El leoncito Mufasa se separa de sus padres después de un terrible incidente en un río. El pequeño es adoptado por una familia de leones. Mufasa es arropado por el hijo, otro cachorro llamado Taka, y por la madre Eshe, pero no es aceptado en su totalidad por Obasi, el líder de la manda. El joven león tendrá que mostrar su valentía y habilidades para ser aceptado y posiblemente reencontrarse con su familia, quienes podrían estar en la tierra mitológica conocida como Milele.

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Lin Manuel Miranda és el compositor de las canciones de la película, igual que en la cinta previa “El Rey León” (2019).

La cualidad que más disfruté de la película fueron precisamente estas melodías, todas son increíblemente pegajosas y narrativamente mueven la historia adelante y nos encariñan a los personajes «nuevos».

La relación entre Mufasa y Taka es otra de las cosas que más funcionaron de esta película. La actuación de voz de Aaron Pierre es formidable, él está teniendo un año increíble. Recomiendo mucho “Rebel Ridge” (Clasificación B-15/PG-13, 2024) de Netflix en donde también nos muestra su rango actoral. 

Los primeros dos actos de “Mufasa”  fluyen muy bien, las dinámicas son muy interesantes y la dirección de Barry Jenkins es inmersiva. Una de las cosas que a mucha gente puede sorprenderle es que el director de obras como “Moonlight” (2016) e “If Beale Street Could Talk” (2018) dirija una película de Disney como esta.

Francamente, no tengo tanta familiaridad con la filmografía de Jenkins para destacar las cualidades similares entre una obra u otra. Lo primero que se me viene a la mente son los personajes femeninos fuertes que las dos películas anteriores y esta tienen. Y su interés por explorar las repercusiones de la influencia que nuestros antepasados tienen en nosotros.

Pero estilísticamente “Mufasa” si se siente como Barry Jenkins intentando apelar a las sensibilidades de un público más extenso al que normalmente apela. No tengo problema con directores expandiendo su paleta de colores, solo espero que, si continúa trabajando con grandes estudios, que sus habilidades que lo distinguen no se terminen extinguiendo. 

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“Mufasa: El Rey León” (2024) es una película vibrante, y como decía anteriormente muy inmersiva. Las imágenes bellas de la sabana africana, y las criaturas y colores que se encuentran en ella son el atractivo visual principal de la película. 

Creo que como película infantil cumple expandiendo un protagonista entrañable que añade a la mitología de la franquicia. No hay muchos personajes que podríamos considerar como nuevos en esta cinta, pero a los existentes que la protagonizan se les añade un peso aún mayor.

En donde queda debiendo es en el último acto. La película tiene todos los elementos necesarios en los lugares correctos para darnos un final muy emotivo y poderoso, pero lamentablemente la película opta por una pelea entre dos personajes que no tienen la dinámica más interesante, y por querer ligar su historia a la cinta anterior bastante de esa emoción es sacrificada por cohesión narrativa. 

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Llamar la línea temporal que abarca esta película ambiciosa sería subestimarla. Pero aunque la “Aquí” (Here, 2024) tiene mucho terreno temporal por cubrir, el enfoque principal de la película es en la familia Young. Empezando con el padre Al, un veterano de la Segunda Guerra Mundial interpretado por Paul Bettany. Y Rose, una ama de casa interpretada por Kelly Reilly.

Aquí vemos a la familia Young expandirse, y eventualmente entran a la historia Richard hijo de Al y Rose, interpretado por Tom Hanks. Y su pareja Margaret interpretada por Robin Wright.

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Los eventos de la película no se muestran en un orden estricto, pero sí hay una línea emocional que va ligando, recordando, y haciendo eco con eventos de otros tiempos.

La película salta de momento en momento, y nos muestra pequeños mosaicos que nos sirven como portales para observar lo que sucede en el pasado u futuro. Podemos decir que el espacio y tiempo al que “Aquí” realmente le interesa explorar (además de la sala de la familia Young) es Estados Unidos, desde sus orígenes hasta su modernidad. Es con esta familia en dónde obtenemos una ventana a esta forma de vida. La manera en la que evoluciona, se transforma, y desaparece. 

El aspecto formal que más llama la atención y que sirve como punto de venta para la primicia de esta cinta es que todo lo vemos desde una perspectiva fija. La cámara no se mueve, el espacio es el mismo. Son solo los elementos a cuadro, y el tiempo que pasa o retrocede lo que hace que la  puesta de escena cambie.

Otro aspecto técnico que es aparente, y difícil de no notar, es la tecnología utilizada para volver más joven o viejos a los actores. En específico, a Tom Hanks y a Robin Wright que son a los que vemos transcurrir más tiempo de vida. Desde su adolescencia hasta su vejez.

Controvertidas han sido estas técnicas de rejuvenecimiento por su uso de la inteligencia artificial que se conoce como machine learning. Esta tecnología desarrollada por la compañía Metaphysic fue entrenada mostrándole cuadros de películas previas de los actores en diferentes contextos. De edad, luz, movimientos faciales, distancias focales, etc. Teniendo esta información aprendida, el software es capaz de generar el efecto en vivo. Durante la filmación, la producción contaba con dos monitores. Uno mostrando el material grabado como tal y el otro mostrando el efecto de rejuvenecimiento ya aplicado. 

Todo esto bajo la idea de dejar que los actores puedan actuar de la forma más natural posible. Sin necesidad de añadirle puntos de referencia faciales para que los diseñadores de efectos visuales puedan hacer su magia. La tecnología lo hace ya en tiempo real. Decisión que quizá pueda ser vistas como una traición de parte de Robert Zemeckis hacia los equipos de VFX que han trabajado con él durante gran parte de su carrera.

