El director Ulises de la Orden acaba de estrenar en el país el documental «El Juicio». Film basado enteramente en el registro audiovisual de las audiencias orales del Juicio a las Juntas que llevó a cabo en 1985 la Cámara Nacional de Apelaciones en lo Criminal y Correccional Federal de la Capital Federal. El histórico juicio investigó las responsabilidades de los integrantes de las tres primeras Juntas Militares por los crímenes cometidos durante la última dictadura (1976-1983).

La totalidad de las audiencias fueron registradas por la televisión pública. Los medios cubrían el juicio y el canal público Argentina Televisora Color (ATC) transmitía tres minutos diarios de imágenes sin audio. Sólo la lectura de la sentencia fue transmitida de manera completa con imagen y sonido. Esta película se basa en las 530 horas de ese material audiovisual prácticamente inédito.

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«El Juicio» es la décima película de Ulises De la Orden (Río Arriba, 2006; Tierra Adentro, 2011; Desierto Verde, 2013, entre otras) en la que se encuentra trabajando junto al reconocido montajista Alberto Ponce. Es una producción de Polo Sur Cine, con fecha estimada de estreno en Marzo de 2023.

El proyecto tuvo su inicio a partir de que Memoria Abierta. Una alianza de organizaciones de derechos humanos argentinas que promueve la memoria sobre las violaciones a los derechos humanos del pasado reciente, las acciones de resistencia y las luchas por la verdad y la justicia, facilitó el acceso al registro audiovisual completo del Juicio. Memoria Abierta preservó, copió y garantiza el acceso a las grabaciones originales de las audiencias de este juicio histórico, a pedido de la misma Cámara Federal que lo llevó adelante. Memoria Abierta es productora asociada de este filme.

Argentina, 1985 – Opinión

EL DOCUMENTAL

Si tuviéramos que ponerle un título globalizador al filme se lo podría categorizar como un resumen de todas las miserias humanas expuestas bajo varias conductas patológicas. Entre las que se destaca el cinismo con que toda la cadena de mandos de la dictadura y sus aliados tejió una estrategia disfrazada de heroísmo redentor.

El documental está dividido en 18 espacios, cada uno titulado con una frase de alguno de los testigos declarantes. Pasan así desde la tortura a la apropiación de bebés, y hasta la rapiña sistemática de elementos en cada uno de los hogares donde irrumpían estos operativos. La cosificación de aquellos a los que se detenía los degrada solo a su condición de culpables y merecedores de vejámenes en función de la Cruzada Evangélica contra el marxismo internacional. Toda actitud solidaria, sea desde el trabajo sindical, desde la iglesia o hasta de los que circunferencialmente se encontraban en medio de esta cadena de seres a invisibilizar, será merecedora de la impúdica e inmoral desaparición.

Así los relatos son relativamente cortos, pero inmensamente profundos y significativos, cada palabra es un iceberg por desentrañar donde lo que flota acciona recuerdos de lo que se hunde.

El Fotógrafo Y El Cartero (Documental) – Opinión

La duración es solo un pretexto, es un film dinámico y enciclopédico desde lo histórico.

La guía del deber ser está escrita por militares que en ningún caso son inocentes en su ideología y aplican todo su poder contra aquellos que pongan en duda su lugar privilegiado, sea este desde lo económico a lo político. Solo es posible esa concepción cristiana y Occidental.

Miles de testigos cuentan cómo son avasallados sus más íntimos derechos. Las defensas hacen agua en sus convicciones, forzadas en un heroísmo tan irreal como sádico. La película es el juicio, no sale de allí ni un minuto, no nos dispersa. Es un recorte de un momento histórico donde las canalladas son numeradas de a una, y los acusados insisten en una justificación caricaturesca e inverosímil. Las circunstancias del juicio nos duelen, pero ese alegato final instala una frase de la que todo un pueblo debe hacerse cargo: Argentinos, Nunca Más!

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«Queremos recrear el espíritu que se vivió en aquella época a través del juicio, donde en paz se logró juzgar al más violento de los gobiernos de la historia Argentina”, expresa Ulises de la Orden. “El archivo da cuenta del clima político y social de la época, muestra la tensión que se vivía en esos primeros años de la recién recuperada democracia, la violencia latente, el temor de los testigos a las represalias; todo esto aparece en los gestos, las miradas y las formas de hablar de todos los involucrados en el juicio”, afirma el director.

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EL JUICIO A LAS JUNTAS

Argentina ha sufrido una larga serie de dictaduras desde 1930. Durante la última y más cruenta de ellas, entre 1976 y 1983, miles de personas fueron secuestradas y luego desaparecidas, otros miles asesinados. Se aplicaron torturas generalizadas, cientos de bebés fueron robados y entregados en adopciones ilegales, existieron prisioneros políticos, los ciudadanos se exiliaron y se impuso una fuerte censura cultural y política.

La desaparición de personas fue la modalidad inédita impuesta por esa dictadura.

Argentina recuperó la democracia el 10 de diciembre de 1983 con la victoria en elecciones libres de Raúl Alfonsín. El nuevo presidente dispuso investigar y juzgar las violaciones a los derechos humanos cometidas durante la dictadura. Ordenó, para ello, la creación de una comisión investigadora y el juzgamiento a los máximos responsables.

En septiembre de 1984, Ernesto Sábato, presidente de la Comisión Nacional sobre la Desaparición de Personas, presentó el resultado de la investigación de la CONADEP ante el Congreso. Ese informe, que se conoce como el “Nunca Más”, corroboró las denuncias de sobrevivientes y organismos de derechos humanos, aportando pruebas fundamentales para el reconocimiento de los crímenes cometidos.

A través de los relatos de los más de 800 testigos se conocieron públicamente los delitos cometidos por el Estado en el marco de su accionar represivo. En la voz de los abogados defensores se escucharon los posicionamientos políticos e ideológicos de quienes cometieron y justificaron los delitos de lesa humanidad. En la voz de las víctimas, las historias de tortura y muerte. El archivo audiovisual de 530 horas está conformado por material prácticamente inédito.

En 1985 se acusó a los ex comandantes de las tres primeras Juntas Militares de los delitos de privación ilegal de la libertad, aplicación de tormentos, robo y homicidio. A este emblemático proceso legal, que comenzó el 22 de abril de 1984, se lo conoce como El Juicio a las Juntas. El tribunal estaba formado por los jueces León Carlos Arslanián, Ricardo Gil Lavedra, Andrés José D’Alessio, Jorge Valerga Aráoz, Guillermo Ledesma y Jorge Edwin Torlasco. El fiscal fue Julio César Strassera y su adjunto Luis Moreno Ocampo.

El 9 de diciembre de 1985, tras ocho meses de juicio oral, se leyó la sentencia.

El fallo de la Cámara Federal fue el siguiente: Jorge Rafael Videla, reclusión perpetua y destitución; Emilio Eduardo Massera, prisión perpetua y destitución; Orlando Ramón Agosti, prisión de 4 años y 6 meses, y destitución; Roberto Eduardo Viola, prisión de 17 años y destitución; Armando Lambruschini, prisión de 8 años y destitución; Basilio Arturo Lami Dozo, absuelto; Leopoldo Fortunato Galtieri, absuelto; Omar Rubens Graffigna, absuelto;  Jorge Isaac Anaya,absuelto.

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EL PROCESO DE JUSTICIA EN ARGENTINA

Con el Juicio a las Juntas se abrió el proceso de Justicia por los crímenes de lesa humanidad cometidos en nuestro país. Enfrentado a las presiones del poder militar, este proceso fue interrumpido por las leyes de Obediencia Debida y de Punto Final durante la década de 1980 y por indultos en la década de 1990.

