El documental estrenado en 2025 aborda su carrera artística, su genio creativo, sus luchas personales, familiares y laborales. Muy al estilo Cinéma Vérité, el documental no ofrece diálogos ni injerencias personales, se enfoca principalmente en mostrarnos los sucesos desde la órbita de West, a lo mucho ambientando con musicalización del mismo artista o sonidos de ambiente.

Sucesos desde su infame entrevista con TMZ, su fallida campaña presidencial, su divorcio, el final de su relación con Adidas, su iglesia, sus aspiraciones arquitectónicas y su relación con otras celebridades. La cinta incluye una larga lista de cameos por otras personalidades célebres como Elon Musk, Drake, Marilyn Manson, Pharrell Williams, Playboi Carti, Charlie Kirk, Chris Rock, David Letterman, Rihanna, Amber Rose, Kris Jenner, Lady Gaga, LeBron James, Sean Combs, Anna Wintour, Joel Osteen, DMX, Kenny G, Candace Owens, y Donald Trump, entre otros.

Lee también: La Haine: El Odio – Reseña

Con una duración de 1 hora con 46 minutos, el documental ‘In Whose Name?’ nos da una revaluación y apreciación sobre la vida, carrera, música y obra del polémico artista.

Un documental que fácilmente podrá ser disfrutado por sus seguidores y no seguidores por igual. No es necesario estar familiarizados con el artista conocido como Ye para apreciar el retrato, pues este sirve como caso de estudio de un personaje altamente creativo y excéntrico.

Su bella fotografía y diseño sonoro, así como sus injerencias en momentos históricos e icónicos, dentro y fuera de las vidas de otros personajes conocidos, harán de esta una experiencia que valga la pena verse en pantalla grande. Lo importante es que no se pierdan esta montaña rusa de emociones mientras acompañamos a Kanye West por los momentos más tumultuosos de su carrera.

En resumen, opino que ‘De Kanye a Ye, ¿El nombre de quién?’ (2025) es un estudio de personaje fascinante. Ye, demasiado grande para un solo metraje, te deja deseando más, y su duración sintiéndose muy corta para todo lo que necesita abarcar. Un documental muy bien construido que vale la pena ver si o si.

Lee también: Las 10 Mejores Películas De Barrio

Somos un equipo de cinéfilos y cineastas especializados en crítica de cine. Puedes leer más artículos sobre películas y series en nuestro sitio de internet CinReservas.

Puedes contactarte con nosotros por correo a cinreservas@gmail.com y seguirnos en Twitter (X), TikTok y Pinterest, así como suscribirte al boletín para más actualizaciones.

Conoce nuestro servicio de crítica y ¡Promueve Tu Película O Cortometraje!

Emiliano Caballero

Director / Productor
Filmmaker Cinéfilo
Fotógrafo | Actor
Músico, Poeta & Loco
Editor en Jefe de CinReservas. ¡Sígueme en redes!️

Instagram Youtube IMDb Blog (Poesía & Relato)
Considera hacernos una donación en PayPal.

emilianocaballeroh.wordpress.com/

La entrada ‘In Whose Name?’ el más polémico documental sobre Kanye West se publicó primero en CinReservas.

Llamar la línea temporal que abarca esta película ambiciosa sería subestimarla. Pero aunque la “Aquí” (Here, 2024) tiene mucho terreno temporal por cubrir, el enfoque principal de la película es en la familia Young. Empezando con el padre Al, un veterano de la Segunda Guerra Mundial interpretado por Paul Bettany. Y Rose, una ama de casa interpretada por Kelly Reilly.

Aquí vemos a la familia Young expandirse, y eventualmente entran a la historia Richard hijo de Al y Rose, interpretado por Tom Hanks. Y su pareja Margaret interpretada por Robin Wright.

Lee también: Las 10 Mejores Películas Olvidadas De Actores Famosos.

Los eventos de la película no se muestran en un orden estricto, pero sí hay una línea emocional que va ligando, recordando, y haciendo eco con eventos de otros tiempos.

La película salta de momento en momento, y nos muestra pequeños mosaicos que nos sirven como portales para observar lo que sucede en el pasado u futuro. Podemos decir que el espacio y tiempo al que “Aquí” realmente le interesa explorar (además de la sala de la familia Young) es Estados Unidos, desde sus orígenes hasta su modernidad. Es con esta familia en dónde obtenemos una ventana a esta forma de vida. La manera en la que evoluciona, se transforma, y desaparece. 

El aspecto formal que más llama la atención y que sirve como punto de venta para la primicia de esta cinta es que todo lo vemos desde una perspectiva fija. La cámara no se mueve, el espacio es el mismo. Son solo los elementos a cuadro, y el tiempo que pasa o retrocede lo que hace que la  puesta de escena cambie.

Otro aspecto técnico que es aparente, y difícil de no notar, es la tecnología utilizada para volver más joven o viejos a los actores. En específico, a Tom Hanks y a Robin Wright que son a los que vemos transcurrir más tiempo de vida. Desde su adolescencia hasta su vejez.

Controvertidas han sido estas técnicas de rejuvenecimiento por su uso de la inteligencia artificial que se conoce como machine learning. Esta tecnología desarrollada por la compañía Metaphysic fue entrenada mostrándole cuadros de películas previas de los actores en diferentes contextos. De edad, luz, movimientos faciales, distancias focales, etc. Teniendo esta información aprendida, el software es capaz de generar el efecto en vivo. Durante la filmación, la producción contaba con dos monitores. Uno mostrando el material grabado como tal y el otro mostrando el efecto de rejuvenecimiento ya aplicado. 

Todo esto bajo la idea de dejar que los actores puedan actuar de la forma más natural posible. Sin necesidad de añadirle puntos de referencia faciales para que los diseñadores de efectos visuales puedan hacer su magia. La tecnología lo hace ya en tiempo real. Decisión que quizá pueda ser vistas como una traición de parte de Robert Zemeckis hacia los equipos de VFX que han trabajado con él durante gran parte de su carrera.

El tema de la inteligencia artificial reemplazando la mano de obra y el talento humano es una conversación que está en su pleno apogeo.

Y es “Aquí” una de las primeras películas que hacen uso completo de la IA para generar un efecto que en mi opinión es exitoso. Aunque para muchos podría resultar desconcertante e inusual. Obvio que es una tecnología en su infancia, pero como alguien siempre abierto a las innovaciones, siempre a la vanguardia de lo nuevo, no es sorprendente que Zemeckis sea de los primeros en adoptarla. Fuera de las implicaciones morales y laborales que esto puede traer a la industria.

Robert Zemeckis asegura que siempre se tuvo el apoyo de supervisores de efectos visuales para finalizar los planos de la película y que hubiera una uniformidad y que se prioriza el ojo de los creadores para que el producto final sea satisfactorio, sobre dejar que un software haga todo el trabajo.

Solo el tiempo dirá si el riesgo que toma Zemeckis y su equipo en “Aquí” terminará volviéndose el estándar como otras técnicas en las cuales el director dependió en el pasado que se fueron convirtiendo, tales como el mo-cap (Captura de Movimiento, del inglés Motion Capture) que usó en películas como “El Expreso Polar” (2004) y “Beowulf” (2007). 

Lee también: Escenas Icónicas Del Cine Creadas Por Falta De Presupuesto.

La innovación técnica y visual no son las características recurrentes dentro de la filmografía de Robert Zemeckis presentes en “Aquí” (Here, 2024).

El paso del tiempo, las relaciones interpersonales, y sus repercusiones son temas que podemos ver desde la icónica “Volver Al Futuro” (1985), o la poderosa “Contacto” (1997), o en “Náufrago” (Cast Away, 2000). Incluso en obras más recientes como “Bienvenidos A Marwen” (2018) el director explora la memoria, los eventos que nos definen y lo que decidimos hacer en nuestro presente para impactar nuestro futuro. «El futuro es él la única dirección a la que vamos» o algo en esa índole se menciona en “Aquí”. 

Tengo que admitir que los últimos trabajos de Zemeckis no fueron de mi agrado. Desde “Flight” (2012) el director no hacía una película que podría decir que me movió, o que me gustara. Y me complace decir que “Aquí” cuenta con todo lo que este director ha sido capaz de hacer en el pasado para conmoverme y capturar mi imaginación. 

La forma en la que la película utiliza el dispositivo narrativo de los mosaicos para acentuar momentos emocionales me pareció devastadora.

Mucho se dirá de lo polifacético de actuaciones como la de Tom Hanks, Paul Bettany, Kelly Reilly, y Robin Wright. Son un tour de force en todo el sentido de la frase y creo que merecen ser reconocidas por su audacia. 