El tema de la inteligencia artificial reemplazando la mano de obra y el talento humano es una conversación que está en su pleno apogeo.

Y es “Aquí” una de las primeras películas que hacen uso completo de la IA para generar un efecto que en mi opinión es exitoso. Aunque para muchos podría resultar desconcertante e inusual. Obvio que es una tecnología en su infancia, pero como alguien siempre abierto a las innovaciones, siempre a la vanguardia de lo nuevo, no es sorprendente que Zemeckis sea de los primeros en adoptarla. Fuera de las implicaciones morales y laborales que esto puede traer a la industria.

Robert Zemeckis asegura que siempre se tuvo el apoyo de supervisores de efectos visuales para finalizar los planos de la película y que hubiera una uniformidad y que se prioriza el ojo de los creadores para que el producto final sea satisfactorio, sobre dejar que un software haga todo el trabajo.

Solo el tiempo dirá si el riesgo que toma Zemeckis y su equipo en “Aquí” terminará volviéndose el estándar como otras técnicas en las cuales el director dependió en el pasado que se fueron convirtiendo, tales como el mo-cap (Captura de Movimiento, del inglés Motion Capture) que usó en películas como “El Expreso Polar” (2004) y “Beowulf” (2007). 

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La innovación técnica y visual no son las características recurrentes dentro de la filmografía de Robert Zemeckis presentes en “Aquí” (Here, 2024).

El paso del tiempo, las relaciones interpersonales, y sus repercusiones son temas que podemos ver desde la icónica “Volver Al Futuro” (1985), o la poderosa “Contacto” (1997), o en “Náufrago” (Cast Away, 2000). Incluso en obras más recientes como “Bienvenidos A Marwen” (2018) el director explora la memoria, los eventos que nos definen y lo que decidimos hacer en nuestro presente para impactar nuestro futuro. «El futuro es él la única dirección a la que vamos» o algo en esa índole se menciona en “Aquí”. 

Tengo que admitir que los últimos trabajos de Zemeckis no fueron de mi agrado. Desde “Flight” (2012) el director no hacía una película que podría decir que me movió, o que me gustara. Y me complace decir que “Aquí” cuenta con todo lo que este director ha sido capaz de hacer en el pasado para conmoverme y capturar mi imaginación. 

La forma en la que la película utiliza el dispositivo narrativo de los mosaicos para acentuar momentos emocionales me pareció devastadora.

Mucho se dirá de lo polifacético de actuaciones como la de Tom Hanks, Paul Bettany, Kelly Reilly, y Robin Wright. Son un tour de force en todo el sentido de la frase y creo que merecen ser reconocidas por su audacia. 

La melosidad de las narrativas de Robert Zemeckis son una característica clave para descifrar lo que le interesa explorar al director. Pero un aspecto del que se habla poco es el cinismo que lo ha acompañado desde «I Wanna Hold Your Hand» (1978), «Used Cars» (1980), y «Romancing The Stone» (1984). Durante la película encontramos momentos dulces, pero siempre hay un tinte de melancolía y amargura que vuelve a esta cinta una especie de respuesta a algo como “Forrest Gump” (1994). Parece como si Roth y Zemeckis reconocieran lo insulso que puede llegar a ser esa cinta, una fantasía boomer, en su representación de la historia estadounidense.

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“Aquí” (Here) es implacable. Reconoce los fallos del estilo de vida estadounidense, y de los líderes en su historia viéndolos desde el microcosmos de una familia promedio. Una ventana a la vida que las generaciones pasadas han sido sujetas. Y las decisiones que se han forzado a tomar para sobrevivir en el sistema imperfecto que hemos decidido como el idóneo. 

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Una historia sobre inmigración, centrada en Pedro (Raúl Briones), un hombre mexicano que trabaja como cocinero en un restaurante en Nueva York que sirve de todo y busca apelar a todos los gustos. La clase de establecimiento que antes de otorgar una experiencia de alta calidad busca satisfacer la demanda de los clientes. Dentro de la cocina de “The Kitchen”, existe una amplia variedad de personalidades provenientes de diferentes partes del mundo. De cierta manera, el cast de “La Cocina” engloba la pluralidad de las comunidades que habitan NYC, y Estados Unidos en general.  

Julia, una chica gringa interpretada por Rooney Mara, está teniendo un amorío con Pedro. El drama de la pareja gira alrededor de la decisión de abortar su embarazo actual, quien podría ser hijo del joven mexicano. Este embarazo representa no solo los deseos y sueños de nuestro personaje principal, pero también el futuro. Su futuro como hombre, como padre, como amantes, como persona, y como posible ciudadano legal de la nación en la que habita.

Pedro le promete a Julia amarla, y hasta le propone llevársela de regreso a México, pero también queda claro que una de las intenciones/deseos de Pedro es conseguir la ciudadanía estadounidense. Dentro de la cocina de «La Cocina» observamos el caos que va brotando poco a poco como el vapor de una tetera hirviendo agua. Un problema surge dentro del restaurante, 823 dólares han desaparecido de la caja del restaurante. Será labor de la administración del lugar localizar el dinero cuestionando a todo el staff uno por uno. 

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La sinopsis de «La Cocina» puede resultar abrumadora a primera instancia, pero las prioridades de esta película yacen más allá de la trama, y los embrollos que catalizan dichos eventos.

