represalias; todo esto aparece en los gestos, las miradas y las formas de hablar de todos los involucrados en el juicio”, afirma el director.

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EL JUICIO A LAS JUNTAS

Argentina ha sufrido una larga serie de dictaduras desde 1930. Durante la última y más cruenta de ellas, entre 1976 y 1983, miles de personas fueron secuestradas y luego desaparecidas, otros miles asesinados. Se aplicaron torturas generalizadas, cientos de bebés fueron robados y entregados en adopciones ilegales, existieron prisioneros políticos, los ciudadanos se exiliaron y se impuso una fuerte censura cultural y política.

La desaparición de personas fue la modalidad inédita impuesta por esa dictadura.

Argentina recuperó la democracia el 10 de diciembre de 1983 con la victoria en elecciones libres de Raúl Alfonsín. El nuevo presidente dispuso investigar y juzgar las violaciones a los derechos humanos cometidas durante la dictadura. Ordenó, para ello, la creación de una comisión investigadora y el juzgamiento a los máximos responsables.

En septiembre de 1984, Ernesto Sábato, presidente de la Comisión Nacional sobre la Desaparición de Personas, presentó el resultado de la investigación de la CONADEP ante el Congreso. Ese informe, que se conoce como el “Nunca Más”, corroboró las denuncias de sobrevivientes y organismos de derechos humanos, aportando pruebas fundamentales para el reconocimiento de los crímenes cometidos.

A través de los relatos de los más de 800 testigos se conocieron públicamente los delitos cometidos por el Estado en el marco de su accionar represivo. En la voz de los abogados defensores se escucharon los posicionamientos políticos e ideológicos de quienes cometieron y justificaron los delitos de lesa humanidad. En la voz de las víctimas, las historias de tortura y muerte. El archivo audiovisual de 530 horas está conformado por material prácticamente inédito.

En 1985 se acusó a los ex comandantes de las tres primeras Juntas Militares de los delitos de privación ilegal de la libertad, aplicación de tormentos, robo y homicidio. A este emblemático proceso legal, que comenzó el 22 de abril de 1984, se lo conoce como El Juicio a las Juntas. El tribunal estaba formado por los jueces León Carlos Arslanián, Ricardo Gil Lavedra, Andrés José D’Alessio, Jorge Valerga Aráoz, Guillermo Ledesma y Jorge Edwin Torlasco. El fiscal fue Julio César Strassera y su adjunto Luis Moreno Ocampo.

El 9 de diciembre de 1985, tras ocho meses de juicio oral, se leyó la sentencia.

El fallo de la Cámara Federal fue el siguiente: Jorge Rafael Videla, reclusión perpetua y destitución; Emilio Eduardo Massera, prisión perpetua y destitución; Orlando Ramón Agosti, prisión de 4 años y 6 meses, y destitución; Roberto Eduardo Viola, prisión de 17 años y destitución; Armando Lambruschini, prisión de 8 años y destitución; Basilio Arturo Lami Dozo, absuelto; Leopoldo Fortunato Galtieri, absuelto; Omar Rubens Graffigna, absuelto;  Jorge Isaac Anaya,absuelto.

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EL PROCESO DE JUSTICIA EN ARGENTINA

Con el Juicio a las Juntas se abrió el proceso de Justicia por los crímenes de lesa humanidad cometidos en nuestro país. Enfrentado a las presiones del poder militar, este proceso fue interrumpido por las leyes de Obediencia Debida y de Punto Final durante la década de 1980 y por indultos en la década de 1990.

Sin embargo, esta etapa de impunidad comenzó a clausurarse en 2001 con la primera declaración de inconstitucionalidad de las llamadas leyes de impunidad. Las decisiones simultáneas de  instituciones responsables de hacerlo, llevaron a la reapertura de casos judiciales y al comienzo de nuevas investigaciones.

El Juicio a las Juntas fue el cimiento sobre el que se construyó todo el proceso de justicia argentino, que aún continúa.

Actualmente, varios procesos legales se llevan a cabo en todo el país en el marco de la justicia ordinaria, con jueces y tribunales comunes. No se han creado tribunales ad hoc o especiales, como ha sucedido en otros países del mundo para hacer frente a situaciones de violaciones masivas de los derechos humanos. La legislación aplicada es la misma que la de cualquier otro caso judicial en el que se investiguen delitos federales.

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Al momento de terminar esta película han sido condenadas 1058 personas, 964 fallecieron mientras eran procesadas y 22 se encuentran prófugas.

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Sobre el director de «El Juicio»: Ulises de la Orden.

• Egresado de la carrera de Dirección en la Universidad del Cine.

• Docente de Dirección en ENERC 2006 – 2022

Su formación académica se vio completada por una vasta experiencia laboral en la industria del cine en la que trabaja desde 1992, participando en importantes producciones en Argentina, Chile, Hungría, Francia, India, Hong Kong, China, Canadá e Inglaterra.

Sus películas son «Río Arriba» (2006), «Tierra Adentro» (2011), «Desierto Verde» (2013), «Mujer Entera» (2015), «Chaco» (2018), «Nueva Mente» (2019), «Amanecer En Mi Tierra» (2019), «Marea Y Viento» (2020), «Vilca, La Magia Del Silencio» (2021). «El Juicio» (2023) es su décima película

Producción

Las 90 jornadas que duró el juicio fueron enteramente registradas por el canal público de televisión. En aquel entonces ATC, a dos cámaras en cassettes U-matic. El registro original se encuentra en su totalidad digitalizado, gracias a los esfuerzos del equipo de trabajo de Memoria Abierta, organización que custodia los originales y cuya participación es clave para la producción de esta película.