La melosidad de las narrativas de Robert Zemeckis son una característica clave para descifrar lo que le interesa explorar al director. Pero un aspecto del que se habla poco es el cinismo que lo ha acompañado desde «I Wanna Hold Your Hand» (1978), «Used Cars» (1980), y «Romancing The Stone» (1984). Durante la película encontramos momentos dulces, pero siempre hay un tinte de melancolía y amargura que vuelve a esta cinta una especie de respuesta a algo como “Forrest Gump” (1994). Parece como si Roth y Zemeckis reconocieran lo insulso que puede llegar a ser esa cinta, una fantasía boomer, en su representación de la historia estadounidense.

Lee también: Pinocho (Adaptación Italiana) – Reseña.

“Aquí” (Here) es implacable. Reconoce los fallos del estilo de vida estadounidense, y de los líderes en su historia viéndolos desde el microcosmos de una familia promedio. Una ventana a la vida que las generaciones pasadas han sido sujetas. Y las decisiones que se han forzado a tomar para sobrevivir en el sistema imperfecto que hemos decidido como el idóneo. 

Si te gustó este artículo seguro te gustará conocer: A Good Day Will Come (Cortometraje) | ¿Se Llevará El Oscar En 2025? – Crítica.

Síguenos por FACEBOOK, YOUTUBE e INSTAGRAM para más noticias y reseñas sobre el séptimo arte. Ayúdanos compartiendo y considera donar en PATREON. ¡Y no olvides suscribirte a nuestro boletín!

Somos un equipo de cinéfilos y cineastas especializados en crítica de cine. Puedes leer más artículos sobre películas y series en CinReservas.

Conoce nuestro servicio de crítica y ¡Promueve Tu Película O Cortometraje!

bakayarro

El día que descubrí el cine de terror italiano afectó la química de mi cerebro.

Facebook Instagram

La entrada Aquí (Here, 2024) | Robert Zemeckis Y Tom Hanks – Crítica se publicó primero en CinReservas.

Nos presenta un futuro imaginario en Estados Unidos como alegoría a la caída del Imperio Romano. Seguimos la vida de un visionario arquitecto conforme se enfrenta a una sociedad política corrupta después de un desastre devastador con el fin de construir su ‘Nueva Roma’. O como él le llama, su ‘Megalópolis’.

La película sigue muy de cerca los sucesos y paralelismos ocurridos durante la Conjuración de Catalina en el año 63 antes de cristo. Un intento de golpe de estado que involucró a más de un personaje histórico, entre ellos Lucio Catilina, Marco Tulio Cicerón y el mismísimo Julio Cesar. Tres figuras que jugarían un rol esencial en los personajes entramados en esta cinta.

Lee también: Las 20 Mejores Adaptaciones De Un Libro Al Cine (Parte 1)

SINOPSIS: “En Nueva York, en un futuro con mucha tecnología y una sociedad estable. César Catilina (Adam Driver) presenta un proyecto para renovar la ciudad, que ha quedado destruida después de un desastre devastador. Una mujer, Julia Cicero (Nathalie Emmanuel), se divide entre la lealtad a su padre, el alcalde Cicero (Giancarlo Esposito), enemigo político de César Catilina, que tiene una visión clásica de la sociedad, y César Catilina, más progresista y más interesado en el futuro.”

La película nos presenta a un reparto coral lleno de figuras prominentes y reconocidas en la industria hollywoodense. Con interpretaciones mayores como la de Adam Driver, Giancarlo Esposito, Nathalie Emmanuel, Aubrey Plaza, Shia LaBeouf y Jon Voight. Así como papeles secundarios de Laurence Fishburne, Talia Shire, Jason Schwartzman, Kathryn Hunter, Grace VanderWaal, Chloe Fineman, James Remar, D. B. Sweeney y Dustin Hoffman. Algunos con mayor protagonismo y tiempo en pantalla que otros, pero todos con su debido rol en la trama que se desarrolla.

Lee también: Las Mejores 10 Películas De Gángsters

Resulta increíble que Francis Ford Coppola concibiera la idea para la película en 1977, que comenzara a desarrollarla en 1983.

Coppola iniciaría los preparativos para la misma en 1989 para filmarse en Roma. De ahí se pospuso la idea mientras Coppola solucionaba sus problemas financieros debido a sus otros fracasos de taquilla bajo el brazo. Después revivió los avances del proyecto en 2001 para terminar siendo enlatada nuevamente tras los sucesos del 11 de septiembre que todos conocemos.

Desanimado por la falta de confianza e interés por parte de los grandes estudios de filmación Hollywoodenses, Coppola se determinó a autofinanciar el proyecto de $120 millones de dólares con dinero de su propio bolsillo. Ya en la última curvatura de su vida personal y profesional, Coppola se encomienda para apostarlo todo por esta gran visión que llevaba cargando consigo desde hace más de la mitad de su vida… ¿y todo para qué? El fracaso inminente de una fábula fallida.

Ford Coppola tuvo que vender la mayor parte de su bodega y viñedos en California para poder completar el financiamiento. El señorón a sus más de 80 años de edad (actualmente tiene 85) comenzó a reunir a casi todos sus colaboradores anteriores para convencerlos de su nueva gran apuesta cinematográfica. Él sabía con solo pichear la película que su nueva propuesta adoptaría un estilo experimental que le permitiría la improvisación durante la filmación. Esto permitiría que los actores aportaran de su cosecha en la escritura de escenas sobre escenarios ya construidos, y eso influenciaría la reescritura de cambios espontáneos en el guion y la historia misma de la película.

Esta aproximación tan riesgosa provocó que sus departamentos de arte y el equipo de efectos visuales, entre otros, terminasen renunciando a medio rodaje. Aun así, se reporta que la película terminó de filmarse antes de lo previsto. Algo sospechoso para una producción tan grande donde todo se suele llevar a cabo bajo una logística minuciosa.

Lee también: Los 10 Mejores Guionistas Del Cine

Desde su estreno en el 77° Festival de Cine de Cannes en mayo del 2024 la cinta polarizó tanto a críticos como audiencias.

Debido a esto “Megalópolis” tuvo muchas dificultades para conseguir distribución. Al final, Lionsgate adquirió los derechos bajo la condición de que Francis Ford Coppola (como si no estuviese ya lo suficientemente gastado con autofinanciar su blockbuster de alto riesgo y bajas expectativas en taquilla), se comprometiese a cubrir los costos de la promoción, publicidad y mercadotecnia de la cinta.

Es de saberse que una cinta blockbuster típica en Hollywood puede gastar hasta el 50% de su presupuesto en esta actividad para poder tener la oportunidad de recuperar sus inversiones. Lo que significa que Coppola tendría que gastar, bajo estas condiciones, un monto similar al costo de la película misma para poder tener la oportunidad de ser redituable.

Lee también: El Padrino: La Vez Que La Mafia Intentó Cancelar Su Rodaje

Durante las tácticas de promoción de la película hubo algunas controversias que no hicieron más que dañar a la cinta más de lo que ya estaba.

El tráiler original tuvo que ser eliminado por utilizar citaciones inventadas. Cosas como ‘“La mejor película del año.” – Fulanito De Tal’ solo hicieron daño publicitario. Así como las varias acusaciones de mala conducta en el set contra Coppola, que a pesar de decirse que eran falsas terminaron perjudicándolo ante el público. El director demandó a la revista Variety por la campaña de difamación en su contra.  

Tras un verano de controversias en 2024, la película tuvo su estreno el 11 de octubre en Estados Unidos, recaudando tan solo $13,6 millones de dólares frente a su presupuesto original de $120 millones. Las cosas no podrían estar peor en estos momentos para el director responsable de emanar a la existencia joyas del séptimo arte como la trilogía de “El Padrino” o “Apocalypse Now”.

El único feliz aquí parece ser Adam Driver, actor que ha estado al alza en la industria en la última década y ha protagonizado uno de los más grandes blockbusters en su carrera de la mano de uno de sus directores favoritos. Driver calificó la experiencia de trabajar en “Megalópolis” como “una de las mejores experiencias de filmación de (su) vida”.

Lee también: El Padrino: ¿Por Qué Es Un Gran Final? | Análisis Visual

Claramente “Megalópolis” es la creación más personal de Francis Ford Coppola, representa un motif que se ve a lo largo de su carrera, su vida y sus intereses personales.