Sin embargo, esta etapa de impunidad comenzó a clausurarse en 2001 con la primera declaración de inconstitucionalidad de las llamadas leyes de impunidad. Las decisiones simultáneas de  instituciones responsables de hacerlo, llevaron a la reapertura de casos judiciales y al comienzo de nuevas investigaciones.

El Juicio a las Juntas fue el cimiento sobre el que se construyó todo el proceso de justicia argentino, que aún continúa.

Actualmente, varios procesos legales se llevan a cabo en todo el país en el marco de la justicia ordinaria, con jueces y tribunales comunes. No se han creado tribunales ad hoc o especiales, como ha sucedido en otros países del mundo para hacer frente a situaciones de violaciones masivas de los derechos humanos. La legislación aplicada es la misma que la de cualquier otro caso judicial en el que se investiguen delitos federales.

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Al momento de terminar esta película han sido condenadas 1058 personas, 964 fallecieron mientras eran procesadas y 22 se encuentran prófugas.

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Sobre el director de «El Juicio»: Ulises de la Orden.

• Egresado de la carrera de Dirección en la Universidad del Cine.

• Docente de Dirección en ENERC 2006 – 2022

Su formación académica se vio completada por una vasta experiencia laboral en la industria del cine en la que trabaja desde 1992, participando en importantes producciones en Argentina, Chile, Hungría, Francia, India, Hong Kong, China, Canadá e Inglaterra.

Sus películas son «Río Arriba» (2006), «Tierra Adentro» (2011), «Desierto Verde» (2013), «Mujer Entera» (2015), «Chaco» (2018), «Nueva Mente» (2019), «Amanecer En Mi Tierra» (2019), «Marea Y Viento» (2020), «Vilca, La Magia Del Silencio» (2021). «El Juicio» (2023) es su décima película

Producción

Las 90 jornadas que duró el juicio fueron enteramente registradas por el canal público de televisión. En aquel entonces ATC, a dos cámaras en cassettes U-matic. El registro original se encuentra en su totalidad digitalizado, gracias a los esfuerzos del equipo de trabajo de Memoria Abierta, organización que custodia los originales y cuya participación es clave para la producción de esta película.

No fue fácil dar con el material. En el canal público de televisión, que fue el encargado del registro, me negaron todo tipo de colaboración por temores a castigos políticos. Y en el AGN (Archivo General de la Nación Argentina) que tiene el material en custodia, me sugirieron que para evitar inconvenientes buscara el material en la Universidad de Salamanca (España) que también tiene copia del material en custodia.

En 2019, luego de mucho caminar, supe, a través de mis amigos de la Fundación Luisa Hairabedian que el material de archivo, las 530 horas digitalizadas, están en custodia de Memoria Abierta.

 Nos encontramos con el equipo de Memoria Abierta, llegamos a acordar los lineamientos para poder trabajar en conjunto y entonces sí, estuvimos listos para empezar a visualizar el archivo.

La etapa de visualización, descripción y acondicionamiento del archivo para su uso en la película duró 9 meses y fue realizada por Alberto Ponce (editor), Gisela Peláez (asistente de dirección y directora de producción) y yo. El material que fuimos recorriendo tenía algunos faltantes importantes y algunas cintas muy deterioradas por el tiempo.

Noruega

Por este motivo nos aventuramos a tratar de dar con la mítica copia en VHS alojada en el Parlamento Noruego. La historia de esa copia merece un relato aparte, pero para sintetizar, en 1988 por el temor que despertaron los distintos alzamientos militares posteriores al juicio, los jueces decidieron hacer una copia en casetes VHS hogareños y sacarla del país. De todas las instituciones consultadas fue la International Penal and Penitentiary Foundation, con sede en Dinamarca, quien ofició de nexo con el Parlamento Noruego, en cuyo archivo descansan actualmente los VHS.

Con paciencia y perseverancia logramos entrar en contacto con las autoridades de ese archivo y gestionar en envío de una copia digital. Allí encontramos muchos fragmentos que no están disponibles en la copia original en Argentina. La película utiliza fragmentos de ambas copias.

Este hallazgo motivó la incorporación en la coproducción de la película de Dag Hoel (Dag Hoel Filmproduksjon, Noruega) que en ese entonces ya contaba con la inestimable participación de Alessandro Borrelli (La Sarraz Pictures, Italia) y Richard Copans (Les films d’ici, Francia).

Memoria

El profundo trabajo de análisis realizado sobre ambos archivos también puso en evidencia la necesidad de una nueva digitalización, tanto del archivo U-matic como del VHS en Noruega. En conjunto con Memoria Abierta desarrollamos un proyecto, actualmente en marcha, que coordina esfuerzos entre la Cámara Federal en Argentina, el Parlamento y la Biblioteca Nacional Noruega, con el apoyo económico de la Ford Foundation, para la digitalización y unificación de una copia máster del archivo del Juicio a las Juntas en 4K, con los estándares actuales de procesamiento, y que estará disponible al público a través de Memoria Abierta.

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Pablo Kulcar

Soy periodista mayormente de radio. Pienso a la profesión como una manera de estimular el pensamiento crítico del que escucha, lee o mira. El cine es un placer que nos permite disfrutar de vidas y momentos en los que siempre hay algo nuestro reflejado. Trabajé en radios comerciales, cooperativas y universitarias. Poder describir con palabras lo que una película me hace pensar y sentir, es mi intención y mayor meta para con el lector.

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Estas son algunas preguntas que nos hacemos al reflexionar alrededor de dos películas ubicadas en un mismo período histórico y que ambas denuncian el trato inhumano ejercido por figuras dictadoras: “Hei Tai Yang 731” (1988), también conocido como “Los Hombres Detrás Del Sol”, del director Mou Tun-fei y “Zona De Interés” o «The Zone Of Interest» (2023) de Jonathan Glazer.

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Ambas obras suceden durante la segunda guerra mundial y los crímenes perpetrados pertenecen a potencias del eje que son Japón y Alemania.

“Los Hombres Detrás Del Sol” trata sobre el escuadrón japonés 731, una unidad de experimentación con prisioneros con el objetivo de desarrollar armas biológicas que pudieran usarse durante la guerra. Estos campos secretos están ubicados en el distrito Harbin al noreste de China. Está es una película popular dentro del cine mórbido y controversial. Ha sido prohibida en diversos países de todos los continentes, y no por una censura política, sino por su contenido (cuestionable) explícito. Las imágenes son de una calidad muy cruda y nada recomendable para un público sensible. Para este análisis vamos a dejar a un lado el morbo para centrarnos en la denuncia de los crímenes de guerra que se cometieron.

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La película inicia con jóvenes soldados japoneses que han sido reclutados en el Cuerpo Imperial de la Juventud. Son enviados a la unidad 731 que es encabezada por el doctor Shirō Ishii que experimenta con prisioneros chinos y rusos. El objetivo es crear un arma bioquímica con la plaga bubónica.

Es importante resaltar el grado de inocencia con el que llegan estos jóvenes. Un leitmotiv visual de la obra que representa esta “inocencia” es una pelota. Uno de los soldados lleva una pelota que le regaló su hermano; símbolo de su familia, amor y hogar. Su superior se la quita y la arroja al otro lado de una cerca electrificada del campo. El lazo personal entre el soldado y el objeto lo motiva a ir de noche en busca de la pelota. Pasando por debajo de la cerca la recupera, pero es confundido por un guardia que empieza a disparar. Él al huir choca contra la cerca y muere electrocutado. Este es el primer ejemplo que expone la película de cómo los soldados se tienen que despojar primero de su inocencia. Más adelante será su conciencia y moral; no solamente por estar bajo órdenes, sino como supervivencia física y psicológica.