No fue fácil dar con el material. En el canal público de televisión, que fue el encargado del registro, me negaron todo tipo de colaboración por temores a castigos políticos. Y en el AGN (Archivo General de la Nación Argentina) que tiene el material en custodia, me sugirieron que para evitar inconvenientes buscara el material en la Universidad de Salamanca (España) que también tiene copia del material en custodia.

En 2019, luego de mucho caminar, supe, a través de mis amigos de la Fundación Luisa Hairabedian que el material de archivo, las 530 horas digitalizadas, están en custodia de Memoria Abierta.

 Nos encontramos con el equipo de Memoria Abierta, llegamos a acordar los lineamientos para poder trabajar en conjunto y entonces sí, estuvimos listos para empezar a visualizar el archivo.

La etapa de visualización, descripción y acondicionamiento del archivo para su uso en la película duró 9 meses y fue realizada por Alberto Ponce (editor), Gisela Peláez (asistente de dirección y directora de producción) y yo. El material que fuimos recorriendo tenía algunos faltantes importantes y algunas cintas muy deterioradas por el tiempo.

Noruega

Por este motivo nos aventuramos a tratar de dar con la mítica copia en VHS alojada en el Parlamento Noruego. La historia de esa copia merece un relato aparte, pero para sintetizar, en 1988 por el temor que despertaron los distintos alzamientos militares posteriores al juicio, los jueces decidieron hacer una copia en casetes VHS hogareños y sacarla del país. De todas las instituciones consultadas fue la International Penal and Penitentiary Foundation, con sede en Dinamarca, quien ofició de nexo con el Parlamento Noruego, en cuyo archivo descansan actualmente los VHS.

Con paciencia y perseverancia logramos entrar en contacto con las autoridades de ese archivo y gestionar en envío de una copia digital. Allí encontramos muchos fragmentos que no están disponibles en la copia original en Argentina. La película utiliza fragmentos de ambas copias.

Este hallazgo motivó la incorporación en la coproducción de la película de Dag Hoel (Dag Hoel Filmproduksjon, Noruega) que en ese entonces ya contaba con la inestimable participación de Alessandro Borrelli (La Sarraz Pictures, Italia) y Richard Copans (Les films d’ici, Francia).

Memoria

El profundo trabajo de análisis realizado sobre ambos archivos también puso en evidencia la necesidad de una nueva digitalización, tanto del archivo U-matic como del VHS en Noruega. En conjunto con Memoria Abierta desarrollamos un proyecto, actualmente en marcha, que coordina esfuerzos entre la Cámara Federal en Argentina, el Parlamento y la Biblioteca Nacional Noruega, con el apoyo económico de la Ford Foundation, para la digitalización y unificación de una copia máster del archivo del Juicio a las Juntas en 4K, con los estándares actuales de procesamiento, y que estará disponible al público a través de Memoria Abierta.

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Pablo Kulcar

Soy periodista mayormente de radio. Pienso a la profesión como una manera de estimular el pensamiento crítico del que escucha, lee o mira. El cine es un placer que nos permite disfrutar de vidas y momentos en los que siempre hay algo nuestro reflejado. Trabajé en radios comerciales, cooperativas y universitarias. Poder describir con palabras lo que una película me hace pensar y sentir, es mi intención y mayor meta para con el lector.

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Reconocida por su papel en “Inventando A Anna” (2022) y “Ozark” (2017), la actriz Julia Garner parece ser la candidata más firme para encarnar a Madonna en la película biográfica dirigida por la propia diva de la música pop.

Así lo destacaron al sitio especializado de Hollywood Variety y fuentes ligadas a la producción del proyecto, quienes afirmaron que la propuesta ya fue acercada a la intérprete, quien dará una respuesta en los próximos días.

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De esta manera, Garner saca ventaja sobre otros nombres que sonaban para el protagónico, como los de la estrella de “Euphoria” (2019), Florence Pugh, Alexa Demie y Odessa Young.

Aunque todavía no se conoce el título de este filme, lo que sí se sabe es que la dirección estará a cargo de la misma Madonna y que repasará los primeros pasos de la artista hasta alcanzar el estrellato.

«El enfoque de esta película siempre será la música. La música me ha mantenido en marcha y el arte me ha mantenido con vida. Hay tantas historias no contadas e inspiradoras y quién mejor para contarlas que yo. Es esencial compartir la montaña rusa de mi vida con mi voz y mi visión».

Julia Garner en “Inventando A Anna”

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Anna Delvey/Sorokin, es una joven que logró engañar a la clase alta neoyorquina gracias a sus delitos de guante blanco y personalidad camaleónica a mediados de la década pasada.

La serie pone el ojo en la obsesión de ciertas clases o sectores de la vida estadounidense por el estilo de vida ostentoso y glamuroso de algunos ricos y famosos; la actriz compone un personaje tan hipnotizante que su brillo y seducción no nos permite condenar sus actividades delictivas.

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Julia Garner en “Ozark”:

Aquí es Ruth Langmore, una chica pueblerina que ha vivido su vida entre tíos y primos que entran y salen del delito. La transformación del personaje escala en los distintos trabajos en los que la historia la envuelve, pero mantiene una personalidad dura y casi inquebrantable que no le permite ninguna debilidad. Ruth es una composición en sí misma, es una inagotable fuente de recursos que merecen reconocimiento.