Los imperios crecen y caen, y solo los soñadores y visionarios importan al final. En algún momento de la cinta alguien dice algo entre las líneas de “Las utopías se convierten en distopías”, creo que la naturaleza cíclica de la existencia humana es una de las temáticas en el cine del director. Algo que resuena mucho con la vida de Coppola, quien ha sabido elevarse y caer más de una vez en su profesión, y que sin importar qué suceda, al final todos recordaremos sus obras más exitosas. Es un consuelo pensar que después de que Roma arda, el arte creado y las ideas plasmadas por los visionarios serán todo lo que sobreviva de lo que alguna vez fue un gran imperio.

Creo que el principal problema de “Megalópolis” yace en su naturaleza ecléctica, por empaparse de conceptos de la ciencia ficción, filosofía y otras influencias clásicas en conjunto con un montón de decisiones creativas de filmación y escritura episódica que no favorecen a la experiencia en conjunto.

Todo el tiempo nos encontramos con situaciones, conceptos y personajes que entran y salen de cuadro, muchas veces dejando sus hilos dramáticos inconclusos a favor de una elipsis constante que parece olvidar cerrarnos todas las puertas que nos abre a su paso. Los personajes no se desarrollan bien debido a esto. Y fuera del aspecto narrativo, creo que hubo muchas malas actuaciones y malas decisiones de casting que dañaron a la integridad misma de la cinta, especialmente considerando las libertades de reescritura que se les otorgó por el director.

Hay un montón de ideas variadas sobre las estructuras sociales y cómo suelen caer por falta de visión (algo irónico para semejante fracaso de taquilla), no solo en cuanto a la fábula sobre la caída de Roma ni el golpe de estado. Se nos presentan un montón de ideas de Hamlet, referencias a Siddhartha, Marco Aurelio, etc. Coppola funde como si fuesen metales los conceptos de la filosofía clásica y la dramaturgia en las maquinaciones de los personajes de la cinta que trabajan a favor o en contra del futuro de la Nueva Roma. Todo eso está muy bien, hasta que te topas con un burrito muy apretado de más de dos horas que te habla un montón de temas sin concluir o aterrizar ninguna idea en algo concreto. Algo así como un intelectual erudito que padece de TDAH a las 3:00 A.M.

Lee también: El Arte Del Corte – Apreciación Visual

“Megalópolis” nos presenta una visión cinematográfica muy activa y visualmente dinámica. Pero se entiende el por qué las audiencias salen de la sala enfurecidas y decepcionadas.

Hay demasiadas inconsistencias no solo narrativas, sino técnicas también como ya lo expuse anteriormente. A veces el diseño sonoro está muy desbalanceado. Parecieran haber errores técnicos de edición que impiden a Coppola conectar bien sus ideas. Incluso vemos instancias donde se rompe la regla de filmación de los 180° grados y algunas tomas se ven espejeadas para mantener la consistencia y así evitar brincos de eje. Los incontables hoyos narrativos no ayudan en nada contra los errores de continuidad. Y la cinta tiene un pésimo manejo de los efectos por computadora CGI.

Todo aquí parece indicar que Francis Ford Coppola no se dio un balazo en el pie con esta cinta, ¡se fusiló con ametralladora! ¡Por Dios! ¡En México hasta los subtítulos tenían errores de traducción! T_T

En CinReservas siempre nos dedicamos a hablar de lo que más nos gusta: el cine. Siempre intentamos rescatar lo mejor de cada cinta y decirles qué sí nos gustó de ella. Pero decirles que “Megalópolis no es una mala película” por mera cordialidad sería un error de mi parte como crítico. Es justamente algo que no opino y que no puedo hacer en esta ocasión.

Igual, puede que «Megalópolis» sea la única (y última) película de este maestro del cine clásico del siglo XX y pionero del Nuevo Hollywood que llegaré a ver en mi vida. Y eso se agradece.

Compra las mejores películas de Francis Ford Coppola en AMAZON MX.

Síguenos por FACEBOOK, YOUTUBE e INSTAGRAM para más noticias y reseñas sobre el séptimo arte. Ayúdanos compartiendo y considera donar en PATREON. ¡Y no olvides suscribirte a nuestro boletín!

Somos un equipo de cinéfilos y cineastas especializados en crítica de cine. Puedes leer más artículos sobre películas y series en CinReservas.

Emiliano Caballero

Director / Productor
Filmmaker Cinéfilo
Fotógrafo | Actor
Músico, Poeta & Loco
Editor en Jefe de CinReservas. ¡Sígueme en redes!️

Instagram Youtube IMDb Blog (Poesía & Relato)
Considera hacernos una donación en PayPal.

emilianocaballeroh.wordpress.com/

La entrada Megalópolis: Una Fábula Fallida ¿Por Qué Fracasó? – Crítica se publicó primero en CinReservas.

La magia continua, pero ahora los personajes en “Encanto” son más complejos y representan la manera de pensar de nuevas generaciones. Es una muy buena película que se puede disfrutar en familia, pero más allá de lo superficial la obra habla sobre las heridas familiares. Bruno no es solamente un familiar oculto. Es momento de que hablemos sobre Bruno y lo que este significa.

Lee también: Wish (2023): El Poder De Los Deseos | A Cien Años De Disney – Noticias

NO SE HABLA DE BRUNO NI DE NUESTROS TRAUMAS

La trama sigue a los Madrigal. Una familia colombiana donde el tronco del árbol genealógico es Alma Madrigal. Quien durante su juventud tuvo que escapar con sus hijos de su pueblo por una ola de violencia. El sacrifico que hizo el abuelo para proteger a su familia concedió un milagro del que nació la casa Madrigal y a sus trillizos (Pepa, Julieta y Bruno) se les otorgó “dones”. Julieta tiene el don de sanar a la gente con su comida; Pepa controla el clima con sus emociones y Bruno tiene precognición.

Pepa se casó con Félix y tuvieron tres hijos: Dolores; con el don de tener un oído muy sensible, Camilo; con el don de transformarse en cualquier persona que piense y el hermano menor, Antonio; que durante la película recibe el don de comunicarse con los animales.

Julieta está casada con Agustín con quien tuvo tres hijas: Isabela; con el don hacer crecer planas, Luisa; que tiene una fuerza equiparable a la de Hércules y por último Mirabel, que por alguna razón inexplicable no recibe ningún don.

Bruno no tiene descendencia, pero aún no es momento de hablar sobre él. Primero hablemos sobre Mirabel, la nieta sin dones. Durante la película Mirabel no recibe discriminación por parte de sus padres, hermanas, tíos o primos por el hecho de no tener un don. Tampoco la abuela la discrimina, pero si muestra una dura decepción ante el hecho que el ritual de iniciación “fracasa”. La abuela es la responsable de su familia ante el pueblo, con quienes vemos que la familia utiliza sus dones a favor de la gente.

El conflicto en la película comienza cuando Maribel se da cuenta de que la casa está agrietándose. Más adelante encuentra piezas de una profecía de Bruno donde aparece ella enfrente de la casa que está destruyéndose. Entonces empieza su misión de evitar la destrucción de su hogar cómo primer paso en descubrir que es lo que la está dañando.

Más adelante en la película nos damos cuenta de que Mirabel no es la única con esa sensación de ser una decepción para la familia. A Isabela, su hermana mayor, se le ha dicho que deber ser la chica perfecta de quien se espera qué se case con un buen hombre y tenga varios hijos. En ningún momento se le pregunta sus deseos o cuestiona si realmente es lo que quiere. Es cuando Mirabel entra a su habitación para hacer las paces con ella que provoca el enojó de su hermana por arruinar su propuesta. En su enfadó Isabel crea un cactus, una planta “qué no es simétrico ni perfecto”.

La canción de Inspiración es la que marca el arco de personaje de Isabel, donde se acepta a ella misma, pero, sobre todo, expresa sus sentir y deseos. Se libera de la presión y expectativas de la familia y pone primero lo que ella quiere; expresa su verdadero yo.

Con Luisa sucede algo similar. Como hemos mencionado Luisa tiene el poder de la fuerza física. Llegamos a ver como levanta una iglesia, endereza una casa y carga varios burros en sus hombros. Una fuerza descomunal que varios pueblerinos aprovechan para pedirle su ayuda con sus problemas. Luisa acepta todas las peticiones y trabaja duro para el pueblo. En su canción habla sobre su sentimiento ser fuerte para el servicio de los demás y soportar el peso de los problemas. Menciona: “¿Quién soy yo si pierdo el valor?”. Lo que nos dice es que Luisa siente que si no ayuda a la gente no sirve para nada. Pasa lo mismo que con su hermana Isabela; tiene un sentimiento de deber ante la sociedad, en su caso de ser siempre fuerte y servir a los demás.