Más adelante tenemos una escena donde una mujer es amarrada con los brazos extendidos en la intemperie. La temperatura es extremadamente baja y la torturan constantemente vertiendo agua en sus brazos por horas hasta que quedan congelados. Después la llevan al laboratorio, los jóvenes soldados están ahí para presenciar el experimento de quebrar sus brazos de un golpe como si fueran hielo. La reacción de los soldados es de disgusto y repulsión, pero son obligados a mantenerse firmes y sobre todo indiferentes ante la situación. 

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Este tipo de tortura, cada vez más atroz e inhumano, se repiten durante toda la película.

Es interesante notar cómo entre más grandes de edad sean los personajes más se despojan de todo sentimiento de compasión y viven con una indiferencia ante los crímenes. Primero tenemos a estos jóvenes soldados que están siendo adoctrinados a vivir con frialdad, después tenemos a los doctores, comandantes y directores de la unidad que son quienes dirigen y llevan a cabo todos los experimentos. Por último tenemos a una persona mayor encargada de la sala de cremación donde su trabajo es cortar e incinerar los cadáveres de los experimentos. De este último personaje se puede mencionar que su forma de lidiar con el estrés psicológico es por medio del alcohol. Todo el tiempo en pantalla se encuentra ebrio; de esa manera puede bailar y cantar al mismo tiempo que ignora su situación inhumana.

Los soldados son adoctrinados a esta indiferencia por medio de violencia física y psicológica.

Hay una escena en un baño donde están los jóvenes junto con prisioneros chinos desnudos. Les preguntan a los soldados qué son y a todo aquel que responde “hombres chinos” es golpeado como castigo. Su superior les dice: “Son leña para el fuego o para hacer ataúdes. Material para experimentos”. Acto seguido les ordenan matar a golpes a uno de los prisioneros. Aquí podemos ver como son enseñados a tratar a los prisioneros, no como seres humanos, sino como objetos.

Otra secuencia que refleja cómo está crueldad tiene una horrible indiferencia hasta con la inocencia infantil. Después del incidente del joven raso que muere electrocutado recuperando su pelota. A los pocos días los soldados ven a un niño jugando con una pelota del otro lado de la cerca. Los persiguen para quitarle la pelota, pero descubren que se trata de una diferente a la de su amigo. Ocasionalmente vuelve a aparecer este personaje que llega a jugar con uno de los soldados. Un día, ese mismo soldado, recibe la orden del doctor que traiga a la persona más joven que pueda encontrar. Ignorando la razón le trae al niño que continuamente juega del otro lado de la cerca. Esto resulta en una de las escenas más desagradables y grotescas del filme; el niño es sedado para realizarle una autopsia donde le roban los órganos. El soldado que lo entregó al darse cuenta de sus actos entra en un estado de estrés y culpa.

La película está llena de escenas con actos crueles e inhumanos que no vale la pena describir porque repiten esta misma cuestión, ¿hasta dónde es capaz de llegar la crueldad humana al punto de deshumanizarnos de nuestra conciencia moral?

“Los Hombres Detrás Del Sol” es una película controversial por su contenido extremadamente explícito que trata sobre la deshumanización. Ahora analizando “Zona De Interés” nos encontramos que es una película que toca los mismos temas, pero con un acercamiento totalmente opuesto.

“Zona De Interés” trata sobre la familia nazi Hoss, que viven en un pequeño edén construido a un lado de un campo de concentración. El protagonista está basado en el comandante Rudolf Höss. A diferencia de otras películas que tocan el tema de la segunda guerra mundial y la situación de los judíos en ese período, lo interesante es que nunca muestran visualmente ningún acto de violencia en pantalla. Todo está del otro lado del muro. La familia se encuentra en el lado seguro y feliz donde nada carece. Hay patios y jardines amplios para que los niños jueguen y una tierra nutriente donde se pueden cosechar sus propias verduras. Todo esto al costo del trabajo de Höss que consiste en pensar formas más rápidas, prácticas y efectivas de exterminar a más judíos en menos tiempo. La indiferencia que llegan a tener todas estas personas, que no solamente implica a los soldados sino también a sus esposas, llega a ser aterradora.

En una de las primeras secuencias de la película llevan un paquete de ropa; entre las mujeres se reparten ropa de bebé mientras que Hedwig Höss se prueba un elegante abrigo. Lo espeluznante de la situación es que la ropa pertenecía a judíos que llegaron al campo de concentración. Toda esta situación se vuelve más angustiante cuando Hedwig se prueba un labial que estaba en el saco y de fondo escuchamos disparos junto con gritos de dolor.

El audio en esta película tiene una importancia esencial y además funciona como elemento narrativo para demostrar la indiferencia de los personajes.

Si vemos la película de manera muda no te percatas de ninguno de los crímenes que se cometen en la obra, porque así es cómo los nazis lo experimentaban. Es en el sonido donde constantemente podemos escuchar su conciencia de todos los crímenes que cargaban. En el sonido ambiental de las secuencias dentro de su pequeño edén donde viven, hay un sonido incómodo y pesado que siempre está presente. De manera literal es el sonido de la cámara de gas constantemente trabajando. De manera metafórica es la conciencia turbia con la que viven que siempre está presente y no tienen otro remedio más que ignorarla.

Una de las secuencias más aterradoras se trata de un primer plano de Rudolf Höss, está sumido en sus pensamientos, en el fondo vemos humo, posiblemente de un tren, en el audio hay gritos de infantes y adultos aterrados. Se escuchan gritos, llantos y violencia que nunca vemos, no dejamos de ver el rostro de Höss. Este plano podemos interpretarlo como la indiferencia con la que ve sus actos donde básicamente su falta de empatía hace que no vea las atrocidades. Vive con una conciencia de violencia e inhumanidad normalizada.

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Ahora, la película de igual forma expone los privilegios en los que viven la familia nazi, ¿pero a qué costo?

En una secuencia la madre de Hedwig llega de visita. Le presentan todo el “hogar perfecto” en el que viven y que Hedwig ha diseñado personalmente. Es la casa de sus sueños, un hogar seguro y perfecto donde los hijos pueden crecer de manera sana. En un lado los niños juegan en una pequeña alberca con tobogán, mientras del otro lado está la cámara de gas que constantemente expulsa humo. Hedwig se sienta en su jardín junto con su madre, le dice riendo que hay gente que la llama “La Reina de Auschwitz”.

La madre sí es un personaje que muestra un pesar moral ante el campo de concentración. Lo podemos ver porque no soporta más de un día. Durante la noche la cámara de gas trabaja a su máxima capacidad, por las ventanas de las habitaciones entra un color rojo infierno pintado por las llamas de las chimeneas, a esto se les suma los gritos de horror de las víctimas. Es imposible ignorar el horror que ocurre. La madre no es la única; la institutriz en su habitación no puede dormir y emborrachándose para ignorar la realidad. Al día siguiente Hedwig encuentra una carta de su madre que huye del lugar.

Por su lado Hedwig decide ignorar la realidad de la crueldad inhumana que se vive en el campo de concentración, porque eso implicaría perder ese pequeño edén en el que vive.