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¿Qué representa Madonna para la música popular?

Madonna o Madonna Louise Veronica Ciccone, nació el 16 de agosto de 1958 en la ciudad de Bay City, Míchigan, Estados Unidos, pero fue criada dentro de Detroit junto a sus 5 hermanos; sus padres son Silvio Anthony Ciccone y Madonna Louise Fortin.

La prematura muerte de su madre, cuando tenía 5 años, la llevaron a vivir con su abuela, allí comienza a gestar una personalidad independiente y arrolladora. Su padre formaría un nuevo matrimonio, lo que le trajo conflictos con su hija durante muchos años.

Es durante su periodo en la escuela primaria y de educación media, donde se destaca por su alto rendimiento y por su comportamiento rebelde y poco ortodoxo. En su etapa de educación superior asistió a clases de ballet, esto la incorpora al mundo de la danza donde encontrará el vehículo para potenciar su capacidad creadora.

En 1977 mientras trabajaba como mesera en Nueva York, se implica sentimentalmente con Dan Gilroy, quien la lleva a formar una banda de rock. Posteriormente, en 1980 deja la banda y junto a Dan Gilroy forman otra, cuya música impresiona a un productor llamado Mark Kamins.

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Este finalmente la presenta a la compañía de discos Sire Records. Allí en 1982 firma su primer contrato y dos años más tarde su popularidad explotó con el álbum “Like a Virgin”; llegando a estar entre los primeros puestos por seis semanas seguidas.

Por dos décadas, Madonna se convirtió en uno de los íconos de la música pop, al punto de ser llamada la “Reina del Pop”, pues su capacidad artística le permitió desde incursionar como actriz en varias películas, hasta ser una importante promotora de la moda, con diseños de ropa bien personalizados y que siempre marcarían tendencia.

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Pablo Kulcar

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“StartUp” es una serie creada por Ben Ketai, se compone de tres temporadas, treinta episodios en total. 

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Nada es concluyente, la dinámica de la serie va rotando.

Al final GenCoin será lo menos importante cuando los protagonistas terminan creando algo más grande que los  llevará a su inevitable contacto con la tragedia. Hay muchos personajes que se suman en las  3  temporadas como los interpretados por Ron Perlman, Addison Timlin, Joshua Leonard. Reina Hardesty o Mira Sorvino.

La mejor temporada es sin duda la primera. Termina de una manera totalmente imprevista y que se centra más en el inicio de la relación de los protagonistas y en el desarrollo de GenCoin como eje aglutinador de todos los conflictos.

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Izzy Morales (Otmara Marrero) es una brillante y temeraria joven de origen cubana que desarrolla una innovadora y posible criptomoneda. Ella es algo así como una nerd en informática; que por injusticias del sistema no ha conseguido los financistas necesarios que aseguren el éxito que su capacidad promete. Su desarrollo se llama GenCoin.

Por inexperiencia y ambición será estafada y su criptomoneda quedará en manos de un inescrupuloso desarrollador informático, de mucha exposición mediática y con deseos de poder y gloria.

Su frustración y derrota económica- moral, la conecta con Nick Talman (Adam Brody). Es el típico relegado en una familia donde el “suegro” ostenta la riqueza y el dominio sobre todos los que se suman al imperio familiar. Izzy necesita dinero y mucho. En una entrevista lograr seducir a Nick, quien ve en ella la posibilidad de conseguir  él también un logro personal.

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La pasión de Izzy lo convence y decide ayudarla convirtiéndose en su socio.

La nueva sociedad  hereda las consecuencias de los delitos que el padre de Nick cometió, sobre todo la torpeza de robarle a la mafia haitiana dirigida por Ronald Dacey (Edi Gathegi). Le robó a quien menos debía hacerlo, un gánster del barrio haitiano de la ciudad que termina siendo un nuevo socio impensado, intentando recuperar lo perdido. Ronald debe dar cuentas de ese dinero a sus seguidores en el barrio haitiano de la ciudad.

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Nace la triple sociedad en “StartUp” (2016-2018).

A pesar de malentendidos iniciales, y de sus diferente orígenes, motivos y estrategias, logran complementarse en sus roles y formar una nueva empresa que desarrollará la futurista GenCoin. Llegarán a un entendimiento parecido a una amistad. Todos apuestan a que esto  logre girar sus vidas hacia aquello que siempre desearon: poder y dinero. En el caso de Izzy, demostrar  su capacidad en resultados tangibles, en el de Nick tener un negocio propio que lo haga rico y dejar de depender de su matrimonio; y en el de Ronnie, sacar a su mujer Tamara (Kristen Ariza) y a sus dos hijos de su barrio y aspirar a un mejor futuro lejos de la violencia de la que están rodeados.

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Pero la historia en “StartUp” debe tener un supuesto redentor que reponga el orden.

En este caso recae en el agente del FBI Phil Rask (Martin Freeman) quien sólo aspira a tener un botín a mano y largarse de la institución y de un rol que lo ha desgastado y corrompido. Para esto intentará atrapar al padre de Nick (un importante estafador al que el FBI tiene entre ceja y ceja) y así se involucra en la historia, aportando mucho más de lo que insinúa.