Lo que busca esta película es meterte dentro de la experiencia de trabajar en un sitio tan colorido como «The Kitchen». Lo abrumante de «La Cocina» verdaderamente radica en su forma. Planos secuencia duraderos que te transportan alrededor del restaurante completo. Intensos usos de efectos de sonido y diálogos qué crean una cacofonía de quejas, sonidos ambientales, griteríos, y chistes. El uso de la técnica llamada «step-printing» para ofrecer imágenes más expresionistas de una mujer inmigrante navegando dentro del caos expansivo de Nueva York solo para arribar al caos encapsulado de «The Kitchen». 

El estilo y la forma de la película es enérgico, pero la película también te da una experiencia similar al género llamado «hang-out movies» reminiscente a películas de Richard Linklater o Jim Jarmusch pero con la urgencia y explosividad de alguien como Martin Scorsese. 

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Alonso Ruizpalacios nos comparte muchas ideas en «La Cocina» sobre México, Estados Unidos, la sociedad, y a dónde vamos encaminados.

Es una chinga existir, no importa de dónde seas, de dónde vengas, ni dónde estés. El futuro es incierto en Estados Unidos, y ni se diga de los lugares de dónde provienen los inmigrantes. Esto te lo establece la cinta con personajes que no se sienten como estereotipos ni caricaturas. Claro, existen ciertas cualidades que pueden tener que podríamos interpretar como «a ese personaje lo he visto antes» pero yo creo que eso es un testamento a lo honesto, y apegado a la realidad de la obra.

A dónde sea que vayamos vamos a encontrar gente que se parece en actitudes a alguien de nuestro pasado. El cast de «La Cocina» provee la película toda una nueva paleta de colores, en una secuencia particularmente memorable observamos el rebane del staff. En esta cada quien usa las palabras aprendidas en el idioma de los otros para insultarse.

Los mexicanos hablan francés, los franceses hablan español, los gringos hablan árabe, etc. Una demostración muy amena de la mezcolanza cultural que es “La Cocina” un lugar dónde sirven comida americana, árabe, japonesa, de la India, etc. En dónde el dueño es árabe, el manager es un hombre blanco, el de RH es un latino gringo, el chef es francés, y el resto del staff también son de otras partes del mundo. Todos provenimos de otro lado.

Muchos podrían ver la película como una experiencia sobrecargada, pero yo argumentaría que ese es el punto. Somos muchos, ya no cabemos, venimos de otras partes con nuestras costumbres e idiomas, y es increíblemente difícil convivir y encontrar un lugar cuando vienes desde abajo.

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La historia de “Gladiador II” o “Gladiador 2” (2024) nos pone 16 años después del final de la obra original. En esta nos encontramos con Hanno, a quien luego se nos explica que es Lucius el hijo de Lucilla, la hija del ex-emperador Marco Aurelio.

Todos personajes antes visto en la primera cinta. Hanno es un hombre que lidera un ejército del territorio del norte de África, Numidia. El grupo militar se opone a las fuerzas romanas para que detengan su desenfrenada búsqueda por conquistar el planeta entero.

Después de una batalla aguerrida, Hanno es capturado por los romanos, y es convertido en gladiador. Hanno tendrá que ganarse la confianza de Macrino el hombre que lo compró. Ambos tienen sus agendas, Hanno busca venganza contra los que lo esclavizaron y destruyeron su ejército y asesinaron su amada, y Macrino busca usarlo para poder infiltrarse en los más altos rangos del senado romano.

Ridley Scott es un director con muchas películas icónicas, pero a quien mucha gente le ha perdido fe en los últimos años porque sus trabajos no han sido del agrado del público por completo.

La última vez que Ridley Scott hizo una película favorable en taquilla, en crítica, y en percepción de audiencia fue «Misión Rescate» (The Martian) en el 2015. A pesar de esto, es para mí claro que Scott a sus casi 87 años cuenta con un vigor, y una energía envidiable para cualquiera. Es uno de los pocos directores en el planeta capaz de entregar películas enormes, a una escala comparable a titanes del cine de estudio como Cecil B. DeMille, William Wyler, y David Lean. 

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Tengo que admitir que nunca he sido el fan más grande la «Gladiador» (2000).

Es una película que admiro y reconozco como clásico, pero no me parece infalible ni esencial dentro de la filmografía de Scott. Creo que ese desapego es lo que ha hecho que mi reacción a esta secuela sea mucho más favorable que la de la mayoría del público. «Gladiador II» ha sido una de las experiencias más divertidas que he tenido viendo cine comercial en todo el año. Scott y el guionista David Scarpa reconocen el poder que tuvo sobre las audiencias la primera cinta hace más de 20 años y no buscan reinventar la rueda con este esfuerzo.

Más bien, el interés de estos cineastas radica en crear melodrama alto y secuencias de batalla brutales. Es en las escenas de los coliseos en dónde «Gladiador II» más brilla. Los lugares extremos a los que llega sin lugar a dudas harán que la credulidad de las audiencias definitivamente sea puesta a prueba pero para mí esta teatralidad fársica, e inexactitud histórica son cualidades esenciales y continúan la tradición de este tipo de épica de Espadas y Sandalias como se le conoce al género. 

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Parte de la historia de esta secuela hace eco con lo que vino anteriormente, pero también se toma el tiempo para hacer espacio para temas y relaciones diferentes a la primera entrega.

La relación de Hanno (Lucius) con su madre Lucilla es muy emotiva. El personaje de Acacio interpretado por Pedro Pascal subvierte este arquetipo de personaje (líder militar) de una manera muy agradable. Los dos emperadores interpretados por Joseph Quinn, y Fred Hechinger cuentan con un rol en la trama muy diferente al del icónico Cómodo,  interpretado por Joaquin Phoenix en «Gladiador».