De Rudolf podemos hablar también de una indiferencia psicológica que va desarrollando haciéndolo incapaz de sentir empatía por otros seres humanos. La escena que sirve de ejemplo del distanciamiento psicológico son las secuencias de la fiesta. Ahí Rudolf se muestra distante con los demás invitados, absorto en sus pensamientos. Más adelante se aleja de la multitud y la observa desde un balcón. En la siguiente secuencia sabemos lo que pensaba. Llama a su esposa a quien le dice: “A decir verdad, no estaba prestando atención. Estaba ocupado imaginando cómo gasearía a todos en la habitación. Sería muy difícil, logísticamente, por la altura del techo”.

Por último tenemos una secuencia final que está abierta a interpretaciones. Rudolf baja por unas escaleras donde cada piso va tornándose más oscuro cuando empieza a sentir náuseas por visiones del futuro donde los campos de concentración son un museo de las víctimas. 

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Las películas comparten varias similitudes.

Una importante es el contexto cultural de los directores con las historias. Mou Tun-fei es de origen chino al igual que algunas de las víctimas de la película y Jonathan Glazer es judío. Por lo que podemos decir que hay una mirada y voz que pertenece culturalmente a las víctimas. Ambas exponen crímenes de lesa humanidad de donde podemos reflexionar la pregunta; ¿Por qué si los soldados sabían lo que hacían y pasaba, no hacían nada?

Durante los juicios de Nuremberg en defensa de los nazis era que ellos sólo seguían órdenes. ¿Es válido el argumento? ¿Hasta qué punto el patriotismo de un país permite estos crímenes? A partir de esos juicios se crearon los tipos de crímenes contra la humanidad. Sobre todo “Zona De Interés”, además de exponer el cinismo de los nazis, nos invita a reflexionar sobre el presente.

¿Estamos repitiendo situaciones en la actualidad? ¿Cómo esto se traduce a las guerras actuales? Películas para revolver el estómago y reflexionar sobre una conciencia social.

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Olaf Viana

Cuenta con una maestría en Cine Latinoamericano y Caribeño. Cinéfilo apasionado, ha dado clases y conferencias sobre diferentes áreas del cine.

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Tres años después del éxito de la película “The Apartment” (1960) el genial director Billy Wilder volvía a rodar con el mismo dúo protagonista:  Jack Lemmon y Shirley MacLaine la película «Irma La Dulce».

Aunque en un principio la película lo habría reunido tercera vez con la estrella más importante del momento, Marilyn Monroe, si esta no hubiera muerto poco antes de que comenzara la producción. 

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«Irma La Dulce» (Irma La Douce, 1963) es una película dirigida por Billy Wilder, con guión del propio director y su colaborador I. A. L. Diamond.

La película se basa en el musical del mismo nombre, aunque finalmente Wilder prescindió de las canciones y de los números de baile.

La colaboración entre ambos escritores es legendaria y el dúo es responsable de obras como: “Some Like It Hot” (1959) “The Fortune Cookie” (1966)“Kiss Me, Stupid” (1964)  y “The Private Life of Sherlock Holmes” (1970).

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Aunque su adaptación finalmente no fue un musical, la película está filmada y producida como si lo fuese. 

Basta ver los primeros fotogramas, con la espectacular fotografía en Cinemascope y Technicolor de Joseph LaShelle, (que ganó un Oscar). Donde los planos rodados con grúa y travelling muestran el enorme decorado -donde se reconstruye de forma magistral la rue Saint Denis- construido por el diseñador de producción Alexandre Trauner (habitual de Bill Wilder) al que todos recordamos por su inolvidable trabajo en la antes citada “The Apartment« (1960).

Como casi todos los maestros del cine clásico de Hollywood, Billy Wilder planifica con planos largos, con gran profundidad de campo (la parte de la imagen que está bien enfocada y se ve nítida) y…

… usando espejos en el encuadre lo que le permite poder mostrar acciones y personajes sin tener que intercalar más planos.

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Billy Wilder, junto a su editor Daniel Mandell, hace un uso muy inteligente del montaje por asociación de ideas. Como cuando muestra imágenes de los diferentes productos que se venden en el mercado y…

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… seguidamente de las prostitutas que están en el otro mercado, “el de la carne”.

Los actores protagonistas están increíbles. Lou Jacobi como Moustache está a la altura, pero destacando por encima de todo está la labor de Jack Lemmon que tiene que desarrollar sus habilidades realizando doble actuación, como Néstor, un pobre desgraciado que no tiene ni idea de lo que pasa a su alrededor y como Lord X.

Néstor, celoso ante la relación de Irma con otros hombres, idea un plan para retirar a Irma de la prostitución, para ello se transforma en un personaje llamado Lord X, un lord británico que acaba convirtiéndose en el cliente exclusivo de Irma.

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Y es en este desdoblamiento de Jack Lemmon donde está lo que, para mí, es lo más relevante de la película y lo que, para otros, es lo más reprochable. Ya que para entrar en el juego que los guionistas proponen hay que suspender el principio de incredulidad para aceptar el planteamiento y entrar en otra dimensión narrativa, la del cuento.

Y es que en esta parte la película «Irma La Dulce» (Irma La Douce, 1963) pasa de tener un planteamiento ácido y corrosivo a ser un cuento romántico y sentimental, como lo es en el fondo el mismo Billy Wilder.

En ella se nos presenta algo tremendamente original y es que el protagonista, Néstor y su antagonista, Lord x son la misma persona. Y, en una ingeniosa vuelta de tuerca al guión, el primero siente celos del otro (es decir, de sí mismo) hasta el punto de que decide “asesinarlo” lo que termina costándole, en una genial ironía, la cárcel.

La resolución de la historia solo la descubrirán viendo la película.

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Vicente Martín Terán

Director y guionista de cine y televisión. Profesor de Historia del cine, de guion y de dirección en diferentes escuelas e instituciones. Como escritor ha publicado estudios, críticas y artículos relacionados con el séptimo arte. Ha publicado Te acordarás de mí, una novela negra ambientada en el Madrid de Primo de Rivera.

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Considerada como una de las mejores adaptaciones de los Clásicos de Disney en la vida real al puro estilo Live Action, la película “La Bella Y La Bestia” (2017) se encuentra protagonizada por Emma Watson como Bella y Dan Stevens como Bestia.

Te compartimos una serie de fotografías durante las grabaciones de esta película que llegó a la pantalla grande en el 2017, formando parte de la nueva etapa de Disney de llevar sus clásicos a la versión «Live Action».

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• Emma Watson y Dan Stevens en la grabación del baile en el gran salón.

• Bill Condon (Director de la película) y Emma Watson.

• Emma Watson (Bella) y Josh Gad (Le Fou).

• Emma Watson (Bella) y Luke Evans (Gastón).

• Grabación del musical «Be Our Guest».

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• Emma Watson durante la grabación del musical «Be Our Guest».

• Grabación del musical «Something There».

• Emma Watson posando con el maquillaje de Bestia.

• Emma Watson (Bella).

¿Qué otra recopilación te gustaría ver sobre el proceso de grabaciones? Compártenos en los comentarios tus sugerencias.

Sinopsis: «Adaptación en imagen real del clásico de Disney «La Bella Y La Bestia», que cuenta la historia de Bella (Emma Watson), una joven brillante y enérgica, que sueña con aventuras y un mundo que se extiende más allá de los confines de su pueblo en Francia.

Independiente y reservada, Bella no quiere saber nada con el arrogante y engreído Gastón, quien la persigue sin descanso.