El último protagonista es un millonario de la tecnología llamado Alex Bell (Aaron Yoo) quien tiene detrás a una familia rusa mafiosa que lo rodea. Oscila mostrarse como un mecenas y un empresario arriesgado e innovador,  a un despiadado oportunista que tiene deseos escondidos de venganza y que no dudará en descartar a quien sea cuando no se lo necesite.

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Las historias en «StartUp» se entrecruzan pero su norte es la famosa empresa cuyo centro fundacional es la criptomoneda.

El amor es inherente a cada uno y desde sus limitaciones se muestran como personajes ambivalentes, unos más que otros. Hay un poco de héroes y villanos; pero lo más interesante es que los roles se construyen en una dinámica de relato que permite, por algunas escenas u oportunidades, que los malos se rediman y los buenos se equivoquen.

La serie es ágil, atrapante por su historia, llena de diferentes contenidos: el poder, el desamor, las frustraciones y la soledad, le dan fuerza a estos incesantes trepadores que con algunos méritos y capacidades nos recrean un mundo financiero rodeado de gánster y delincuentes. Con deseos inconfesables de escapar al sueño idílico de una nueva vida llena de placeres y poder, lo intentarán una y otra vez.

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«Hitman» (2023) tratará acerca de la historia real de un policía de Houston que trabaja encubierto como uno de los asesinos a sueldo más buscados en la ciudad.

La trama estará inspirada en un artículo publicado en 2001 por el periodista Skip Hollandsworth en la revista Texas Monthly. Centrado en la historia de Gary Johnson, un investigador de la oficina del fiscal de distrito que, con el objetivo de atrapar a personas que ordenan crímenes por encargo, se infiltra en el mundo del hampa haciéndose pasar por un asesino a sueldo.

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AGC Studios está financiando «Hitman» y la producción comenzará en Octubre de 2022.

La película será producida por Richard Linklater; Michael Blizzard para Detour Pictures; Michael Costigan y Jason Bateman para Aggregate Films; y Glen Powell con su equipo de producción BarnStorm Productions.

Richard Linklater, director de cine nominado al Oscar por “Boyhood” (2014); “Before Midnight” (2013) y “Before Sunset” (2004); dirigió recientemente la película animada “Apollo 10 1/2: A Space Age Adventure” (2022), que se estrenó en SXSW en marzo. La última película del director antes de eso fue “Adónde fuiste, Bernadette” (2019).

También está trabajando en dos películas biográficas diferentes, sobre el estafador John Brinkley y el comediante Bill Hicks.

El cineasta estadounidense Richard Linklater es mayormente reconocido por sus filmes «Escuela De Rock» (2003) y «Boyhood: Momentos De Una Vida» (2014).

Como en la vida real, el Johnson interpretado por Glen Powell también verá en peligro su falsa identidad y su fachada cuando rompe con los protocolos de seguridad para ayudar a una mujer desesperada (papel que estará a cargo de la guatemalteca-puertorriqueña Adria Arjona Torres) a escapar de su pareja abusiva.

La producción, que tiene previsto comenzar en octubre próximo, se transformará en el tercer proyecto que tiene Linklater entre manos, ya que también está preparando las dos biopics ya mencionadas (John Brinkley y Bill Hicks).

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Richard Linklater.

Nació en Houston, Texas. Estudió en la Secundaria Huntsville y en la Universidad estatal de Sam Houston; dejó la universidad en 1982 para trabajar en una plataforma petrolífera en el golfo de México.

Durante su estancia en la plataforma dedicaba su tiempo libre a leer literatura, pero desarrolló un gran amor por el cine. Fue en este momento cuando Linklater se convenció de que quería ser director.

Linklater usó el dinero que había ahorrado mientras trabajaba en la plataforma para comprar una videocámara súper 8, un proyector y algunos equipos de edición, y se mudó a Austin. Fue allí donde el joven director fundó la Austin Film Society. En otoño de 1984 ingresó en la Universidad de Austin para estudiar cine.

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Antecedentes entre el director y el guionista previo a «Hitman» (2023).

En enero de 1998 después de leer un artículo del Texas Monthly de Skip Hollandsworth, Richard Linklater se puso en contacto con el periodista con el interés de adaptar su artículo como película y también de contratarlo para que coescribiera el guión.

La película que los unió se llamó “Bernie” (2011) e hizo su estreno mundial el 16 de junio de 2011 en el Festival de Cine de Los Ángeles. Fue un film independiente de bajo presupuesto  y recaudó una modesta suma de 9.156.000 dólares.

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Artículos de Skip Hollandsworth a la pantalla.

Los artículos de Skip Hollandsworth en Texas Monthly han lanzado tres películas hechas para televisión y una película propuesta:

Los telepics de CBS “The Almost Perfect Bank Robbery” (1999) y “Suburban Madness” (2004).

El telepic de 1997 de NBC “Love’s Deadly Triangle: The Texas Cadet Murder” (para su distribución fuera de los Estados Unidos, el DVD se tituló “Swearing Allegiance”.)

 “The Goree Girls” (2013), una película propuesta ambientada en la década de 1940 sobre varias mujeres en una prisión de Texas que forman una banda country-western.

¿Qué opinas de la idea de Richard Linklater para «Hitman»? Dejanos tus comentarios.

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Esto en un régimen, como el nuestro, donde el presidente ostenta una imagen de ser quien retiene el poder político de su país. “The First Lady” (2022) es un relato que transita las sombras de ese poder, a partir de las conductas de estas tres primeras damas recordadas por el pueblo norteamericano.