Entonces tenemos que cada hermana sufre la presión de expectativas de manera distinta; de Isabela se espera perfección, de Luisa siempre fortaleza y disposición a los demás y por último, Maribel, quien no cumplió con la expectativa de recibir un don y ahora siente que es su responsabilidad hacer que la casa sane.

Cuando busca la razón que está dañando a la familia es que se da cuenta de las presiones de su familia, pero no solo eso, sino que también empieza a cuestionarse por un miembro de su familia que nadie quiere mencionar: su tío Bruno.

Bruno realiza profecías al pueblo sobre el futuro de la gente. Como es la realidad, no siempre el futuro es agradable. El controlar el futuro y el rumbo del destino no entra dentro de los poderes de Bruno. Él solo menciona lo que ve en sus visiones, que en ocasiones no pueden ser agradables, y la gente lo empieza a señalar como si él fuera responsable. Es hasta que un día tiene la visión de Maribel enfrente de la casa agrietada que decide desaparecer y no traer más malas visiones.

Lee también: Fantasía: ¿Por Qué Es La Mejor Película De Walt Disney?

PSICOANALIZANDO LA CASA MADRIGAL

En el psicoanálisis una casa se puede interpretar como el interior de nuestra mente. Dejar entrar a nuestro hogar en un sueño es como darle acceso al inconsciente y se vuelve algo más íntimo cuando dejamos pasar a nuestra habitación (qué es el lugar más personal de uno). Ahora, también hay un lugar más intimo que es donde están las cosas más ocultas del inconsciente que está usualmente se representan como áticos, sótanos o el espacio más oscuro e íntimo de un hogar que puedas imaginar.

En “Encanto” (2021) hay algo bonito con la casa Madrigal. Porque su hogar representa el inconsciente de toda la familia.

La habitación de cada uno es el inconsciente íntimo de cada personaje, pero comparten un mismo hogar que refleja su psique. Esto se puede ver porque si la familia canta y baila alegre la casa lo hace con ellos. En los momentos más dramáticos y emocionalmente más tristes la casa se torna oscura y llega a agrietarse. Parece ser que el hogar es otro miembro de la familia, pero la verdad es que es la misma familia Madrigal quien le da vida. 

Regresando con Bruno. Su tía Pepa le dice que por nada se le nombra, mucho menos enfrente de la abuela. Más adelante en la película Mirabel descubre que Bruno vive entre las paredes dentro de la casa, que nunca se fue solo se ocultó de la familia al sentir que traía desgracia y mala reputación a ella. También se menciona que la prima Dolores lo escuchaba y que Antonio sabía de él en la casa porque las ratas se lo habían dicho.

Si hablamos que la casa representa el inconsciente de la familia y Bruno vivía dentro de la casa oculto entre los pasillos (analogía del espacio más oscuro de la psique donde están las cosas que reprimimos). Bruno representa ese tema reprimido por la familia, aunque aparentemente físicamente no está ahí, existe en el inconsciente de la familia.

Otro elemento son las grietas. Que solamente Mirabel ve y el resto de la familia niega que algo malo está sucediendo. Estas grietas representan el daño familiar. De una manera metafórica la misión de Mirabel es repararlas y parece ser que entre más indaga sobre la razón del daño (supuestamente por hablar sobre Bruno) es que la casa empieza a derrumbarse más. Cuando lo que provoca ese daño es el no hablar de los problemas y sentir, sino reprimirlo.

Lee también: Disney Y La Censura En Sus Películas – Opinión

UNA GENERACIÓN QUE NO QUIERE IR A TERAPIA

Otra cosa interesante en la película es que los personajes no son buenos ni malos; son humanos. A la abuela le interesa que la familia sirva al pueblo. Por eso mismo la abuela es de quien la familia siente una presión de expectativa. Bruno se creyó una decepción ante ella y fue por eso por lo que se escondió. Las presiones de las tres hermanas provienen de las expectativas que la abuela pone en ellas sobre lo que pueden aportar a la familia.

En la película hay dos momentos donde la abuela niega ante el pueblo que algo esté ocurriendo en el hogar; primero durante la fiesta por el don de Antonio. Que es cuando Maribel se da cuenta de las grietas por primera vez. La siguiente ocasión es cuando en la cena familiar donde Mariano le va a pedir matrimonio a Isabela y la familia se empieza a enterar de la profecía de Bruno provocando un desastre. Al pueblo que espera afuera de la casa para celebrar la unión la abuela dice antes de cerrar las puertas: “Todo aquí está bien. Somos los Madrigal”.

De nuevo, la abuela no es mala, ni busca dañar a su familia. Ella quiere a su familia fuerte y servicial, porque esa misma dureza ante la vida es la que le dio fuerza para sacar a su familia adelante cuando perdió a su esposo.

Aquí hay un reflejo de la ideología posmoderna en la que vivimos de la moderna en la que vivieron nuestros abuelos. En generaciones anteriores era mal visto ir al psicólogo. Se decía que era solo para locos. Hasta a mí me llegaron a decir “En mis tiempos no había psicólogos. Nos aguantábamos y seguíamos”. Podemos estar de acuerdo que ante las adversidades debemos mantenernos firmes, pero no es saludable reprimir nuestras emociones. Afortunadamente ese tipo de pensamientos ha cambiado con las nuevas generaciones; la salud mental es un tema más importante hoy en día.

Mira nuestro video: ELEMENTOS (Elemental) – Video Crítica Y Datos

TODA FAMILIA TIENE SU BRUNO

La casa Madrigal no se estaba destruyendo porque se habló sobre Bruno, sino porque se reprimían esos temas. En el clímax de la historia, la casa es destruida, Maribel huye y es alcanzada por su abuela Alma en el mismo río donde sucedió el milagro. La abuela le pide perdón a Maribel por la presión y le confiesa que ella también siente haberle fallado a su familia. Maribel la toma de las manos y le dice: “Tú perdiste tu hogar. Perdiste todo. Has sufrido tanto tu sola para que no volviera a pasar nunca. Nos salvamos gracias a ti. Se nos concedió un milagro gracias a ti. Somos una familia gracias a ti. Y no hay nada que no se pueda arreglar juntos”.

Entonces Bruno aparece en un caballo echándose la culpa de toda la situación diciendo que fue él quien le dio la visión a Maribel: “No me importa lo que digas de mí…” Para su sorpresa su madre lo abraza feliz de volverlo a ver.

Bruno se reencuentra con sus hermanas entre las ruinas de su hogar. Donde para su sorpresa lo abrazan con cariño y felicidad de volverlo a ver. Su familia nunca lo dejo de amar, fue el mismo Bruno que ante las expectativas que tenía su madre de él lo que lo hizo sentir insuficiente y que se ocultara.

Me gusta mucho la frase “las películas son metáforas de la vida”. En este caso Bruno es una metáfora sobre los temas que no se hablan y son heridas familiares. En esta película Disney ablanda las heridas familiares mostrando como las expectativas que podemos recibir, o incluso imponer, pueden herirnos. Para la psicología de una persona es bien importante que los hijos sientan que sus padres están orgullosos de ellos, impacta mucho en su autoestima y no importa la edad.

Digo que ablanda el tema de los secretos familiares porque de una manera más seria y oscura un Bruno puede ser también un tema más grave y complejo. Estos también pueden ser abusos que no se hablan o familiares ocultos; como ejemplo se puede mencionar a las primas hermanas de la Reina Isabel II que por haber nacido con discapacidad intelectual se les declararon públicamente muertas y ocultadas en un hospital desde niñas.

“Las nuevas generaciones no quieren un príncipe azul, sino sanar heridas generacionales” se dice en internet. Otras películas como “Turning Red” de Domee Shi y “Everything Everywhere All At Once” de The Daniels son ejemplos de esto. Es una bonita película para ver en familia, también si se desea, reflexionar sobre esos temas que no se hablan. Y tú, ¿ya le dijiste hoy a tus padres que los quieres?

«Encanto» es una película de fantasía musical de 2021 producida por Walt Disney Pictures y Walt Disney Animation Studios, inspirada en la cultura Colombiana.

Compra «Encanto» (2021) de Disney en AMAZON MX.

Síguenos por FACEBOOK, YOUTUBE e INSTAGRAM para más noticias y reseñas sobre el séptimo arte. Ayúdanos compartiendo y considera donar en PATREON.

Somos un equipo de cinéfilos y cineastas especializados en crítica de cine. Puedes leer más artículos sobre películas y series en CinReservas.