No es por hacer menos a los personajes y relaciones mencionados anteriormente, pero el personaje/actor más destacable de todos fue el maquiavélico Macrino interpretado por el legendario Denzel Washington.

Hay una chispa cada momento en el que Denzel exhibe sus habilidades en pantalla, hay una frase en inglés que dice «chewing the scenary» la cual se traduce a masticar el escenario y Denzel Washington lo mastica como si no hubiera mañana. Cabe destacar que aparte del arco de Lucius, el de Macrino es el más completo en toda la experiencia.

Estos detalles son los que hacen que la secuela se destaque por sus propios méritos en lugar de estar bajo la sombra del gran Máximo de Russell Crowe. Mescal es uno de los actores más emocionantes trabajando hoy en día y no se queda atrás brindando presencia a su Lucius, imponiendo respeto con cada batalla que pelea y con cada palabra que enuncia. 

La película a la que más me recuerda en lo personal es el éxito de taquilla de hace un par de años «Top Gun: Maverick» (2022) de Joseph Kosinski. Una secuela de legado que toma elementos de la historia de la original, pero que expande, añade, y en mi opinión triunfa haciendo un proyecto digno para acompañar el amado clásico por las multitudes. No es coincidencia que uno de los créditos por la historia pertenecen a Peter Craig guionista que también cuentan con crédito de historia en «Maverick».

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Ridley Scott estaba ansioso por regresar a la antigua Roma y no lo iba a hacer sin entregarnos una de sus mejores películas en años, “Gladiador II” (2024). Es raro ver películas de esta escala en nuestras pantallas. Y una experiencia que revitaliza si eres fan del melodrama, la sangre, y la intriga política.

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En estos segmentos las historias son muy diferentes, pero siguen las mismas líneas temáticas. A grandes rasgos, cada parte de “Tipos De Gentileza” (Kinds Of Kindness, 2024) trata con la necesidad de cariño, y por aceptación que los humanos tenemos, y hasta dónde llegaríamos para obtener este afecto.

En la primera historia vemos a un hombre cuyo cada momento y decisión está siendo decidida por su jefe, y las repercusiones que surgen al momento en que intenta retomar su autonomía. En la segunda, un policía que duda de la identidad de su esposa que recién regresó de un tiempo de estar perdida en una isla, y la tercera sigue a un culto que está en búsqueda de una persona especial. 

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“Tipos De Gentileza” es quizá la película más desafiante de Yorgos Lanthimos desde “Canino”.

Y con eso quiero decir que después de un par de películas que aunque conservaban el característico estilo del director, es en “Tipos De Gentileza” dónde el griego regresa al puesto de guionista. Su última obra de completamente autoría fue “El Sacrificio Del Ciervo Sagrado” de 2017. 

En ‘Gentileza’ Lanthimos nos deja con tres escenarios en donde personas desesperadas por encontrar una semblanza de conexión, afecto, y gentileza están dispuestos a cometer acciones moralmente reprochables, hasta crueles diría yo para alcanzar la aprobación de gente que o está en una posición de poder sobre otra. 

Las tres son protagonizadas por Jesse Plemons y Emma Stone, papeles que considero los más retadores de sus carreras hasta ahora.

Plemons interpreta a Robert, a Daniel y a Andrew. Los tres papeles increíblemente diferentes, y Plemmons logra infundir su propia presencia al estilo directorial de Yorgos. Hay muchos sentimientos embotellados dentro de estos personajes, y cada uno de ellos busca ser recipiendario de una relación verdadera con la gente que ama. 

Lo mismo para Emma Stone, cuyo rango actoral es puesto a prueba una vez más dentro de una producción de Lanthimos. Esta película es prueba viva de que esta colaboración no es sólo moda, sino que es más que sustanciosa y ambos están dispuestos a ir a lugares más oscuros y extraños. 

Como decía anteriormente, “Tipos De Gentileza”‘ es la cinta más desafiante de Yorgos Lanthimos desde ‘Canino’. Este film hace ver a “Poor Things” (2023) como una película tradicional en términos de estructura y contenido. El humor de ‘Gentileza’ es mucho más seco, y menos abundante. Es una película más interesada en explorar estas dinámicas, que aunque en un principio algo ambiguo la pintura completa es revelada poco a poco. Una pintura repleta de momentos incómodos, obsesión, y comportamiento altamente patético desplegado por los personajes provenientes de la pluma de Yorgos Lanthimos. 

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Yo veo cada una de estas historias como una especie de parábola representativa de una clase de dinámica de la vida moderna.

El hecho de que sea su primera película desde “El Sacrificio Del Ciervo Sagrado” nos hace pensar que a Yorgos le interesa una vez más comentar sobre el aquí y el ahora. La primera historia creo hace un gran trabajo analizando la naturaleza parasítica que pueden tener las personas con sus jefes. La segunda se concentra mucho más en la relación que tienen unos esposo, y la forma en la que el abuso puede ser visto por la gente fuera de la relación. Y la tercera es sobre una mujer, la relación que tiene con su familia y como está reflejado nos dice cosas diferentes de su relación con su comunidad. 

Trastornada, sería una palabra certera para describir la experiencia de “Tipos De Gentileza” (Kinds Of Kindness, 2024). Con una duración de casi tres horas, durante la experiencia nunca se sintió su duración. Las historias no se sienten predecibles, son fascinantes e inquietantes en su crudeza e inexpresividad que de hecho expresa más de lo que aparenta. Lanthimos toca fibras sensibles de la forma en la que podemos desenvolvernos en sociedad, mostrando una cara para algunas personas que representa amabilidad y gentileza y como esto es una pantalla para enmascarar los motivos egoístas de las personas. 