Todo cambia un día cuando su padre Maurice (Kevin Kline) es encarcelado en el castillo de una horrible Bestia, y Bella se ofrece a intercambiarse con su padre y queda recluida en el castillo.

Rápidamente se hace amiga del antiguo personal del lugar, que fue transformado en objetos del hogar tras una maldición lanzada por una hechicera.»

• Título original: Beauty And The Beast
• Año: 2017
• Duración: 123 minutos
• País: Estados Unidos
• Dirección: Bill Condon

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“Avengers: Endgame” es una película de superhéroes de Marvel Studios de 2019 basada en el equipo de superhéroes Los Vengadores de Marvel Comics. Dirigida por los Hermanos Russo, y distribuida por Walt Disney Studios, es la secuela directa de “Avengers: Infinity War” (2018).

La cinta “Avengers: Endgame” fue la culminación de la Tercera Fase del Universo Cinematográfico de Marvel (MCU) que ha estado construyéndose a lo largo de 10 años. Un momento especial para abrirle paso a la nueva generación de Superhéroes que tomarán el papel principal en los siguientes años.

Dirigida por Anthony Russo y Joe Russo. Escrita por Christopher Markus y Stephen McFeely. Interpretada por Robert Downey Jr., Chris Evans, Mark Ruffalo, Chris Hemsworth, Scarlett Johansson, Jeremy Renner, Don Cheadle, Paul Rudd, Brie Larson, Karen Gillan, Danai Gurira, Benedict Wong, Jon Favreau, Bradley Cooper, Gwyneth Paltrow y Josh Brolin.

Les dejamos una recopilación de diferentes fotografías que muestran la realización de la película que reunió a todos los personajes del UCM en un momento épico.

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• Brie Larson (Capitana Marvel) posando con el guantelete del infinito.

• Chris Evans, Mark Ruffalo y Scarlett Johansson grabando los primeros intentos de los viajes en el tiempo.

• Scarlett Johansson, Chris Evans, Chris Hemsworth, Brie Larson, Kevin Feige y Joe Russo.

• Cast femenino de «Avengers: Endgame» (2019).

• Brie Larson, Pom Klementieff y Gwyneth Paltrow.

• Grabaciones de la últimas escenas de la película.

• Transformación de Chris Hemsworth.

• Brie Larson, Chadwick Boseman y Tom Holland.

• Chris Hemsworth, Joe Russo, Chris Evans y Robert Downey Jr. viendo una de las últimas grabaciones juntos.

• Robert Downey Jr. grabando su última escena en el UCM.

Un dato interesante sobre el estreno de «Avengers: Endgame» (2019).

La película arrasó en taquilla de una forma muy despiadada en países internacionales como México. Esto se pudo ver mejor reflejado durante la dura batalla de la cinta “Sueño En Otro Idioma” contra «Avengers: Infinity War» en el 2017. Un claro reflejo de la lucha entre el cine latinoamericano contra la máquina Hollywoodense ¿Cómo competir contra algo así?

Como puedes ver en esta imagen de la taquilla de la cadena de cine Cinepolis que se volvió viral en redes sociales durante ese tiempo.

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Continuamos con el análisis de “The Man Who Shot Liberty Valance” (en Hispanoamérica, “Un Tiro En La Noche”. En España, “El Hombre Que Mató A Liberty Valance”), dirigida por John Ford (1962). Donde hablaremos del resto de personajes, comenzando por el antagonista, es decir, el malo de toda la vida: Liberty Valance.

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Liberty Valance (Lee Marvin)representa -junto al personaje de Tom Doniphon (John Wayne) – el viejo oeste con el que Ransom Stoddard (James Stewart) quiere acabar. Por eso Valance va contra él, porque sabe que la llegada de éste, que representa la ley, la civilización, acabará con su persona.

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Acompañando a Liberty Valance hay dos villanos Reese (Lee Van Cleef) y Floyd (Strother Martin) que presentan un cierto carácter psicopático, que iría en aumento en producciones futuras dentro del género del western y que llegaría a su apogeo en las obras de Sam Peckinpah -con quien Strother Martin colaboraría en múltiples ocasiones- y en el “Espagueti Western”, donde Lee Van Cleef desempeñaría un papel fundamental de la mano de Sergio Leone.

A Liberty Valance casi nunca se le ve llegando a un sitio, la mayoría de las veces es como si simplemente se materializará -recurso usado por Alfred Hitchcock para presentar al Ama de llaves de “Rebecca” (1940)- la más resaltable de sus “apariciones” es en las oficinas del periódico cuando Dutton Peabody (Edmond O´Brien)enciende una lámpara y Liberty Valance y sus hombres surgen de la oscuridad.

Como ya he dicho Tom Doniphon sabe que cuando acaba con Liberty Valance está acabando consigo mismo, pero su sacrificio no es en bien de la comunidad, ni en aras de la civilización. Su sacrificio, como el Ruiseñor del cuento de Oscar Wilde “El Ruiseñor Y La Rosa” (1888), será por el amor de Hallie (Vera Miles).

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Hallie podría ser una versión más adulta del personaje de Laurie, que la misma actriz interpretó en “The Searchers”. Su personaje es una especie de catalizador, ya que hace que la mayoría de las decisiones importantes de la historia se tomen por iniciativa suya: es ella quien anima a Stoddard a abrir una escuela; es ella quién evita que éste huya ante la amenaza de Liberty Valance; quien recurre a Doniphon para salvarle la vida a Ramson y quien propone la idea para la transformación del territorio en el Congreso con su programa de riego.

Muy interesante es el personaje de Pompey (Woody Strode) que sirve a Ford para que veamos el papel que desempeñaban la mayoría de los negros en una sociedad blanca: participaban de esta, pero estaban excluidos de los bares, las instituciones y la iglesia, todos ellos copados por los blancos.

La mayor parte de la película ambientada en el pasado transcurre de noche. Pocas secuencias, como el caso de la ambientada en la escuela, pasan de día.

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Como en muchas de las películas de John Ford, y en el nacimiento mismo del cine, los trenes tienen un papel importante. En “El Hombre Que Mató A Liberty Valance” la película comienza con la llegada de uno y…

 … termina con la partida de otro. Y en el espacio de tiempo entre ambos trenes nuestra percepción del tiempo, el espacio y los personajes cambia.

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En lo relativo al tratamiento visual es una rara avis en las películas (sobre todo los westerns) de John Ford ya que es una película oscura…

…con abundantes decorados interiores, no localizaciones naturales y…

… bastantes primeros planos para lo que Ford acostumbra

Resulta irónico que sea Tom Doniphon quien propicia la muerte del viejo oeste en el argumento de “Liberty Valance” y sea el mismo John Ford quien, con esta película, mató al western clásico -del que él fue el máximo Maestro y exponente, un símbolo del género- propiciando lo que se llamó western crepuscular (con un montón de notables obras, sobre todo de Sam Peckinpah) y también de esa aberración mal llamada espagueti western (con muchas menos obras notables).

“The Man Who Shot Liberty Valance” (en Hispanoamérica, “Un Tiro En La Noche”. En España, “El Hombre Que Mató A Liberty Valance”), dirigida por John Ford (1962).

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Este artículo es una continuación de esta PRIMERA PARTE del análisis.

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Vicente Martín Terán

Director y guionista de cine y televisión. Profesor de Historia del cine, de guion y de dirección en diferentes escuelas e instituciones. Como escritor ha publicado estudios, críticas y artículos relacionados con el séptimo arte. Ha publicado Te acordarás de mí, una novela negra ambientada en el Madrid de Primo de Rivera.