Olaf Viana

Cuenta con una maestría en Cine Latinoamericano y Caribeño. Cinéfilo apasionado, ha dado clases y conferencias sobre diferentes áreas del cine.

Instagram

www.instagram.com/ovnihumanoide/%20

La entrada Encanto (2021): Hablemos Sobre Bruno – Opinión se publicó primero en CinReservas.

“Straight” plantea una narrativa que busca normalizar temas LGBTQ+, homologando las comedias comerciales del cine mexicano… con lo bien y mal que esto implica.

Ben cita a Cris en su departamento a través de una aplicación de ligue. Ninguno de los dos esperaba enamorarse del otro. Más aún cuando uno de ellos está en el clóset y lleva seis años con una novia que lo espera para dar el siguiente paso en su relación. Conforme su amorío avanza, su vida heterosexual comienza a peligrar, haciéndolo decidir entre sus verdaderos deseos y lo que la sociedad espera de él.

Basada en la obra teatral homónima de Scott Elmegreen y Drew Fornarola, la película traslada un drama íntimo al cine, conservando el núcleo de la historia, pero contextualizado al tiempo presente y ambientado en la clase social alta de la Ciudad de México.

La adaptación busca balancear la intensidad emocional del teatro con las posibilidades narrativas y audiovisuales del cine, fallando en encontrar la tridimensionalidad. La película se siente como una pecera en donde solo podemos ver a los personajes de lejos, aún en los momentos emocionalmente intensos.

Lee también: Tom En La Granja: El Thriller Como Denuncia – Opinión

La trama de “Straight” explora cómo un triángulo amoroso puede ser un vehículo para cuestionar los prejuicios sociales y las presiones que enfrenta el hombre –capitalino y acomodado– al definir su orientación.

La química entre los protagonistas y su capacidad para expresar las tensiones internas y externas de sus personajes es un punto clave de la película, manteniéndola a flote dentro de su género.

Alejandro Speitzer interpreta a Ben, un personaje atrapado entre sus propios deseos y las normas sociales, mostrando vulnerabilidad y carisma. Bárbara López y Franco Masini complementan el triángulo amoroso con actuaciones sutiles pero impactantes, que enriquecen la narrativa. Es por eso que sorprende que la relación que construyeron a cámara llegue a un clímax sin resolución.

Marcelo Tobar, quien ya ha contado una historia LGBTQ+ con “Oso Polar” (2017), hace un gran cambio al cine comercial por plasmar quizás una idea más general de los conflictos que enfrenta una persona definiendo su sexualidad. Aunque su dirección busca mantenerse fiel a la esencia teatral, falta aprovechar por completo las herramientas visuales del cine comercial para enriquecer la historia.

El guión introduce modificaciones para adaptarse al contexto mexicano actual, lo que agrega capas culturales relevantes, pero a veces sacrifica la sutileza de los diálogos. La historia se fragmenta en ciertos momentos, lo que afecta el desarrollo de los personajes secundarios. Había suficiente espacio en la trama para innovar con diferentes capas de significado, pero se queda muy acotada dentro de su fidelidad.

El enfoque visual y artístico, aunque funcional, podría haberse aprovechado más para generar un impacto emocional más profundo.

La fotografía y el diseño de producción subrayan los momentos más introspectivos, aunque podrían haber sido más arriesgados. La música se utiliza estratégicamente para intensificar las emociones, destacando los conflictos internos de los personajes. Quizá su mayor fortaleza sea la edición, pues tiene unos saltos de tiempo en la acción, muy sutiles, que elevan la calidad visual de la película.

Más allá de sus méritos técnicos, la película se percibe como una obra relevante que abre espacio para discusiones sobre diversidad e inclusión en el cine mexicano comercial. Representa un esfuerzo por normalizar las historias LGBTQ+ en un panorama cinematográfico que rara vez aborda estos temas de manera real.

Lee también: El Extraño Del Lago: Entre El Deseo Y El Peligro – Reseña

A pesar de sus detrimentos, “Straight” (2024) mantiene el equilibrio entre el humor y el drama, haciendo la historia accesible y reflexiva a una audiencia más amplia, que quizás incluya a personas que reciban este mensaje y les resulte sorprendente conocer este submundo de los ONS y NSA. Se los dejo de tarea…

Es una película que hubiera sido fundamental para los años 90, pero que con la cantidad de contenido LGBTQ+ que se consume hoy en día, parece estar desactualizada y perdida en el tiempo. Sin embargo, aunque pareciera que la agenda sobre estos temas ya está muy avanzada y la sociedad es más inclusiva. Muchas veces es necesario decir (y repetir cuantas veces sea necesario) lo obvio: el cine LGBTQ+ es cine como cualquier otro y puede utilizarse para mostrar lo que no se dice.

Compra películas LGBTQ+ en AMAZON MX.

Síguenos por FACEBOOK, YOUTUBE e INSTAGRAM para más noticias y reseñas sobre el séptimo arte. Ayúdanos compartiendo y considera donar en PATREON.

Somos un equipo de cinéfilos y cineastas especializados en crítica de cine. Puedes leer más artículos sobre películas y series en CinReservas.

Sergio Salazar

Director, productor y guionista. Comunicólogo y Master of Arts en Dirección y Producción Cinematográfica de la Unión Europea. Ha colaborado como columnista y crítico para blogs independientes desde 2011. Creó el blog de crítica de cine Redactovision, publicado en Milenio. Ha formado parte del equipo de programación del ficmonterrey y se formó como profesor en la Academia de Cine y Comunicación de la Universidad de Monterrey. Recientemente fundó la casa productora Arrival Films para el desarrollo, producción y distribución de cine.

Twitter Instagram

La entrada Straight: Decir Lo Obvio | Película 2024 – Crítica se publicó primero en CinReservas.

Para muchos de los fanáticos del género del terror, “Sonríe” o “Smile” ha sido de las nuevas propuestas que han trascendido en el cine de manera positiva por mantener al espectador al borde de su asiento por todas las emociones generadas como la ansiedad y temor a lo largo de la película, y para muchos, se volvieron a sentir estas emociones al momento de anunciar la segunda parte de esta película: “Sonríe 2”.

La película nos trae una historia completamente nueva. En esta historia nos adentramos en la vida de Skye Riley, interpretada por Naomi Scott, quien es la cantante con más éxito. Y que va recuperándose de una de las caídas más grandes de su carrera debido a un problema de sustancias ilícitas y un accidente automovilístico. Luego de un tiempo de recuperación de salud mental y emocional, anuncia su regreso al medio con una gira mundial, pero no contaba que a unos cuantos días de su primer día de gira, estaría infectada de una “maldición” que provocaría nuevamente que la gente pensara que estaba cayendo en la locura.

Como se mencionó al inicio, el miedo de que se trata de una secuela de una película tan buena como lo fue en su primera entrega, está muy presente en muchos de los que somos fanáticos de esta película (y me incluyo), pero realmente lograron mantener lo que a muchos nos gustó: Un miedo presente y esa ansiedad de todos los problemas que está enfrentando la protagonista.

Lee también: La Mejor Película De Terror Por Década De Los Últimos 100 Años

Las sonrisas que generan ese medio, un estilo gore más fuerte y los silencios que nos pone la piel de gallina están, ¡y colocados de una manera espléndida!

Cabe mencionar que fue muy valiente de haber tomado la decisión de que fuera una historia muy contrastante a la primera entrega, por el hecho de desarrollarse en ambientes distintos, manejaron muy bien la situación para que todas las personas se sintieran como un “Bienvenido de vuelta a Smile” desde la primera escena.

Eso sí, se sintió excesivo el uso de ‘Screamers’ que, a opinión de su servidora, no eran tan necesarios porque la tensión y el miedo ya estaban presentes, por lo que poner esa táctica ya estaba siendo incluso tediosa y fastidiosa.

Por otro punto, Naomi Scott hace un trabajo maravilloso interpretando a Skye. Si bien no es la primera vez que la tenemos presente como cantante en películas por sus anteriores trabajos con Disney en películas como “Aladdín” (2019) y “Lemonade Mouth” (2011), aquí resaltó lo grande que puede destacar también en este género. El maravilloso manejo de sus gestos, movimientos, miradas e incluso los gritos de toda una ‘Scream Queen’ fueron la pieza clave para que esta película funcionara de una manera espléndida, ya que casi todo el tiempo la vemos a ella en sus “momentos de locura” y logra que el espectador esté con esa sensación de ansiedad por quererla ayudar y tranquilizar.