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Más que una nación, o un credo, es la corporación quien tiene control de la raza humana, aun en constante búsqueda de terraformar otros planetas después de que la tierra se volviera inhabitable (presuntamente). “Alien: Romulus” nos pone en los zapatos de Rain, una chica en búsqueda de un mejor planeta, y Andy, su ‘hermano’, un sintético que tiene como misión hacer todo lo que favorezca a Rain.

Esta es la relación central de la película y una de las dinámicas más interesantes que ‘Romulus’ brinda a la franquicia. Los hermanos son contactados por Tyler y su grupo de recolectores para ir a una estación espacial abandonada, buscar objetos valiosos y usar sus ganancias, y herramientas que encuentren para alcanzar una mejor vida. Lamentablemente, para ellos, en la estación se encontrarán con la amenaza del (los) icónico (s) Xenomorfo(s). Lo cual desatará una intensa batalla por la supervivencia de nuestros personajes principales. 

Siete años después de la última entrega controversial de Ridley Scott, “Alien: Covenant” (2017), técnicamente la secuela de la igualmente controversial “Prometeo” (Prometheus, 2012). Y por primera vez desde la adquisición de Fox, Disney nos presenta bajo el estandarte de 20th Century Studios su primer intento con esta franquicia.

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De la mano del director Fede Álvarez, la promesa ha sido «Queremos regresar a los orígenes de la franquicia».

Álvarez ha hablado en el material promocional de la cinta sobre cómo piensa que era necesario un regreso al tono de horror de la película original, según el director, algo que no se ha visto en mucho tiempo. En lo personal estoy en desacuerdo, “Prometeo” (2012) y “Covenant” (2017) son ambas películas de horror sin reservas. El horror corporal presente en ambas cintas es uno de los puntos más fuertes, pero también son cintas llenas de ideas y decisiones ambiciosas. Por eso mismo las opiniones son divididas con esas dos entregas. Yo argumento que las opiniones también serán divididas con “Alien: Romulus”  pero por razones diferentes. 

Si bien, creo que Fede Álvarez hace un fantástico trabajo en establecer el opresivo mundo de ‘ALIEN’ y tomando la estética retrofuturista tan característica de esas primeras entregas, los escenarios se sienten como si hubieran sido habitados o si algo desastroso hubiera sucedido. Hay un acuerdo muy interesante en seguir la línea tecnológica de las primeras dos más que lo que se vio en “Prometeo” o “Alien: Covenant”. 

En términos estéticos, la producción de “Alien: Romulus” es impecable. Pero como casi todos los aspectos de la cinta utilizan y venera la película del ‘79 y su secuela del ‘86, creo a un grado algo enfermizo. 

Hay una obsesión en referenciar esas películas a través de “Romulus”, es fanservice del que DISNEY nos tiene acostumbrados con STAR WARS. De hecho, uno de mis miedos más grandes con esta cinta era que esto fuera una especie de “Star Wars: The Force Awakens” (2015) pero de ‘ALIEN’, en muchos sentidos si lo es, pero al menos “Romulus” y Álvarez tienen sorpresas más grandes, ideas más interesantes, y ganas de crear algo que se sienta fresco a diferencia del film de J. J. Abrams. 

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Una de las características que más admiro de la franquicia de ALIEN es el Xenomorfo.

Esas películas se adaptan al concepto, pero son mutadas a algo diferente gracias al estilo de cada director de esa franquicia. Ridley Scott hizo una película de casa embrujada en el espacio exterior. James Cameron una película de guerra. David Fincher una película de prisión con subtexto religioso. Y Jean-Pierre Jeunet hizo una película de acción francesa, que aunque ridícula, propone nuevas ideas en el departamento de diseño, su lenguaje cinematográfico, y expande el lore de la franquicia. 

El pozo de las ideas del que Fede Álvarez se alimenta es el de las primeras 6 películas. (Menos AVP); los cómics; los videojuegos y sanseacabó. Es el Xenomorfo clásico, desempolvando símbolos de antaño. 

Aquí Álvarez decide jugar con la misma caja de herramientas que las películas pasadas de la franquicia, en lugar de ver hacia el futuro y crear algo nuevo, dejar su estampa en una franquicia en dónde grandes y visionarios directores la han dejado.

Si le añade su toque a la historia con este grupo de personajes y la premisa a la “Don’t Breathe” (2016), y su proclividad al gore que vimos en “Evil Dead” (2013). Pero esta cinta definitivamente se siente más como el trabajo de un director por encargo que el de un visionario inyectando nueva vida a una franquicia. 

Una de las mejores ideas que trae “Romulus” a la mesa es la relación de Rain y Andy.

No desde Call y Ripley en “Alien: Resurrection” (1997) ha existido una relación tan cálida e interesante entre un humano y un sintético, la otra gran idea de la película se desarrolla en el último acto de la cinta y la verdad es que no me gustaría arruinarla para nuestros lectores. 

Hay algo que la película hace que me parece terrible, es algo que tampoco me parecería justo revelar aquí, pero diré que tiene que ver con esta tendencia de DISNEY de querer traer de vuelta a actores que lamentablemente ya fallecieron. Me parece innecesario, barato, y de mal gusto. 

Sé que quizá he sido algo severo, y que mis palabras no denotan exactamente positividad, pero estaría mintiendo si no confesó que a pesar de sus puntos negativos la película me pareció buena.