Michelle Obama, Betty Ford y Eleanor Roosevelt son las tres esposas de presidentes estadounidenses que son representadas por las conocidas y jerarquizadas actrices: Viola Davis, Michelle Pfeiffer y Gillian Anderson; en una serie que intenta hacer cierto revisionismo histórico, versionando hechos y mezclando realidad con ficción.  

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Gillian Anderson es Eleanor Roosevelt, que acompañó a Franklin D. Roosevelt durante los cuatro períodos presidenciales que este tuvo entre 1933 y 1945.

Michelle Pfeiffer es Betty Ford, esposa de Gerald Ford y primera dama entre 1974 y 1977.

Viola Davis es Michelle Obama, que ocupó la Casa Blanca junto a Barack Obama entre 2009 y 2017.

Aunque la serie fue creada por Aaron Cooley, contó con un equipo creativo conducido eminentemente por mujeres: la ganadora del Oscar Cathy Schulman («Alto Impacto», 2006), Abby Ajayi («How To Get Away With Murder», 2017), Ellen Fairey («Away», 2020).

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La primera entrega de “The First Lady” (2022) intenta exponer la importancia y dependencia de políticos con la figura femenina que los acompaña en cada uno de los casos.

La producción hizo una muy fuerte apuesta en la ambientación de época que acompaña la transformación física de cada una de las protagonistas; se desarrollan en paralelo las tres líneas temporales de estos tres presidentes, en las que cada uno de ellos enfrenta diferentes desafíos históricos.

El presidente Franklin D. Roosevelt gobernó un tiempo que emergió del desplome de la bolsa en 1929 con su trascendental consecuencia social, la Gran Depresión. Luego adquiere aún más protagonismo histórico con la participación de su país en la segunda guerra mundial.

El caso de Gerald Ford es paradigmático, ya que asume el poder luego que el Presidente Richard Nixon se viera obligado a renunciar ante el escándalo “Watergate” y las consecuencias que el pueblo norteamericano arrastraba de la derrota en Vietnam.

En el caso de Barack Obama todavía están vivas las resistencias que enfrentó como primer mandatario de color en un país donde el racismo pareciera ser un virus difícil de erradicar.

Cada uno de los mandatarios representados puede hacer gala de haber asumido enormes responsabilidades en momentos traumáticos.

A partir de las experiencias y desafíos de sus tres esposas, a los que la serie marca ciertas analogías, y muy a pesar de las diferencias de época y de problemáticas a enfrentar, la ficción ofrece una mirada que revaloriza el rol de estas mujeres; no solo como figuras que acompañan, sino en decisiones cuya importancia queda expuesta en cada capítulo.

Como toda buena ficción agrega misterios y enigmas a resolver como parte de la trama.

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“The First Lady” (2022) puede inscribirse en la línea de series recientes que indagan sobre la intimidad de mujeres relevantes de la historia de la política occidental.

Mujeres como “Mrs. America” (2020, sobre Phyllis Schlafly y su movimiento conservador en los 70), “Impeachment: American Crime Story” (2021, sobre el episodio sexual entre Bill Clinton con su asistente Mónica Lewinsky) y por supuesto “The Crown” (que desde 2016 repasa la intimidad del reinado de Isabel II del Reino Unido).

El reparto se completa con destacadas personalidades como Kiefer Sutherland como Franklin D. Roosevelt; Aaron Eckhart como Gerald Ford; O-T Fagbenle como Barack Obama; Dakota Fanning como Susan Elizabeth Ford; y Regina Taylor como la madre de Michelle Obama, Marian Shields Robinson.

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Pablo Kulcar

Soy periodista mayormente de radio. Pienso a la profesión como una manera de estimular el pensamiento crítico del que escucha, lee o mira. El cine es un placer que nos permite disfrutar de vidas y momentos en los que siempre hay algo nuestro reflejado. Trabajé en radios comerciales, cooperativas y universitarias. Poder describir con palabras lo que una película me hace pensar y sentir, es mi intención y mayor meta para con el lector.

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“Elvis” (2022) está dirigida por el guionista y productor australiano Baz Luhrmann, centrada en la vida del ícono del rock and roll y tendrá su estreno mundial en el 75º Festival Internacional De Cine De Cannes, que se llevará a cabo entre el 17 y el 28 de mayo.

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Así lo anunció oficialmente el festival a través de un comunicado de prensa. Austin Butler, Tom Hanks y Olivia DeJonge, encarnaran en la cinta a Elvis, su representante; el Coronel Tom Parker y a su esposa Priscilla Presley, respectivamente.

La producción repasa más de 20 años en la vida del rockero, desde sus inicios hacia el absoluto estrellato, a través de su compleja relación con su polémico mánager y del rol central que ocupó su esposa Priscilla.

Según se informó, oficialmente, “Elvis”  llegará a los cines de todo el mundo el 22 de junio y dos días más tarde será estrenada en Estados Unidos.

Sobre la vida de Elvis Presley.

Elvis Presley nació el 8 de enero de 1935 en Tupelo, Mississippi.

Hijo de Vernon Presley y Gladys Presley, Elvis creció como hijo único. En 1848, la familia se muda a Memphis, Tennessee; lugar que sería embrionario de su estilo musical.

Como estudiante fue el primero en su familia en terminar la secundaria en el año 1953. Su premio de graduación fue una guitarra de 13 dólares que le cambió la vida. Desde entonces comenzó a cantar Gospel en la iglesia.

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Su vida como cantante.