La entrada El Hombre Que Mató A Liberty Valance (Parte 2) – Análisis se publicó primero en CinReservas.

Se puede considerar que “The Man Who Shot Liberty Valance” (en Hispanoamérica, “Un Tiro En La Noche”. En España, “El Hombre Que Mató A Liberty Valance”), dirigida por John Ford (1962) es el primer western crepuscular.

Se conoce como western crepuscular aquel que comienza a revisar el enfoque clásico del western donde los buenos eran muy buenos y los malos muy malos. Donde los nativos americanos eran representados como salvajes asesinos y las mujeres como simple acompañamiento del protagonista.

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“El Hombre Que Mató A Liberty Valance” (1962) pudo realizarse por la concatenación de una serie de circunstancias: en primer lugar, Hollywood estaba cambiando.

Los productores de las grandes compañías de Hollywood estaban muriendo o envejeciendo y los actores estaban adquiriendo importantes cotas de poder al tiempo que una nueva hornada de productores independientes, de ideas más liberales, se sumaban a la causa de lo que se vino a llamar “El Nuevo Hollywood”.

En segundo lugar, la relajación de la censura impuesta por el código Hays; por último, Ford era ya un anciano, con un pie fuera de los grandes estudios, alguien que no tenía nada que demostrar y que pudo hacer la película que le vino en gana.

John Ford se empeñó en que la película se rodase en blanco y negro. El director no visualizaba que la escena culminante de la película, el tiroteo, -que se ve dos veces desde puntos de vista opuestos- fuese en color ya que esto no le habría permitido el contraste entre luces y sombras que la secuencia necesitaba.

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Mientras que el punto de vista que narra “la mentira” es más luminoso… 

… el que narra lo que de verdad sucedió es más oscuro y contrastado.

Reseñar que Ford, famoso por ser uno de los que tenía mejor ojo para la composición y -sobre todo- para retratar paisajes, decidiera que en esta ocasión el paisaje estuviera casi ausente y que la película sea visualmente “pobre”.

Los únicos exteriores de la historia son los que muestran a la antigua ciudad de Shinbone y al rancho de Tom Doniphon (John Wayne).

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Esta ausencia de exteriores y paisajes hace de “The Man Who Shot Liberty Valance” una de las películas más teatrales de John Ford, con un número limitado de decorados y una gran concentración de actores, y también de las más claustrofóbicas. Todo ello al servicio de la historia.

Como en muchas películas de Ford “El Hombre Que Mató A Liberty Valance” habla de la necesidad de que el individuo se someta por el bien común. Del sacrificio del héroe para favorecer el desarrollo de una sociedad a la que, en muchas ocasiones, desprecia. Basta recordar su otra obra magna: “The Searchers” (1956) para entender este concepto del universo “fordiano”, pero es en “Liberty Valance” donde el director pone en duda que el sacrificio sea para bien.

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Aludiendo nuevamente a “The Searchers”, donde Ford nos narra la evolución del protagonista, que nos es presentado como un tipo racista y desagradable hasta convertirle en el héroe prototípico del western moderno. En “Liberty Valance” lo hace al revés, comienza con el protagonista convertido en héroe para que, cuando la verdad es revelada, averigüemos que el “héroe” fue otro.  

En “El Hombre Que Mató A Liberty Valance” el paso del tiempo no es un simple elemento de medida, sino algo tangible que provoca que la sociedad y las personas cambien y no siempre para bien.

La película se centra directamente en el cambio que se produce tanto en el pueblo de Shinbone como en Ransom Stoddard (James Stewart). Pero “por detrás” se nos cuenta otro cambio, el que se produce en Tom Doniphon y en el propio oeste.

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Liberty Valance (Lee Marvin) representa al oeste salvaje y por eso debe ser eliminado. Irónicamente, será Doniphon -quien también es alguien perteneciente a ese viejo oeste- quien lo haga, dejando paso así al personaje interpretado por James Stewart que representa los nuevos tiempos y la “civilización”.  

Aparco aquí este artículo que se completará con la entrega de la próxima semana. Mientras aprovechen para ver, o revisitar, este maravilloso western.

“The Man Who Shot Liberty Valance” (en Hispanoamérica, “Un Tiro En La Noche”. En España, “El Hombre Que Mató A Liberty Valance”), dirigida por John Ford (1962).

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Vicente Martín Terán

Director y guionista de cine y televisión. Profesor de Historia del cine, de guion y de dirección en diferentes escuelas e instituciones. Como escritor ha publicado estudios, críticas y artículos relacionados con el séptimo arte. Ha publicado Te acordarás de mí, una novela negra ambientada en el Madrid de Primo de Rivera.

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“Once” (2007) está dirigida y escrita por John Carney. Protagonizada por Glen Hansard (músico de la banda “The Frames” al que también pertenece Carney) y Markéta Irglová.

A veces confundimos sencillo con simple. Pensamos que algo sencillo es por naturaleza simple, tanto en su concepción como en su comprensión. Nada más lejos de la realidad, lo sencillo -y lo sé por experiencia- no es fácil.

Cuando publiqué mi novela ”Te acordarás de mí” mucha gente me comentaba: “me ha gustado mucho y, además, es sencilla de leer”. Amigo, que sea fácil de leer no significa que sea fácil hacer que te resulte fácil de leer.

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“Once” es una película de esas que parecen simple:

Su duración es corta, no llega a los noventa minutos; su guión no es complicado, es una historia muy lineal, con una estructura clara y definida; la historia tampoco es original: chico conoce chica; en cuanto a la dirección, no esperes complicados movimientos de cámara ni efectos.

¿Entonces qué hace tan especial a “Once?  Que está rodada con el corazón y conecta con tu alma. Así, directamente.

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Por momentos la película está rodada como un documental, retratando las calles de Dublín con una enorme naturalidad. En otras ocasiones la planificación es más elaborada pero siempre se encuentra al servicio de la historia.

Se diría que Carney, que también es músico, desarrolla cada secuencia con el mismo tratamiento que da a las maravillosas canciones que ilustran musicalmente la historia, unas son super sencillas (un piano y una intensa interpretación vocal) y otras contienen orquestaciones y arreglos más complicados.

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Y es que uno de los valores más grandes de la película es su maravillosa banda sonora.

La película habla del amor entre las personas y del amor que sentimos por la música. Y eso se nota en las canciones cuya letra, como un diálogo más, hacen que se desarrolle la historia.

Hay canciones tiernas, divertidas, tristes. Interpretaciones desgarradoras por su intensidad y piezas Pop absolutamente deliciosas. No conozco a nadie que le haya gustado la película que no tenga la banda sonora.

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En cuanto a la interpretación quiero señalar que no son actores profesionales, son músicos que actúan y eso se nota especialmente en Markéta Irglová, pero su naturalidad y, sobre todo, su interpretación de las canciones hace que no lo tengamos en consideración. 

Por otro lado, Glen Hansard está estupendo tanto en su labor como interprete dramático como en su faceta de músico. Él es el alma de la película y sus interpretaciones están cargadas de autenticidad.

“Once” es como una de las grandes canciones de Van Morrison, nunca quieres que se acabe.

Es de esas películas en las que, a medida que llega su final, sientes tristeza porque esa maravillosa experiencia va a terminar y sabes que, aunque la vuelvas a ver una o mil veces nunca se repetirá -como en el primer beso- la emoción que sentiste la primera vez.