Las secuencias de suspenso y la acción son indicadoras de que Fede Álvarez tiene la capacidad y más de hacer algo divertido, entretenido, y retorcido. Cailee Spaeny y David Jonsson son lo más destacable del nuevo cast. Sus papeles me cautivaron e hicieron que alentara por su supervivencia. 

Aunque regresiva, cínica, y algo torpe en puntos, creo que los visuales son fuertes, los personajes principales añorables, y la técnica con la que Álvarez nos presenta esta historia es sólida.

Es un buen intento dentro de una franquicia que lleva un gran récord. Un testamento a esto es que considero esta película la peor de la franquicia (exceptuando las de AVP) y aun así la considero una buena película. 

Los Títulos De Crédito | Historia Del Cine

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“Herencia Siniestra” cuenta la historia de Ed, un joven norteamericano que fue secuestrado de su hogar cuando era solo un bebé. Años después, ya en plena vida adulta, y gracias a una aplicación especializada en analizar ADN y encontrar personas con información genética parecida a la de sus clientes, Ed logra reencontrarse con sus familiares. Su hermano Manuel y su madre Amelia.

Resulta que la familia de sangre de Ed proviene de Portugal, y es ahí cuando nuestro protagonista se propone a realizar un viaje para reconectar con su pasado acompañado de su pareja, una joven llamada Ryley (interpretada por Lundy-Paine). Ambos son bien recibidos en una lujosa, pero lúgubre mansión en un pueblo rural de Portugal, pero no transcurre mucho tiempo antes de que empiecen a suceder cosas extrañas en la residencia. La relación entre Manuel (el hermano gemelo de Edward) y Amelia es mucho más compleja de lo que los visitantes creían. Ryley toma la batuta de la investigación, ya que Ed se ve muy ilusionado con el prospecto de tener una vida familiar «sana».

El profundo agujero de mentiras, y chocantes revelaciones, es revelado de forma metódica y de cierta forma con una estructura de misterio tradicional. Lo que no es tan tradicional es la gama de temas que Gabriel Abrantes decide explorar en una película que a primera vista podría aparentar ser un cine de horror genérico. Pero detrás de esta velo engañoso podremos encontrar un proyecto comprometido a perturbar a su audiencia. 

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Durante el primer acto de película se revela que posiblemente Manuel y Amelia están involucrados en una relación incestuosa. 

Amelia es una mujer empedernida en no perder su juventud. Tanto que termina deformando su rostro a un grado exagerado, irreconocible a la bella mujer que ha sido retratada en pinturas postradas en la mansión, o en fotos que dan la apariencia de estar observando en cada momento las acciones de los protagonistas. 

Uno de los aspectos que más me tomaron por sorpresa de la película es su capacidad de hacer reír, y de explorar el lado ridículo de la situación en pantalla. El look de los antagonistas es una de las maneras en la que lo explora. Manuel es el gemelo de Ed, también interpretado por Carloto Cotta y la primera vez que vi a este personaje no pude evitar soltar una carcajada. Vestido con una franela azul, jeans, y un cabello largo muy a la Patrick Swayze, el personaje parece una caricatura de un hombre de los 80. Amelia con sus cirugías plásticas torna su rostro en una pesadilla estética, pero también en una caricatura de la obsesión por la fuente de la juventud que mucha gente busca.

Creo que estos elementos brindan levedad a un proyecto que explora y expone ideas muy fuertes. y gracias a que están siendo exploradas por medio del prisma del cine de género las vuelve más digeribles. Lamentablemente, estos mismos tropos con los que juega son los que detienen o limitan esta cinta a convertirse en algo más especial.

Fuera de los elementos perturbadores como la obsesión por la belleza, el miedo a los extraños, y el incesto ‘Herencia Siniestra’ batalla al generar un verdadero terror.

Optando por montar secuencias predecibles aunque con un par de chispazos de brillantez. Las dos actuaciones más memorables son la de Brigitte Lundy-Paine quien carga con gran parte del film como la fuerza que destapa el misterio de esta retorcida familia. Anabel Moreira quien interpreta a Amelia brinda impone, pero también se permite ser juguetona para dar pie a los diferentes tonos con los que malabarea Abrantes. 

Hay promesa en el estilo de Gabriel Abrantes. La secuencia inicial y los últimos 15 minutos de la película son los momentos que más destacaría, ya que en ambas secuencias deja a un lado las ataduras del género para dar paso a un estilo más libre. Uno que ataca a su audiencia cuestionando las ramificaciones psicológicas de perder a un hijo en el caso de la primera secuencia y de abusar de tu descendencia en el caso de segunda. 

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“Un Actor Malo” (2023) nos presenta con un escenario que lamentablemente sucede con mucha frecuencia. Una agresión sexual durante la filmación de una escena íntima desata una serie de situaciones lógicas. Jorge Cuchí decide mantener su mirada fija en el desenvolvimiento de estas situaciones. La cinta decide enfocarse en la reacción inmediata de todos los involucrados y el efecto dominó de una situación de este calibre.

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«Un Mal Actor» no escatima en mostrar a detalle la secuencia de escenarios por las que una persona tiene que pasar para denunciar a un abusador.

El personaje de Alfonso Dosal, llamado Daniel Zavala, representa a un grupo de personas que toman decisiones a la ligera sin dimensionar el efecto psicológico y el dolor que sus acciones pueden ocasionar en sus víctimas, más que nada porque ellos no lo consideran de esa manera.

Fiona Palomo por el otro lado interpreta a Sandra Navarro. Una víctima de violación dentro de un ambiente que debería ser considerado como seguro pero cuyas prácticas, medidas y conocimientos para lidiar con estos casos siguen quedando a deber.