Para concluir, si, efectivamente “Sonríe 2” se posiciona como de las pocas continuaciones que existen que mantienen su esencia. No logra superar la primera parte, pero sí mantenerse y eso se agradece. Es una opción buena para ver en este mes del terror para toda la gente que ama el suspenso. Si no viste la primera entrega, no te preocupes, puedes ver esta película sin necesidad de conocer la historia previa.

“Sonríe 2” (Smile 2) está dirigida por Parker Finn, producida por Temple Hill Entertainment y distribuida por Paramount Pictures. Tuvo su estreno en salas de cine de Latinoamérica el jueves 17 de octubre del 2024.

Crítica escrita por Atenas Hernández.

Mira la película «Smile» (2022) completa en Prime Video.

Síguenos por FACEBOOK, YOUTUBE e INSTAGRAM para más noticias y reseñas sobre el séptimo arte. Ayúdanos compartiendo y considera donar en PATREON.

Somos un equipo de cinéfilos y cineastas especializados en crítica de cine. Puedes leer más artículos sobre películas y series en CinReservas.

CinReservas

Aquí hablamos de lo que más nos gusta: el cine.
Considera hacernos una donación en PayPal.

¡Síguenos para más noticias, críticas y reseñas sobre el séptimo arte!
Youtube Twitter Pinterest TikTok

cinreservas.com

La entrada Sonríe 2: Miedo Y Tensión – Crítica se publicó primero en CinReservas.

Las tendencias del vaping están cambiando al mundo del séptimo arte. Era cuestión de tiempo para que la industria del cine, particularmente Hollywood decidiera añadir el vaping en las historias de sus películas. El séptimo arte siempre ha sido espejo de la sociedad contemporánea a la que pertenece. Así como también de sus dudas e inquietudes acerca de esta nueva tecnología, desde qué cigarros electrónicos comprar hasta dónde comprar líquidos para vapear.

Top De Películas Sobre El Ambiente De Bares

Primero a lo primero: ¿Qué es el Vaping?

El llamado “Vaping” es un proceso en el cual los usuarios de un cigarrillo electrónico deciden un e-líquido (así con la letra ‘E’ de electrónico) para vapear. A diferencia del tabaco que se consume en un cigarrillo ordinario, estos líquidos pueden venir en diversas composiciones químicas según la marca. Algunos con nicotina y otros no. En diferentes sabores y aromas. Tan solo hace falta ver sitios populares como la empresa española Vapeo Total para percatarse de la enorme variedad de e-líquidos que uno puede comprar. El cigarro electrónico proporciona una mayor variedad al consumidor, y con ello influencia a la población a adoptar las nuevas tecnologías y formas de inhalar humo de forma segura. Estos cambios en años recientes han comenzado a dejar su huella en la industria del cine.

Nanuk, El Esquimal: Puente Ficcional Y Nunca Documental – Opinión

Vaping en Hollywood

No es raro ver a incontables celebridades como lo son actores y realizadores que adoptan cada vez más esta nueva y popular forma de fumar. Como era de esperarse, hemos comenzado a notar un aumento de la presencia de estos en películas y series de televisión.

La presencia de los cigarrillos electrónicos y los e-líquidos en las películas ha dejado una huella permeable en la cultura pop actual. Así como fumar siempre fue utilizado como un vehículo para desarrollar a los personajes. Como es darles rasgos negativos, positivos, mostrarlos como personas de bajo autocontrol o como villanos, así como vaqueros y personajes ‘cool’.

Dependiendo la historia o la escena, hay diferentes significados al hecho de que un personaje salga con un vape contrario a un cigarrillo. Ejemplos de su significancia podrían ser la vulnerabilidad, refinamiento o rebelión. Todo dependerá del contexto en el film, así como la elección del e-líquido puede decirnos un poco sobre las preferencias personales del personaje, y quizás así dotarlo de mayor profundidad.

Las 10 Mejores Películas De Barrio

¿Pero cómo elegir los mejores líquidos para vapear en la vida real?

Ya sea que nuestros personajes personales en nuestra historia de vida quieran ser unos villanos, héroes refinados o chicos cool, necesitarás darle identidad mediante al uso y elección de un líquido en particular. Es por eso que sitios web populares como los españoles de Vapeo Total proporcionan una amplia variedad de productos que ayudarán a elegir el sabor que te representará hoy en la película de tu vida.

¿Cómo crees que el vaping influenciará al cine en los próximos años? ¿Crees que cuestiones como el dispositivo o el líquido se puedan utilizar como rasgos particulares en los personajes cinematográficos? Déjanos tus comentarios, nos encantaría leer tu opinión.

Síguenos por FACEBOOK, YOUTUBE e INSTAGRAM para más noticias y reseñas sobre el séptimo arte. Ayúdanos compartiendo y considera donar en PATREON.

Somos un equipo de cinéfilos y cineastas especializados en crítica de cine. Puedes leer más artículos sobre películas y series en CinReservas.

CinReservas

Aquí hablamos de lo que más nos gusta: el cine.
Considera hacernos una donación en PayPal.

¡Síguenos para más noticias, críticas y reseñas sobre el séptimo arte!
Youtube Twitter Pinterest TikTok

cinreservas.com

La entrada Vaping En Las Películas: ¿Cómo Influencia Al Cine? se publicó primero en CinReservas.

Pero, ¿qué pasa si el amor está presente en aquellos que no son tan buenos? Esto es lo que vemos en “El Cuervo” (The Crow, 2024). En esta película reboot de la versión originalmente protagonizada por Brandon Lee en 1994. Ahora, tenemos una versión moderna de este clásico del cine ahora protagonizado por Bill Skarsgard.

El Cuervo (2024) | Agosto 22, Solo En Cines – Noticias

“El Cuervo” (The Crow) nos cuenta la historia de Eric, un joven con una infancia complicada que durante su tiempo de rehabilitación conoce a Shelly.

Shelly es una joven que estaba huyendo de un grupo de personas que estaban buscándola por haber estado en el lugar equivocado a la hora equivocada. Eric al verse envuelto en este problema, va a hacer hasta lo imposible para lograr que Shelly sea lo que él no pudo ser: Feliz.

Esta película fue inevitable no compararla con “Batman: El Caballero De La Noche” (2008) e incluso con “Morbius” (2022), no tanto por la particularidad de tratar el tema de superhéroes con una esencia oscura y dark, sino también por el hecho de la transformación que pasa el protagonista.

Se comprende que por tratarse de una película de introducción del personaje, apenas estás conociendo la situación y lo que está sucediendo alrededor de éste, pero sinceramente no hay ni pies ni cabeza con el conflicto principal que se está enfrentando este “anti-héroe”. Hay muchos momentos de desconexión con la historia que no logra entablar empatía por ninguna de las partes de la historia, incluso hasta llegas a dudar si está sucediendo algo realmente relevante.

Desde el punto de vista de su servidora, esta película va a entrar al montón de películas “reboot” o de introducción de personajes de cómics se irán olvidando con el paso del tiempo, mismo caso que puede entrar “Morbius” (2022), “Madame Webb” (2023), e incluso “Los 4 Fantásticos” (2015).

Lo más rescatable de esta película es la actuación de Bill Skarsgård, si bien ha sido también partícipe de otros “reboot” de clásicos del cine como “IT” (2017), el manejo de su actuación, al igual que todo el trabajo que tuvo para poder realizar ciertas escenas muy destacables son dignas de reconocimiento hacia él.

“El Cuervo” (The Crow, 2024) llega a las salas de cine de México el 22 de agosto del 2024. Descubre aún más detalles de la película en: El Cuervo (2024) | Agosto 22, Solo En Cines – Noticias.

Encuentra lo mejor del cine de The Crow en AMAZON MX.

Síguenos por FACEBOOK, YOUTUBE e INSTAGRAM para más noticias y reseñas sobre el séptimo arte. Ayúdanos compartiendo y considera donar en PATREON.

Si te gustó este artículo probablemente disfrutes leer: Boy Kills World: Contra Todos – Crítica. O también puedes leer: El Diablo A Todas Horas – Opinión.

Somos un equipo de cinéfilos y cineastas especializados en crítica de cine. Puedes leer más artículos sobre películas y series en CinReservas.

Crítica por Atenas Hernández.

CinReservas

Aquí hablamos de lo que más nos gusta: el cine.
Considera hacernos una donación en PayPal.

¡Síguenos para más noticias, críticas y reseñas sobre el séptimo arte!
Youtube Twitter Pinterest TikTok

cinreservas.com

La entrada El Cuervo | The Crow (2024) – Crítica se publicó primero en CinReservas.

Esto, y otras preocupaciones más es la que vive el protagonista de “Umberto D” (1952) de Vittorio de Sica para recordarnos que nunca deje de brillar la luz del amor a la vida.