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Vicente Martín Terán

Director y guionista de cine y televisión. Profesor de Historia del cine, de guion y de dirección en diferentes escuelas e instituciones. Como escritor ha publicado estudios, críticas y artículos relacionados con el séptimo arte. Ha publicado Te acordarás de mí, una novela negra ambientada en el Madrid de Primo de Rivera.

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“Vértigo” (Fall, 2022), es un film que aborda uno de los miedos más aterradores, el de las alturas, y es protagonizada por Grace Caroline Currey, Virginia Gardner, Mason Gooding y Jeffrey Dean Morgan. La película fue producida por Lionsgate Films y dirigida por Scott Mann en Estados Unidos.

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Cabe contextualizarse en que vértigo proviene del latín vertīgo, -ĭnis, que significa movimiento circular. Según la Real Academia de la Lengua Española (RAE), y se refiere a sensaciones turbulentas.

• “1. m. Med. Trastorno del sentido del equilibrio caracterizado por una sensación de movimiento rotatorio del cuerpo o de los objetos que lo rodean. 2. m. Med. Turbación del juicio, repentina y pasajera. 3. m. Apresuramiento anormal de la actividad de una persona o colectividad. ~ de la altura. 1. m. Psicol. Sensación de inseguridad y miedo a precipitarse desde una altura o a que pueda precipitarse otra persona” (RAE).

Es así como, “Vértigo” (2022), se convierte en una cabal representación de esta fobia a las alturas donde el suspenso es encantador, y con regularidad se evidencia la necesidad de la supervivencia.

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Antecedentes que muestran distintas perspectivas del vértigo.

De esta película existen otras versiones, las cuales fungen como un antecedente de suspenso, drama psicológico y supervivencia.

“Vértigo” (1946), es un film mexicano dirigido por Antonio Momplet, y protagonizado por María Féliz, Lilia Michel y Emilio Tuero, que en Brasil fue conocida como “Desvarío”, y en Estados Unidos como “Dizziness” en la adaptación de la novela de Pierre Benoit “Alberte” (1926).

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“Vértigo” (1958), en Hispanoamérica o “Vértigo (De entre los muertos” en España. Es una película estadounidense protagonizada por James Stewart es una obra de cine negro y suspenso psicológico dirigida por Alfred Hitchcock. Éste film se inspiró en la novela de Pierre Boileau y Thomas Narcejac “D’entre les morts (De entre los muertos” (1954).

Adicionalmente, se debe tener en cuenta que “Vértigo” (2022) fue producida por el mismo equipo de “Terror a 47 metros (47 Meters Down)” (2017), y es un antecedente de sobrevivencia en un espacio submarino y de tiburones blancos. Ésta obra de terror británica estuvo dirigida por Johannes Roberts, y protagonizada por Mandy Moore, Claire Holt, Chris J. Johnson, Yani Gellman, Santiago Segura y Matthew Modine.

Acrofobia, el inicio.

La acrofobia, proviene del griego «cima» y «miedo»; convirtiéndose en el término médico de la especialidad psiquiátrica para denominar el miedo a las cimas o alturas, el cual es el principio de toda esta filmografía de manera completamente irónica.

“Vértigo” (Fall, 2022), se contextualiza con Becky (Grace Caroline Currey) y Dan (Mason Gooding), una pareja de felices casados que en compañía de Shiloh Hunter (Virginia Gardner) –una influencer que se dedica a ganar dinero contando sus experiencias de viaje–, escalan una montaña, en la cual Dan cae al vacío y pierde su vida, dejando a Becky en un mar de tristeza y depresión, inclusive un año después.

Es allí, donde su padre James (Jeffrey Dean Morgan)contacta a su mejor amiga Shiloh Hunter (Virginia Gardner), para que la reconforte, la cual acepta y le propone a Becky la osada aventura de escalar la torre de televisión de 610 m «2000 pies», para lanzar desde allí las cenizas de Dan (Mason Gooding), y hacer de este ritual la catarsis con la que darían cierre a esa etapa de sus vidas.

Las mejores amigas emprenden la aventura, luego de que Becky se resiste un poco y finalmente acepta para enfrentar sus miedos y darle final al duelo de su amado Dan.

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Shiloh Hunter (Virginia Gardner), va más que preparada, con todos los implementos necesarios: arneses, mochila con agua, comida, teléfonos celulares y un dron. Y previo al ascenso va publicando vídeos de la aventura con sus seguidores en las redes sociales.

La oxidada torre de la muerte.

Las aventureras amigas en “Vértigo” (2022), se desplazan durante 6 horas para llegar a la torre telefónica, la cual van a derribar dentro de pocos días, y por ello quieren escalarla antes de que ello suceda. Ellas conducen hasta donde se acaba el acceso por vehículo, el cual dejan en la verja y caminan pocos kilómetros dentro del desierto para llegar a la corroída y oxidada torre telefónica.

Cuando ven la monumental torre Becky se estremece y arrepiente de momento de su decisión de escalarla, aunque al final se recupera e inician el accenso, con Shiloh Hunter en la cabecera. Primero recorren la primera parte de la torre, a través de una escalera interna dentro de ésta. Y los últimos 60 metros los suben con una escalera externa, la cual no tiene verjas de contención.

Al llegar a la cima utilizan el dron para hacer panorámicas del lugar y hacer vídeos para los seguidores de Shiloh Hunter, sin darse cuenta durante el transcurso del acenso a la torre algunos tornillos corroídos y oxidados se han estado desajustando y despegando de partes de la torre.

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En la cúspide y éxito de la torre, se toman fotos, Shiloh Hunter hace un reto de rodear la circunferencia de la punta de la torre, y luego de ello sucede el momento más intenso y espeluznante de “Vértigo” (2022). Se derriba la estructura de la torre externa bajo sus pies, dejándolas completamente incomunicadas de manera tangible de la superficie terrestre y lo más tenebroso, sin señal telefónica para pedir auxilio.

Pidiendo auxilio en medio de la nada.

En medio del desespero, utilizan diferentes ideas en medio de la nada para pedir ayuda. Usan el teléfono de Shiloh Hunter programando un mensaje de ayuda a sus seguidores, y lanzándolo al suelo en medio de una zapatilla converse roja, con el relleno de su sujetador, y fallando en el intento, porque el teléfono se estalla contra el suelo sin que el mensaje llegue.

También, son molestadas por unos buitres que hacen que la mochila de provisiones caiga en la antena que está a unos cuantos metros de ellas, y en el desespero Shiloh Hunter baja hacia la antena para recuperar la bolsa y el dron.

El drone 4K lo cargan en la asta de metal que se encuentra en medio de la circunferencia donde están atrapadas y lo envían hacia el restaurante del motel cercano a la torre, con un papel que pide ayuda. El dron es derribado por un camión que lo estrella en carretera.

La última oportunidad la usan con una bengala que encontraron en la torre, y al lanzarla llaman la atención de un par viajeros de una casa rodante que se ven cerca, los cuales, si las ven en la alta torre, pero no las ayudan, sino que se dirigen a la verja donde ellas dejaron su auto y lo roban, abandonando inmediatamente el lugar. Dejando a Becky y Shiloh a la víspera de sus muertes.

Los converse rojos de Shiloh Hunter (Virginia Gardner).

Para asegurarse de que el mensaje de auxilio llegué a la tierra, Becky (Grace Caroline Currey) en medio de su debilidad, deshidratación, desnutrición y las varias noches que lleva en la torre le queda una idea más.

Ella piensa en que puede utilizar su teléfono celular para pedir ayuda a su padre James (Jeffrey Dean Morgan) con un mensaje de texto, utilizando la otra zapatilla roja de su amiga Shiloh Hunter.