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Cuchí con tomas largas y con escenas donde los actores repiten cosas que la audiencia ya sabía, nos planta en el presente de la narrativa con todo y la incomodidad que esto conlleva.

El film opta por una ejecución más apegada a la dramaturgia, el uso del lenguaje cinemático es más simple y el director claramente confía en que los actores pueden expresar los sentimientos de la obra por medio de sus interpretaciones. Un trabajo pesado para las estrellas de la cinta, pero tanto Fiona Palomo como Alfonso Dosal cargan con la película en sus hombros.

El último acto me dejo con un sabor de boca amargo. Después de casi dos horas de una narrativa turbia, realista, y aunque pudo llegar a sentirse repetitiva y tediosa creo que la línea en la que se mantiene daba para dejarnos pensando en la infinidad de casos que ocurren similares a los de Sandra. No creo que el final borre o dañe lo que se hizo previamente, pero si pienso que optar por implementar una sátira que francamente se siente fuera de lugar mancha un poco la idea central de la película.

El grupo de feministas radicales que decide linchar a Daniel viene, en mi opinión, de un miedo conservador centrado en que este grupo de personas solo busca venganza a ciegas y no justicia por las víctimas de este acoso. La cinta pudo haber concluido con un comentario más conciso, pero al final termina siendo un proyecto con grandes intenciones, pero mandando señales mezcladas.

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Producida por Catatonia Cine, la película mexicana “Un Actor Malo” (2023) tiene su estreno en salas de cine el 4 de abril de 2024 a cargo de Cinépolis Distribución.

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Hay algunos temas fascinantes que se exploran en “Sobrevivientes Después Del Terremoto” (Concrete Utopia). ¿Qué constituye una sociedad? ¿Cómo debe actuar un ser humano en tiempos de crisis? ¿Es inhumano elegir el tribalismo para sobrevivir? ¿Cómo y por qué elegimos a nuestros líderes de la forma en que lo hacemos?

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Un inmenso terremoto provocado por una lluvia de meteoritos deja a Corea en completo caos.

Un edificio se mantiene erigido en medio de un océano de destrucción. Ahora es responsabilidad de sus inquilinos cuidarse y sobrevivir al apocalipsis con los pocos recursos que aún les quedan.  

Para ello necesitan elegir un delegado, alguien capaz de tomar decisiones y defender sus intereses. Eligen a Kim Young-Tak. Un vecino misterioso que demostró verdadera valentía en un momento de crisis. La situación de la que todos forman parte y los métodos de Young-Tak para gobernar su deslucido imperio causan tensión entre los inquilinos: ¿podrán sobrevivir bajo el estrés extremo al que han sido sometidos? ¿Podrá su nueva sociedad triunfar bajo el reinado del delegado Kim Young?

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Honestamente, “Sobrevivientes Después Del Terremoto” es una película densa con todos los temas e ideas que se presentan durante sus dos horas y diez minutos de duración.

Algo como esto puede volverse bastante tedioso pero el director Um Tae-wa imprime esta historia de supervivencia humana con escenas clásicas del cine de desastres y un nivel de drama que logra hacer de esta historia intensa y desesperada una película entretenida.

La cinta cuenta con tres personajes principales, pero el que es realmente convincente de ver cómo se desarrolla su historia es Kim Young-Tak interpretado por el gran Lee Byung Hun. No es mentira cuando digo que Lee Byung Hun es el pegamento que mantiene unida esta pieza.

Su improbable viaje hacia el liderazgo, su ascenso y caída está lleno de una amplia gama de sabores. A veces su historia parece una sátira realmente mordaz de políticos incompetentes, otras veces es una historia desgarradora sobre el crimen y hasta dónde alguien está dispuesto a llegar por el grupo de personas al que pertenece. La actuación de Byung Hun es magnética y lo más destacado de esta película. Él es uno de los grandes del cine coreano moderno y recomendaría ampliamente algunos de sus otros papeles destacados en películas como «Joint Security Area» (2000), «A Bittersweet Life» (2005) y «I Saw The Devil» (2009).

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Los otros dos personajes principales son una pareja de recién casados interpretada por Park Seo-jun y Park Bo-young.

Están aquí para fungir como personajes para que la audiencia se identifique. Sus viajes toman caminos que se bifurcan, uno con empatía y conexión humana y otro con desesperación y necesidad de supervivencia.

Si bien ideológicamente son lugares bastante diferentes, nunca están en desacuerdo entre sí y creo que fue agradable que ambos entendieran de dónde venían, no había necesidad de un conflicto artificial general entre ellos cuando su mundo y su entorno ya están causando una infinidad de problemas. Son buenos personajes, tal vez no los más memorables, pero cumplen su papel lo suficientemente bien como para que la trama siga avanzando.

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Aunque esta película tiene muchas secuencias intensas, mi principal problema radica en el ritmo.

Um Tae-wa filma esto como una película de Roland Emmerich en sus secuencias de acción, que crean momentos grandilocuentes aunque ciertamente poco realistas. Es en el tercer acto donde me preguntaba por qué no llegamos antes a la conclusión. Parecía que las cosas estaban llegando a su conclusión natural, pero hay escenas que duran más allá de eso.

Hay mucho que decir sobre cómo una película puede romperse bajo el peso de su duración y aunque no creo que “Sobrevivientes Después Del Terremoto” llegue a ese final catastrófico, ciertamente le costó mantener mi atención en el tercer acto. Lo cual que es una pena porque es entonces cuando todo debería unirse. Me temo que la cinta no llega ilesa a la meta.