Ladrón De Bicicletas – Reseña

Un poco de contexto sobre “Umberto D” (1952).

La película pertenece a uno de los movimientos cinematográficos más importantes e influyentes de la historia: Neorrealismo Italiano. Surgió durante la etapa final y postguerra de la Segunda Guerra Mundial en Italia. Anteriormente, principalmente en la época del cine mudo, Italia realizaba grandes producciones con temática histórica donde se utilizaban una enorme cantidad de extras y escenarios lujosos. En términos de taquilla las películas estrenadas tenían un buen recibimiento del público; entre las obras que valen la pena ver podemos mencionar “L’Inferno” (1911), “Quo Vadis” (1913) y “Cabiria” (1914).

Esto es importante porque después que Italia perdió la guerra, las consecuencias y heridas llevan a un estado de animó bajo en la ciudad por el mismo desempleo, pobreza y hambruna. Las grandes producciones que alguna vez se llegaron a realizar en el país ahora resultaban económicamente imposibles.

Esto no impidió que el cine decayera, sino que con los recursos a los que se tenía acceso se adaptaron para hacer un cine que representara el sentir y vivir del Italia de la época. Si ya no tenían recursos para construir sets y contratar a extras; salían a la calle, usaban su realidad como escenario. El talento era usualmente no-profesional y representaban al italiano pobre de una clase pobre trabajadora que luchaba con los problemas comunes de la vida. Un ejemplo es “El Ladrón de Bicicletas” (1948) también de Vittorio de Sica; la historia de un hombre que logra conseguir empleo con la condición de que tenga una bicicleta para trabajar. Entonces en su primer día su bicicleta es robada.

Las películas de este movimiento trataban de historias “realistas” que retrataban la cruda realidad que se vivía y respiraba (con pocas excepciones como “El Milagro en Milán” (1951)). Esto trajo un cambio muy importante en la manera de hacer cine. Con la tecnología que hoy existe es más fácil realizar cualquier forma de cine; pero en el contexto de la época salir a la calle a grabar fuera de un estudio resultaba poco común. El neorrealismo demostró que se pueden contar historias conmovedoras y humanas usando la misma realidad de escenario. 

Movimientos posteriores tuvieron una gran influencia en la manera de su realización como lo fue la nueva ola francesa y el nuevo cine latinoamericano; de este último sólo hay que comparar películas como “El Limpiabotas” (1946) con la película argentina “Crónica De Un Niño Solo” (1965).

Cine de Autor VS Cine de Productor

¿De qué trata la película “Umberto D.” (1952)?

Como primera secuencia vemos una manifestación de hombres mayores pensionados exigiendo al gobierno un aumento en la pensión mensual. Las autoridades dispersan la manifestación que entre esas personas se encuentra Umberto con su perro Flike. Entre el grupo de personas mayores con quienes se resguarda Umberto menciona que se conforma con un aumento del 20% para pagar sus deudas a lo cual le contestan que ellos no comparten el problema de las deudas.

Umberto come en un comedor comunitario y de regreso a su cuarto en un departamento podemos ver la situación de Roma; una ciudad en la postguerra que poco a poco se empieza a recuperar de sus heridas.

No cuenta con un patrimonio propio, tampoco a lo largo de la película se llega a mencionar algún familiar o pareja que tenga o haya tenido. Vive únicamente de su pensión por haber trabajado 30 años en el ministerio de obras públicas. Por lo que Umberto es un hombre mayor solitario quien su única compañía es su perro Flike, que como can representa el compañerismo, la lealtad y fidelidad. En una ocasión de la película hasta se llega a mencionar: “Su pensión ni siquiera le alcanza para mantener a su perro”. Otra pequeña amistad que tiene es la joven María que ayuda con el servicio en el departamento quien el confiesa estar embarazada de un soldado.

Cuando llega a lo que puede llamar hogar, una pequeña habitación en un departamento, encuentra a una pareja acostada en su cama. Al reclamarle a la rentera por la invasión de su espacio ella le responde: “Es mi espacio”. A lo que ella le contesta que para finales de mes deberá desalojar el lugar. Es el único espacio a donde Umberto puede ir, por lo que la solución que encuentra a su problema es pagarle a la rentera el mes para que lo deje quedarse ahí, aunque ella a aumentado la renta a una cantidad excesiva.

Umberto vende su reloj y unos libros “con un gran valor sentimental”. Aún no es suficiente para pagar completa su renta. El dinero se convierte en la causa y solución a sus problemas. A esto se le añade una tos que le a provocado unos puntos blancos en la garganta. Es entonces que pide ser llevado al hospital dejando a su perro a cargo de María. Después de un par de días regresa para encontrar que la rentera a dejado escapar a Flike y que su habitación está siendo remodelada. Umberto va en busca de su perro a la perrera donde logra encontrarlo. Cuando regresa a la habitación hay un hoyo en la pared, María le dice que es porque la señora está buscando ampliar la habitación y al ver la expresión de Umberto le pregunta si está bien:

— Estoy cansado – le responde

— ¿De la señora?

— Cansado de todo un poco.

Esa misma noche Umberto ve por la ventana de la habitación y un pensamiento cruza por su cabeza al ver el tranvía pasando; el suicidio.

La Vida Ante Sí – Reseña

Cuando lo pierdes todo ya no tienes que perder.

“Umberto D”. es una película de un golpe crudo de realidad. Aunque en términos dramáticos es de trama sencilla, pero que nos recuerda los problemas humanos de las deudas, pobreza, enfermedad, soledad y la vejez.

En la leyenda del líder religioso del budismo, Siddhartha Gautama; esté era un príncipe que lo tenía todo en la vida. Su padre, el rey, se había encargado que dentro del palacio tuviera todas las comodidades del mundo para que jamás tuviera la necesidad de abandonarlo. Curioso el príncipe escapa del palacio y se encuentra con tres cosas que lo impactan profundamente: un anciano, un enfermo y un cadáver. Estas tres visiones lo marcan para toda su vida porque entiende que son los tres destinos que esperan a todo ser humano y son la base de la primera de las cuatro nobles verdades (Dukkha). La vida en el mundo condicionado está marcada por el sufrimiento, el insatisfactorio y la incompletitud. Este sufrimiento incluye el dolor físico y emocional, así como el sufrimiento que proviene del cambio y la impermanencia.

La película, seguramente de una manera inintencionada, representa el sufrimiento y la pesadez de la vida. Nos recuerda esas tres visiones que tuvo el joven príncipe de la cual nadie puede escapar. El protagonista comienza con pocas cosas materiales y termina con solamente lo que lleva puesto.

Hay algo que reconocer al protagonista y es su carácter como caballero que nunca pierde en la película. En un momento de desesperación ve a un vagabundo que mendiga en la calle. Trata de imitarlo, pero cuando la primera persona extiende un billete finge que no estaba pidiendo dinero sino observándose la mano. Se encuentra con dos antiguas amistades; a la primera le insinúa que necesita dinero y a la segunda ni siquiera lo menciona. Aún en su posición en ningún momento baja la postura.

Su principal preocupación es Flike su fiel compañía. Después que observa el tranvía pasar, voltea a ver a su mascota quien duerme profundamente. Abandonando el departamento con todas sus pertenencias, que todas caben en un maletín, viaja lejos en el tranvía hasta un hostal de perros donde ofrece todo su dinero y pertenencias a cambio de dejar a Flike. Pero este se muestra intimidado por los otros perros y decide no dejarlo ahí.

Es entonces que llega a un parque donde muchos infantes juegan y corren. Ofrece su mascota a una niña y como último intento lo abandona en el parque, pero este lo vuelve a encontrar. Aquí es cuando llega el momento más dramático de la película. Umberto toma a Flike en sus brazos dispuesto a saltar al tranvía. El perro se asusta al ver pasar el tranvía y huye de Umberto quien piensa su situación. Sigue a su mascota y empieza a jugar con él en el parque corriendo y haciéndolo saltar igual que los niños del parque.

El Jardín De Los Finzi–Contini – Reseña

El final de «Umberto D» es abierto y es el espectador quien construye el destino del personaje. Como hemos mencionado es una película de temática pesada, de hecho, en su país fue mal recibida por el público porque recordaba la situación que pasaba muchos de los italianos de la época.

Incluso el subsecretario de entretenimiento del país condenó la película por la mala imagen que ofrecía de Italia en la postguerra. En el extranjero en cambio fue muy bien recibida y con el paso del tiempo se a posicionado como una de las más importantes películas del neorrealismo italiano.