Pero es justo en ese momento donde el surrealismo brilla con extrema pretensión y majestuosidad.

Becky se da cuenta de que su amiga Shiloh Hunter está muerta, ya que cuando intentó recuperar la mochila de provisiones cayó en la antena de televisión, pero no sobrevivió, murió desangrada y fue devoraba en cierta parte por los buitres del desierto que las acechaban desde hace rato.

Entonces, Becky reacciona y agarra fuerzas para sobrevivir. Se hace la muerta ante un buitre, lo captura y le parte la cabeza. Luego se alimenta de él para recuperar energías. Y, ya preparada baja a la antena, donde introduce su celular en la zapatilla roja de su amiga. Pero, a su vez, introduce la zapatilla converse roja en un costado del cuerpo de su amiga Shiloh Hunter, lanzando el cuerpo en caída libre, y asegurándose que pueda llegar la ayuda lo más pronto posible.

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Efectivamente, llega el mensaje de ayuda al teléfono de su padre James, quien apresuradamente se desplaza al lugar en medio del desierto, con la compañía de la ambulancia y las autoridades locales.

Los secretos en la torre.

En medio del surrealismo en la torre telefónica Becky se entera de que Shiloh estuvo enamorada de Dan y que sostuvo una relación con él 4 meses previos al matrimonio, en los cuales, evidentemente Becky no se dio cuenta. Y Shiloh había desaparecido luego de la muerte de Dan porque no soportaba el dolor de la pérdida de ambas ante su amor en común, y así enfrentar la infidelidad.

También, la relación entre Becky y su padre James se muestra quebrantada, donde ella no quiere ayuda para superar su pérdida del hombre al que su padre repudió siempre. Pero en el amor paternal James es quién salva a su hija de las garras de la muerte en aquella espeluznante torre.

En definitiva, en “Vértigo” (Fall, 2022) es exquisito los diferentes efectos especiales del equipo productor, los cuales hacen que el espectador no se dé cuenta sino hasta el final del momento de la muerte de Shiloh y, de que, Becky estuvo delirando desde que su amiga intentó recuperar la mochila fallidamente.

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Ángela Ma. Romero Ortega

Colombiana y ciudadana global. Mi formación ha me ha hecho Lic. en Humanidades, Lengua Castellana, por la UDEA (Colombia) y Mtra. en Gestión del Aprendizaje, por la UV (México). En la actualidad me desempeño como Docente de Lengua Materna. Me dejo seducir por las letras, las palabras y el cine que revoluciona.

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Una de las últimas contribuciones interesantes a este subgénero es «Teléfono Negro» (The Black Phone, 2022) dirigida por Scott Derrickson.

El cine de terror está unido a la infancia y la adolescencia. Hay decenas de películas de este género en la que los protagonistas son niños o adolescentes, ya sean estos victimas – “The Shining” de Stanley Kubrick (El Resplandor, 1980) – o verdugos – “The Omen” (1976) Richard Donner-.

«Teléfono Negro» está basada en un cuento de Joe Hill (hijo de Stephen King) y cuenta con guión del propio Scott Derrickson y C. Robert Cargill, con quien ya había colaborado en la terrorífica «Sinister» (Siniestro, 2012) y en la también terrorífica (pero por otros motivos) “Doctor Strange» (2016).

La película cuenta la historia de un niño llamado Finney (Mason Thames) y Gwen, su hermana pequeña (Madeleine McGraw) quienes viven en un suburbio del Detroit de 1978.

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«Teléfono Negro» tiene una estupenda ambientación que retrata con sumo realismo el norte de Denver en 1978. 

El retrato del paisaje urbano que se nos presenta contribuye en situarnos a nivel emocional para lo que va a suceder.

El Raptor. Al comienzo nos presentan cómo, en el entorno donde se desarrolla su día a día, la violencia les rodea: en casa su padre les maltrata física y verbalmente…

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… en la escuela sufren el acoso de los abusones y las peleas son presentadas muy gráficamente.

A esto hay que unir la amenaza de «El Raptor” un asesino en serie que secuestra adolescentes.

El personaje de “El Raptor”, interpretado por el irreconocible Ethan Hawke lleva una máscara diseñada por el maestro del maquillaje Tom Savini.

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La máscara multifacética.

El diseño de la máscara recuerda el mítico maquillaje del clásico de terror de la época muda “The Man Who Laughs” (1928) dirigida por Paul Leni e interpretada por Conrad Veidt (quien también inspiró el diseño de “The Joker” de los cómics de Batman).

En el cuento original “El Raptor” era un payaso por lo que para evitar referencias a “It”, tanto a la versión de TV como a la estrenada en cine. Es así como, al director se le ocurrió la brillante idea de crear hasta tres máscaras que permitían varios cambios y combinaciones de forma.

Entonces, según fuese la máscara que llevaba, el personaje podía manifestar unas emociones u otras.

En «Teléfono Negro» (2022) es sumamente interesante el tratamiento visual que se da tanto a las visiones que tiene Gwen, como las que ilustran los recuerdos de las víctimas del Raptor.

Así pues, la película se rodó con texturas diferentes, que producen la sensación de pesadilla surrealista que causa una tremenda desazón.

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Aunque es un relato duro «Teléfono Negro» (The Black Phone, 2022) no abusa de la sangre.

Es más, la presencia de esta es más frecuente en la primera parte de la película, que cuando se nos narra la peripecia que sufre Finney después de ser secuestrado.

Durante esta parte el director usa de manera sobresaliente el espacio para conseguir que estemos en tensión y expectantes a pesar de que todo sucede en un solo decorado.

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Inspiración en Stephen King.

Joe Hill introduce elementos en su obra que ya estaban presentes en los libros de su padre: los protagonistas son adolescentes de clase trabajadora enfrentados al mundo que han creado los adultos. Como en la obra de Stephen King es muy importante la irrupción de lo sobrenatural en el mundo real. Aquí, se pone de manifiesto en las apariciones que ve Finney durante su cautiverio.

Gracias a ese teléfono negro, que da título a la película, “The Black Phone”, los fantasmas de las anteriores víctimas se le aparecen para ayudarle a conseguir lo que ellos no pudieron: escapar y, sobre todo, vengarse.

«Teléfono Negro» es una referencia a la obra de Stephen King, con el hecho de que Gwen tenga visiones en las que, contactando con las víctimas, puede “ver” sucesos que están relacionados con los asesinatos.

Por otro lado, es muy importante resaltar que cada vez que aparece la joven actriz Madeleine McGraw, quien interpreta a Gwen, su presencia eclipsa a los que comparten escena con ella.

La película tiene guiños a la obra de Stephen King, siendo el más obvio la secuencia en la que Gwen monta en bicicleta, bajo una terrible lluvia, con un impermeable amarillo en una clara referencia a la muerte de Georgie en “It”.

«Teléfono Negro» (The Black Phone, 2022) es una estupenda película de terror que hace que durante su metraje estemos pegados a la pantalla pasando un buen-mal rato y, de paso, plantearnos si la sociedad de 1978 que nos presenta es tan diferente a la actual.

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Vicente Martín Terán

Director y guionista de cine y televisión. Profesor de Historia del cine, de guion y de dirección en diferentes escuelas e instituciones. Como escritor ha publicado estudios, críticas y artículos relacionados con el séptimo arte. Ha publicado Te acordarás de mí, una novela negra ambientada en el Madrid de Primo de Rivera.

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