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La película tiene muchos aspectos destacados y sería negligente si no los mencionara.

Los efectos especiales son de primera categoría, soy un gran fan de cómo se ve. Aprovecharon sus recursos y se nota en la pantalla. La película es bastante inteligente al abordar los problemas que presenta con un toque eficaz y mensaje resonante. Su primera hora es realmente interesante, el drama humano brilla aquí y fue fascinante ver a las personas lidiar de manera diferente a este momento de crisis.

Lee Byung Hun es un actor fantástico que eleva todo lo que aparece. Y en general, la película es una mirada divertida a la sociedad y la forma en que fácilmente puede desmoronarse bajo nuestros pies.

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La entrada Sobrevivientes Después Del Terremoto: La Utopía De Concreto – Crítica se publicó primero en CinReservas.

En «Gol Gana» el aclamado director Taika Waititi (perdedor del Oscar a Mejor Director por “Jojo Rabbit” de 2919) nos presenta una historia de deporte y superación bastante inusual.

Quizá muchos de ustedes han llegado a escuchar de la peor derrota en la historia del fútbol internacional. En el 2001, dentro de los partidos clasificatorios de la OFC (Oceania Football Confederation) el equipo de Samoa Americana recibió una goleada apabullante de parte del equipo de Australia. El marcador final fue de 31 a 0, algo realmente inédito en ese momento y aún sigue siendo la peor derrota entre selecciones. Realmente fue uno de los momentos más bajos en la historia futbolística de la Samoa Americana, un equipo que nunca fue, ni ha sido protagonista en el fútbol internacional.

Moneyball – Reseña

La historia de «Gol Gana» (2023) nos encuentra con Thomas Rongen, un entrenador holandés que en el presente de la cinta (2011) lo topamos después de una larga carrera dirigiendo en los Estados Unidos.

Lamentablemente, Rongen, interpretado por Michael Fassbender, tiene problemas de temperamento y aunque tiene un amplio conocimiento del juego, su personalidad le ha costado logros y el respeto de la gente que lo rodea.

La United States Soccer Federation le presenta un ultimátum a Rongen, dirige a la selección de Samoa Americana o te echamos a la calle. Sin la posibilidad de cuestionar la decisión de los ejecutivos, Rongen toma un vuelo a la nación de la Samoa Americana en donde es bienvenido con una meta para la selección. El sueño del director de la federación de fútbol de la Samoa Americana es ver a su nación anotar un solo gol en un partido profesional. ¿El obstáculo? El peor equipo en el planeta. 

Hardball – Reseña

Aunque la historia es verdaderamente única, es necesario notar que sigue el modelo de una película deportiva en donde apoyamos por su carisma y esfuerzo al equipo que tiene la obvia desventaja.

Lo que separa a esta cinta de otras de su género es el ingenio y el humor que Taika Waititi le inyecta a sus películas. Su sentido del humor tiene un ritmo muy específico y creo que este guion (colaboración con el guionista Ian Morris) cuenta con personajes llenos de historia, con idiosincrasias muy arraigadas a la cultura de su país, y a detalles personales que vuelven la entrega de diálogos entre los actores algo muy divertido de presenciar.

En una entrevista para Vanity Fair el actor Michael Fassbender expresó que gran parte del proceso de creación de la cinta se enfocó en la improvisación entre los actores, y de Waititi otorgando líneas entre tomas. Este aspecto de la cinta es notorio en un aspecto positivo y negativo. En ocasiones esta improvisación crea secuencias que se sienten muy naturales, y en otras los chistes no funcionan tan bien. Es una de las desventajas de este proceso, pero creo que «Gol Gana» tiene un porcentaje mayor de chistes que funcionan. 

Soy fan del humor de Taika, y la historia del film es suficiente para atrapar a cualquiera. Es una película muy familiar, pero definitivamente no creo que tenga ese aire especial que otras producciones de Waititi poseen. En una película como «Hunt For The Wilderpeople: A La Caza De Los Ñumanos» (2016) hay una chispa que prevalece a lo largo de la película que las últimas dos películas de Waititi no tienen.

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Mi principal problema con «Gol Gana» (2013) es que llegamos a lugares de forma muy sencilla, y la falta de sorpresas hacen de esta una experiencia simple, agradable pero simple.

El conflicto surge, el conflicto se resuelve. No explora ni está interesada en explorar aspectos más profundos de la estructura que ha hecho que la Samoa Americana sea el peor equipo, tampoco le interesa explorar mucho a los personajes americanos (y australianos) que aunque tienen presencia, me dio la impresión de que Waititi solo los incluyo en más escenas porque disfrutaba trabajar con esos actores.

El pasado de Rongen es explorado en la cinta, pero no conocemos nada tan revelador de él, exceptuando su relación con su hija, que sí es un punto central de la trama. Honestamente la relación que tiene con su ex se siente bastante como una idea tardía para volver más capaz al personaje y no sé si funciona del todo para mí. 

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Antes de terminar mi reseña me gustaría destacar el trabajo de Kaimana, intérprete no-binario, que actúa el papel de Jaiyah Saelua.

Saelua es una futbolista transgénero que forma parte del equipo de Rongen. Creo que Kaimana brinda un carisma y una energía grandiosa a la cinta. Los conflictos que surgen por su situación son quizá los momentos dramáticos más efectivos de la cinta, y creo que en general es la relación más interesante.

Su química con Michael Fassbender es excelente y pienso que así como Jaiyah era el alma del equipo de la Samoa Americana, Kaimana es el alma de «Gol Gana». 

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