No es una obra pesimista. Simplemente retrata la realidad y está en ocasiones puede ser cruda. Tampoco romantiza la vida, como muchas otras películas, incluso de nuestros tiempos, donde el héroe de la historia tiene un final feliz. Aunque en la escena final vemos al protagonista jugando con su perro, sus problemas no quedaron solucionados e incluso se encuentra en una peor posición de cuando inicia la película. Por ahí va el mensaje de la obra.

La vida está llena de problemas y situaciones, estas son inevitables. Entonces, ¿qué nos queda por hacer cuando perdemos todo? Reír y jugar. Pase lo que pase, que esa luz de vida no deje de brillar.

Ladrón De Bicicletas: La Verdadera Realidad – Opinión

Mira o compra la película “Umberto D” en AMAZON MX.

Síguenos por FACEBOOK, YOUTUBE e INSTAGRAM para más noticias y reseñas sobre el séptimo arte y ayúdanos compartiendo este artículo.

Si te gustó este artículo probablemente disfrutes leer: Lo Inhumano Reflejado En El Cine | ‘Los Hombres Detrás Del Sol’ Y  ‘Zona De Interés’. O también: Her (2013): La Inteligencia Artificial En La Ruptura Masculina. 

Somos un equipo de cinéfilos y cineastas especializados en crítica de cine. Puedes leer más artículos sobre películas y series en CinReservas.

Olaf Viana

Cuenta con una maestría en Cine Latinoamericano y Caribeño. Cinéfilo apasionado, ha dado clases y conferencias sobre diferentes áreas del cine.

Instagram

www.instagram.com/ovnihumanoide/%20

La entrada Umberto D. (1952): Que Nunca Deje De Brillar La Luz – Crítica se publicó primero en CinReservas.

Más que una nación, o un credo, es la corporación quien tiene control de la raza humana, aun en constante búsqueda de terraformar otros planetas después de que la tierra se volviera inhabitable (presuntamente). “Alien: Romulus” nos pone en los zapatos de Rain, una chica en búsqueda de un mejor planeta, y Andy, su ‘hermano’, un sintético que tiene como misión hacer todo lo que favorezca a Rain.

Esta es la relación central de la película y una de las dinámicas más interesantes que ‘Romulus’ brinda a la franquicia. Los hermanos son contactados por Tyler y su grupo de recolectores para ir a una estación espacial abandonada, buscar objetos valiosos y usar sus ganancias, y herramientas que encuentren para alcanzar una mejor vida. Lamentablemente, para ellos, en la estación se encontrarán con la amenaza del (los) icónico (s) Xenomorfo(s). Lo cual desatará una intensa batalla por la supervivencia de nuestros personajes principales. 

Siete años después de la última entrega controversial de Ridley Scott, “Alien: Covenant” (2017), técnicamente la secuela de la igualmente controversial “Prometeo” (Prometheus, 2012). Y por primera vez desde la adquisición de Fox, Disney nos presenta bajo el estandarte de 20th Century Studios su primer intento con esta franquicia.

Las mejores películas de Alien las encuentras en Amazon MX.

De la mano del director Fede Álvarez, la promesa ha sido «Queremos regresar a los orígenes de la franquicia».

Álvarez ha hablado en el material promocional de la cinta sobre cómo piensa que era necesario un regreso al tono de horror de la película original, según el director, algo que no se ha visto en mucho tiempo. En lo personal estoy en desacuerdo, “Prometeo” (2012) y “Covenant” (2017) son ambas películas de horror sin reservas. El horror corporal presente en ambas cintas es uno de los puntos más fuertes, pero también son cintas llenas de ideas y decisiones ambiciosas. Por eso mismo las opiniones son divididas con esas dos entregas. Yo argumento que las opiniones también serán divididas con “Alien: Romulus”  pero por razones diferentes. 

Si bien, creo que Fede Álvarez hace un fantástico trabajo en establecer el opresivo mundo de ‘ALIEN’ y tomando la estética retrofuturista tan característica de esas primeras entregas, los escenarios se sienten como si hubieran sido habitados o si algo desastroso hubiera sucedido. Hay un acuerdo muy interesante en seguir la línea tecnológica de las primeras dos más que lo que se vio en “Prometeo” o “Alien: Covenant”. 

En términos estéticos, la producción de “Alien: Romulus” es impecable. Pero como casi todos los aspectos de la cinta utilizan y venera la película del ‘79 y su secuela del ‘86, creo a un grado algo enfermizo. 

Hay una obsesión en referenciar esas películas a través de “Romulus”, es fanservice del que DISNEY nos tiene acostumbrados con STAR WARS. De hecho, uno de mis miedos más grandes con esta cinta era que esto fuera una especie de “Star Wars: The Force Awakens” (2015) pero de ‘ALIEN’, en muchos sentidos si lo es, pero al menos “Romulus” y Álvarez tienen sorpresas más grandes, ideas más interesantes, y ganas de crear algo que se sienta fresco a diferencia del film de J. J. Abrams. 

Las 10 Mejores Películas De Ciencia Ficción

Una de las características que más admiro de la franquicia de ALIEN es el Xenomorfo.

Esas películas se adaptan al concepto, pero son mutadas a algo diferente gracias al estilo de cada director de esa franquicia. Ridley Scott hizo una película de casa embrujada en el espacio exterior. James Cameron una película de guerra. David Fincher una película de prisión con subtexto religioso. Y Jean-Pierre Jeunet hizo una película de acción francesa, que aunque ridícula, propone nuevas ideas en el departamento de diseño, su lenguaje cinematográfico, y expande el lore de la franquicia. 

El pozo de las ideas del que Fede Álvarez se alimenta es el de las primeras 6 películas. (Menos AVP); los cómics; los videojuegos y sanseacabó. Es el Xenomorfo clásico, desempolvando símbolos de antaño. 

Aquí Álvarez decide jugar con la misma caja de herramientas que las películas pasadas de la franquicia, en lugar de ver hacia el futuro y crear algo nuevo, dejar su estampa en una franquicia en dónde grandes y visionarios directores la han dejado.

Si le añade su toque a la historia con este grupo de personajes y la premisa a la “Don’t Breathe” (2016), y su proclividad al gore que vimos en “Evil Dead” (2013). Pero esta cinta definitivamente se siente más como el trabajo de un director por encargo que el de un visionario inyectando nueva vida a una franquicia. 

Una de las mejores ideas que trae “Romulus” a la mesa es la relación de Rain y Andy.

No desde Call y Ripley en “Alien: Resurrection” (1997) ha existido una relación tan cálida e interesante entre un humano y un sintético, la otra gran idea de la película se desarrolla en el último acto de la cinta y la verdad es que no me gustaría arruinarla para nuestros lectores. 

Hay algo que la película hace que me parece terrible, es algo que tampoco me parecería justo revelar aquí, pero diré que tiene que ver con esta tendencia de DISNEY de querer traer de vuelta a actores que lamentablemente ya fallecieron. Me parece innecesario, barato, y de mal gusto. 

Sé que quizá he sido algo severo, y que mis palabras no denotan exactamente positividad, pero estaría mintiendo si no confesó que a pesar de sus puntos negativos la película me pareció buena.

Las secuencias de suspenso y la acción son indicadoras de que Fede Álvarez tiene la capacidad y más de hacer algo divertido, entretenido, y retorcido. Cailee Spaeny y David Jonsson son lo más destacable del nuevo cast. Sus papeles me cautivaron e hicieron que alentara por su supervivencia. 

Aunque regresiva, cínica, y algo torpe en puntos, creo que los visuales son fuertes, los personajes principales añorables, y la técnica con la que Álvarez nos presenta esta historia es sólida.

Es un buen intento dentro de una franquicia que lleva un gran récord. Un testamento a esto es que considero esta película la peor de la franquicia (exceptuando las de AVP) y aun así la considero una buena película. 

Los Títulos De Crédito | Historia Del Cine

Las mejores películas de Alien las encuentras en AMAZON MX.

Síguenos por FACEBOOK, YOUTUBE e INSTAGRAM para más noticias y reseñas sobre el séptimo arte y ayúdanos compartiendo este artículo.

Si te gustó este artículo probablemente disfrutes leer: No Lo Abras (It Lives Inside, 2023) – Crítica. O también: Asteroid City – Opinión. 

Somos un equipo de cinéfilos y cineastas especializados en crítica de cine. Puedes leer más artículos sobre películas y series en CinReservas.

bakayarro

El día que descubrí el cine de terror italiano afectó la química de mi cerebro.

Facebook Instagram

La entrada Alien: Romulus – Crítica se publicó primero en CinReservas.