Elvis Presley cantó por primera vez en público a los 10 años en un concurso regional. Con solo 18 años entró en Sun Records, un modesto sello local y grabó su primer disco. Se animó a participar en varios maratones musicales del famoso Festival Beale Street, exponente emblemático del country y blues.

Elvis no sólo impuso su voz con un registro profundo que pasaba por todos estos estilos, sino que acompañó su presentaciones con movimientos corporales que impactaron a un público que empezó a adorarlo.

En 1954 dio el gran salto: dejó su trabajo en una compañía de electricidad como chofer y decidió emprender una carrera como cantante profesional.

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Su primer contrato profesional.

Su acercamiento a la música negra le abrió puertas. El empresario Tom Parker, convenció al cantante y a su madre para que aceptaran sus servicios como representante y mánager. No había terminado 1955 cuando la RCA lo contrató por cuarenta mil dólares y le organizó una importante campaña publicitaria.

El mismo año rodó su primera película “Love Me Tender” de Robert D. Webb. En el año 58, lo encuentra en el ejército y desde allí, explota una imagen de patriota ejemplar.

Elvis estuvo nominado a 14 premios Grammy, ganó tres y recibió uno en reconocimiento a  su  carrera artística.

La vida de Elvis en Graceland.

En 1957, desembolsó 102.500 dólares por una de las residencias más famosas del mundo: Graceland, con dieciocho habitaciones.

Durante los años sesenta, su estrella se mantuvo  gracias a la cantidad de películas que filmó, en su mayoría comedias pasatistas y edulcoradas, que respondían a valores conservadores que otras posturas ya estaban poniendo en duda.

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Matrimonio e hija y vida en Las Vegas.

Durante 1967 se casó con Priscilla Beaulieu y al año siguiente tuvo su primera hija, Lisa Marie. En la Navidad de 1968 reapareció en un programa especial de Navidad y dio un nuevo impulso a su figura, logrando imponerse en las ventas.

Elvis Presley grabó más de 600 temas, pero ninguno era de su autoría.

En 1969 volvería a dar conciertos en vivo, ya alejado del cine, y sus presentaciones se repetían año tras año en Las Vegas como un espectáculo de culto.

En sus últimos años su salud  se deteriora tras años de dietas rigurosas; al mismo  tiempo quiere ser un emblema de la lucha contra los estupefacientes e incluso el mismo presidente Nixon desea nombrarlo agente especial antinarcóticos. En contraposición, necesitaba ingerir veinticinco pastillas al día para mantenerse en pie.

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La muerte de Elvis.

Durante la noche del 16 agosto de 1977, Elvis Presley no conseguía conciliar el sueño, se levantó y se encerró en el baño. Al día siguiente, apareció rígido sobre el lecho, tras un ataque al corazón. Tenía cuarenta y dos años y en su organismo se encontraron catorce tipos de drogas peligrosas. Fue enterrado y es adorado en Graceland. 

“El ritmo es algo que tienes o no tienes, pero cuando lo tienes, lo tienes todo.”

Elvis Presley

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Pablo Kulcar

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Con Julia Garner, Anna Chlumsky y Laverne Cox en los papeles protagónicos, “Inventando A Anna” cuenta que es el “sueño americano” un largo camino de sacrificio que debe comenzar en la pobreza y atravesar dificultades que la voluntad deberá sortear.

Para así poder llegar a la única meta: ser rico. Al menos esa es la metáfora de vida que los norteamericanos exportan para justificar cierto egoísmo a la hora de contener o propiciar la movilidad social.

Lee la novela del recuento original en este LIBRO (Edición en ingles).

Anna es una inmigrante estafadora rusa-alemana, condenada a prisión, que entiende como acortar esos caminos meritocráticos con atajos que la misma sociedad ofrece. Debe encandilar y engañar, mimetizarse de rica y poderosa y seducir a sus víctimas.

Entre ellos estilistas, hoteles, banqueros y conocidos adinerados son su primer horizonte. La idea es simple: se mostrará como una excéntrica millonaria que quiere poner una fundación en un hermoso y lujoso edificio para beneficio del arte y la cultura.

Entre 2013 y 2017, mientras la protagonista de “Inventando A Anna” vivía en EE.UU, se hizo pasar por una heredera bajo el nombre de Anna Delvey y fue condenada por múltiples cargos de intento de hurto mayor; hurto en segundo grado y robo de servicios en relación con estos delitos, en 2019.

Los nuevos millonarios de compañías online, en su mayoría jóvenes emprendedores e hijos de otros ricos ya establecidos, transformaron a estos mundos en algo idealizado vía Instagram. Codeándose con celebridades en los lugares más paradisíacos del mundo y construyendo un estereotipo de vida, que en algunos casos (como el de Anna) se puede tornar una obsesión a conseguir.

La serie se basa en una larga nota publicada en la Revista New York , pero con varias licencias artísticas. En la serie creada por Shonda Rhimes, el relato es de la periodista Vivian Kent, una mujer embarazada (en la ficción es la Revista Manhattan) que se lanza a investigar esta misteriosa historia, al mismo tiempo que se lleva a cabo el juicio por los supuestos delitos cometidos.

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Las entrevistas que Kent hace van conectando la historia. Todas las personas que fueron engañadas y estafadas durante el periodo en que Anna se mostraba como una importante mentora artística; ante un sector de la sociedad que elegía creer su relato, casi solo como diversión.

Los bancos accedieron a permitir algunos de los descubiertos que Anna generaba en su vida licenciosa, pero jamás aprobaron sus pedidos de crédito para la compra y construcción de una fundación para promover el arte. Por lo tanto, no se cansa de engañar desde celebridades de la moda, financistas, señoras que se dedican a la filantropía, millonarios de Silicon Valley, hasta banqueros y conocidos.

La periodista, Vivian Kent, tiene una serie de reuniones con Anna en la cárcel de Riker Island en la que está encerrada esperando su juicio. Y es ella la que relata una historia totalmente distinta, donde todos y cada uno de sus tropiezos son productos de la misoginia y el recelo envidioso de una clase social que no tolera que una extranjera sea exitosa.

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“Inventando A Anna” tiene nueve episodios de más de una hora cada uno, de un relato que va y viene desde un tiempo pasado glamoroso, a un presente gris con la tensión de una inminente condena penal.

Julia Garner en el rol de Anna, quien además de vestirse siempre con las ropas más caras, utiliza un acento que desconcierta y se mueve con modales que oscilan entre omnipotentes; como si fuese una estrella de cine, a crisis de nervios, también es casi un holograma fascinante y extraño de alguien impenetrable. Y cuando es expuesta como un fraude, su actuación es una palestra con todos los colores.

Lo que “Inventando A Anna” (Inventing Anna, 2022) hace muy bien es mostrar la banalidad snob de ciertas élites que confían ciegamente en los que creen sus iguales e intentan negocios sin chequear información o datos; liberados de la culpa que pueda generar perder unos dólares, siempre y cuando la aventura valga la pena.

La serie no profundiza la relación con el machismo y la misoginia del mundo de los negocios. Vivian, la periodista de clase media que la entrevista, está entre fascinada y horrorizada por el personaje.

Ella también está siendo presionada por su jefe y es ayudada por tres compañeros de redacción, algo relegados laboralmente y que desde esa misma distancia con el editor, se acercan a esta obsesión por Anna Sorokin.

El modo narrativo de la serie es enérgico; veloz; nombres de celebridades; marcas y hoteles lujosos; intentan mantener esa línea de flotación seductora y entretenida, merodeando constantemente un trasfondo sugerido, que en algún punto no deja de ser una pequeña tragedia “made in USA”.

Puedes ver el tráiler aquí:

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El festival dio continuidad a su trayectoria signada por la provocación, que en otros años incluyó hasta proyecciones dentro de sarcófagos. En su su 45° Edición del Festival de Cine de Gotemburgo, que se realizó entre el 28 de enero y el 28 de febrero del 2022, utilizó la hipnosis masiva como experiencia sensorial.

Y no se trata de una actividad lateral del festival, de esas que complementan la nutrida agenda de cada festival por el mundo, el llamado “cine hipnótico” se llevó a cabo durante la proyección de tres de las películas más importantes del catálogo.

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La extravagante propuesta se realizó con las siguientes películas:

• “Memoria” (2021) del tailandés Apichatpong Weerasethakul con el protagónico de Tilda Swinton; quien ganó el premio el jurado en el último Festival de Cannes.

• “Land of Dreams” (2021) de los iraníes Shirin Neshat y Shoja Azari.

• “Speak No Evil” (Gæsterne, 2022) del danés Christian Tafdrup, que tuvo premiere mundial en el Festival de Sundance.

Según detalló el sitio especializado The Hollywood Reporter, antes de cada película un hipnotizador realizó una sesión de hipnosis masiva en el escenario principal del Stora Teatern en Gotemburgo; con el objetivo de alterar el estado de ánimo y el tema de la película para los espectadores.

Al finalizar el filme, el hipnotizador interrumpirá también su influencia sobre el público.

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“¿Realmente te atreves a ceder el control?”

Así se presentaba el video promocional del experimento social/cinematográfico. Justamente el director artístico del Festival de Cine de Gotemburgo, Jonas Holmberg, aseguró que se busca “generar preguntas sobre la sumisión, la transgresión y el control, el cine hipnótico es tanto un tributo como una extensión de la experiencia de ver películas en una sala de cine”, añadió.

No es la primera vez que el El Festival de Cine de Gotemburgo reta con espíritu reflexivo a los espectadores.

En la edición de 2019, por ejemplo, se propuso el “cine ataúd”, que no era otra cosa que proyecciones de películas para espectadores introducidos en sarcófagos especialmente diseñados.

Durante la pandemia el desafío rupturista se adecuo a los protocolos y todo el festival contó con un solo espectador: la enfermera sueca Lisa Enroth. Esta fue confinada 7 días en la casa del faro de la pequeña isla desierta de Hamneskär en el Mar del Norte, a ver las 60 cintas seleccionadas.

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El Motivo De La Hipnosis

Seguro que muchos de nosotros hemos experimentado incomodidad en más de una ocasión en una sala de cine. Ese personaje que no deja de comentar a su pareja, o aquel que come sus pochoclos como triturándolos y el infaltable conectado que prende su celular.

Todos estos factores nos pueden distraer en una secuencia importante o simplemente hacer que desviemos nuestra atención desde el film a film a esa insoportable compañía circunstancial. Esta situación se puede tornar muy estresante para públicos muy consustanciados con su idea de lo que es «ver una película» y que les demanda de todos sus sentidos.

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La Hipnosis Previa

En lugar de poner tráileres antes de la película, el público asistente al festival recibió una sesión de hipnosis previa a la proyección. El hipnotizador fomentó ejercicios como cerrar los ojos, unir las manos como si se tratase de imanes o sentir el tacto de telas, cabellos, etc…

La reacción del público al que preguntaron tras la proyección fue bastante positiva. Algunos destacaron que su concentración en la pantalla y en el sonido de la película se incrementó, «deshaciéndose de las distracciones, y sonidos externos a la proyección».

La experimentación durante el Festival de Cine de Gotemburgo pretende revalorizar el ejercicio de ver películas.

Nos sentamos frente a una pantalla con expectativas y condicionamientos. Muchas veces el mercado instala fuertemente la idea de los géneros cinematográficos (western, terror, policial, etc.) como un pequeños instructivo de por dónde debe ir nuestra comprensión. Pero una atención extrema de lo que estamos mirando le dará más posibilidades a nuestra propia y personal interpretación de la obra artística.

Más allá de autores e intenciones seremos a lo David Bowie “héroes o villanos”, por un día o por un rato y por decisión propia.

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Pablo Kulcar

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Después de estrenar la primera parte de “Dune” (2021) y a la espera de la segunda entrega en 2023, Denis Villeneuve vuelve a embarcarse en un proyecto ambicioso de ciencia ficción.

En este caso con el financiamiento de Alcon Entertainment y Morgan Freeman como productor, quien tenía los derechos de la novela. Denis Villeneuve y Alcon Entertainment ya habían trabajado juntos en “Prisoners” (2013) y “Blade Runner: 2049” (2017).

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Arthur C. Clarke, quien se basó en la mítica “2001: Odisea En El Espacio” (1968), de Stanley Kubrick, para crear esta historia en la que un grupo de exploradores espaciales deben interceptar una nave alienígena que irrumpe en el sistema solar, con la presunción de que esto llevará al primer contacto con extraterrestres (desarrollada en paralelo a la versión cinematográfica).

La novela es una de los trabajos más inteligentes de ficción dentro del género, “postula tantas preguntas como respuestas y es una obra de nuestro tiempo”, dijeron los ejecutivos de Alcon Entertainment: Broderick Johnson y Andrew Kosove.

Sobre la adaptación cinematográfica.

A principios de 2000 se comenzó un proyecto para realizar una película basada en el libro “Cita Con Rama” o «Rendezvous With Rama» en inglés. IMDb (Internet Movie Database) marcó el proyecto con fecha estimada para el año 2009. Iba a ser producida por la empresa productora de Morgan Freeman: Revelations Entertainment.

Se indicó que Stel Pavlou había escrito la adaptación y que finalmente, los informes indicaron que la película no se realizaría, no se escribió el guion y el interés en el proyecto decayó.

Sin embargo, en diciembre de 2021 se anunció que la película de “Cita Con Rama” estaba en desarrollo en Alcon Entertainment con Denis Villeneuve como director.

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Morgan Freeman producirá la película junto a Lori McCreary, a través de su estandarte Revelations Entertainment. Broderick Johnson y Andrew Kosove (codirectores ejecutivos de Alcon), también participarán como productores.

“El libro encaja perfectamente con la brillante sensibilidad de nuestro amigo y colaborador Denis Villeneuve, específicamente con su amor y pasión por la ciencia ficción”, expresaron los productores al sitio especializado The Hollywood Reporter.

Argumento.

Tras el impacto de un asteroide en Italia a mediados del siglo XXI, la humanidad fabrica un avanzado sistema de detección temprana de asteroides que podrían acercarse al sistema solar. Gracias a este invento, se detecta un extraño asteroide, el cual parece venir de fuera del sistema solar y estar viajando a gran velocidad.

Cuando se encuentra más cerca, y después de haber recibido el nombre de “Rama” en honor al dios hindú del mismo nombre, se descubre que es perfectamente cilíndrico y que tiene un movimiento de rotación muy rápido. Estas dos características llevan a la obvia conclusión de que es artificial y su creación se debe a una raza alienígena, por lo cual es posible interceptarlo.

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El interior de Rama.

Para poder hacerlo con éxito, se envía a una de las naves disponibles en misión de exploración del asteroide artificial; esto con el fin de obtener un posible contacto. Una vez interceptado, la nave  orbita sobre el mismo y descubren 3 escotillas de apertura manual. Entran por una de ellas para descubrir que el interior de Rama está hueco y en absoluta oscuridad.

La fría y dormida nave Rama empieza a despertar pronto. Los tres valles que la habitan resultan ser grandes proyectores de luz alargados que se encienden lentamente para iluminar el interior  y a un mar congelado. Cuando este recibe el calor del sol, se deshiela y genera una legión de microorganismos; los cuales liberan gases adecuados para una atmósfera respirable para los humanos. Rama parece ponerse en marcha.

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Rama se despierta.

Al encenderse Rama, esta ha cambiado su rumbo para acercarse más al sol por lo que la tripulación decide alejarse definitivamente de la nave. Antes de abandonarla, logran entrar por la fuerza a uno de los muchos edificios vacíos que la habitan, sin puertas ni ventanas.

Allí descubren una especie de computadoras y banco de datos, con modelos tridimensionales de objetos, robots, y quizá de seres vivos; quienes presumiblemente están listos para ser generados o construidos y puestos en Rama.

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Termina la exploración.

Una vez abandonada la nave, observan cómo el asteroide artificial se acerca peligrosamente al sol para aprovisionarse de energía y de nuevo viajan al espacio profundo para desaparecer a gran velocidad.

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